American Factory (Steven Bognar, Julia Reichert, 2019) – 9/10

De la esperanza a la decepción, la historia de los trabajadores de una planta en Ohio que perdieron su trabajo cuando quebró General Motors y consiguen nuevos empleos al instalarse una empresa privada china, con condiciones de trabajo y una filosofía laboral muy distintas.

Ficha IMDb

 

En 2008 General Motors cierra su planta de Dayton, Ohio, dejando a 2000 familias sin fuente de ingresos. provocando la perdida de 10 000 empleos locales. Siete años después llega el señor Cao Dé Wàng, dueño de la empresa Fuyao que fabrica ventanas para automóviles. Utiliza el local y contrata a 2000 de los exempleados. Es un alivio para todos. Aceptan con gusto nuevas condiciones de trabajo, salarios inferiores, a veces menos de la mitad, horarios mas largos. Aceptan la llegada de unos 200 trabajadores chinos, en su mayoría jóvenes que no conocen ni el idioma, ni las costumbres. Todo con tal de tener por fin un trabajo.

 

La cinta sigue el orden cronológico de los sucesos : la preparación, el principio de las operaciones, los descubrimientos progresivos de las nuevas condiciones. Dos momentos claves constituyen dos peripecias notables. Un viaje a China inmerge a los trabajadores americanos en la vida de una empresa china, con sus rituales, sus exigencias, sus fiestas. Un culto casi religioso a la empresa muestra claramente una mentalidad de sacrificio : el trabajador tiene que entregar todo su tiempo y su energía al triunfo de la empresa, que significa el triunfo del régimen, que significa la felicidad del pueblo. Trabajar más, más rápido, mas eficientemente, obedecer sin discutir.

 

El segundo momento es la cuestión del sindicato. Cao Dé Wàng lo establece muy claramente: “Si hay sindicato, cierro la planta”. Para preparar las elecciones que decidirán de la constitución o no del sindicato,  contrata el Labor Relations Institute para “informar” a los trabajadores de los peligros de los sindicatos, las juntas tienen lugar durante el tiempo de trabajo lo que las vuelve obligatorias.

 

De la misma forma que el trabajador gringo debe entender la mentalidad china, se espera de los trabajadores chinos en Estados Unidos que conozcan, mas no que entiendan, la mentalidad del gringo en general y del trabajador. Las sesiones de información no están exentas de juicios : los gringos son lentos y flojos, piensan que siempre tienen la razón y son individualistas. Esos jóvenes chinos tuvieron que aceptar dejar su país y sus familias por dos años, sin ninguna prestación especial. Poco a poco se tejen relaciones de amistad, se intercambian costumbres. Porque, la cinta lo deja muy evidente, el problema no está entre los individuos. Está entre mentalidades colectivas, entre sistemas laborales.

 

La personalidad dominante es el dueño, un personaje no muy simpático de entrada. Él decide hasta los mínimos detalles de decoración, el sabe, el exige, el quiere ganar dinero. Es un empresario liberal en toda la extensión de la palabra. Representa un sector de la economía china que no es dominante en el país .

 

Tres años duraron la investigación y la filmación, dando unas 1000 horas de material. Se filmó de cerca tanto el trabajo en la planta, las juntas de todo tipo dirigidas a los gringos, a los chinos o a todos juntos, las visitas de preparación, la ceremonia oficial de inauguración con todo y discurso del gobernador del estado. Puede sorprender la libertad que dejó el dueño al equipo de Bognar y Reichert para que se metan a todas partes y escuchen a todos y para que difundan algunos momentos que parecen inaceptables. Talvez porque vive en una certeza de tener la razón en su intento de hacer su fabrica lo más productiva y rentable posible y que para eso se necesita imponer ciertas condiciones de trabajo y de salario : reducir el número de obreros con el riesgo de disminuir la seguridad, pagar poco, imponer jornadas mas largas, reducir vacaciones. Se presentan retratos entrañables de individuos de orígenes diferentes, con gustos y preocupaciones muy distintas, todos con un acento de autenticidad y sinceridad. Gente de verdad. Gente honesta. Orgullosa de su trabajo, de sus familias, de su país, de su cultura. Aquí hablan todos los puntos de vista, a nadie se le quita la palabra.

 

La cinta logra mantenerse en un equilibrio que no favorece a nadie. No dicen que los chinos tengan la razón o los gringos. Pone en claro que el capitalismo niega las libertades de los trabajadores, que el objetivo de producción y de rentabilidad es incompatible con los derechos laborales : decisión dentro de la empresa, seguridad, horarios compatibles con la salud y la familia. Las empresas privadas funcionan de la misma forma en todos los países y tienen herramientas afiladas para garantizar las condiciones de trabajo que les favorecen. Si bien es cierto que la mentalidad del trabajador es diferente según el país, cosa que vemos también con Europa, con Escandinavia, con Asia en general (puede ser Japón o Corea), Fuyao es una empresa privada antes que una empresa china : allá la mayoría son empresas estatales o cooperativas (por ejemplo, Huawei) y dan a sus empleados condiciones mucho mejores que Fuyao.

 

Así que el tema de The American Factory es, además de la constatación de las diferencias culturales y los problemas de adaptación a otra cultura, modo de vivir y de trabajar, una denuncia de las herramientas utilizadas por la economía liberal.

 

La película es un documental, pero no renuncia a cualidades artísticas. El prólogo es un ejemplo brillante en su ritmo, sus planes cercanos a las máquinas, su música, constituyendo una pequeña sinfonía o un poema lírico en honor a la vida industrial, un baile de maquinas y manos en la precisión y la perfección del trabajo. Conforme avanza la cinta, estas características artísticas van desapareciendo porque las cosas se ponen serias, los problemas no dejan espacio o tiempo para hacer arte.

 

Poco a poco, el documental logra destilar una profunda repulsión por un sistema de explotación infame, una nueva esclavitud, donde los esclavos se consideran felices por tener trabajo y abdicar toda forma de libertad, de movimiento o de pensamiento, de asociación. Choca saber que este sistema enriquece a un capitalista en un sistema comunista. Cuesta trabajo para los adultos actuales entender cómo la austera China comunista se transformó en un mundo de maquinas que tiene como único objetivo la producción invasora y el enriquecimiento de algunos.

 

Pero no deja de asustar la caída de los Estados Unidos y las sociedades “libres”, las del liberalismo que sólo ha sabido propiciar una pauperización creciente. Claro, no hay que olvidar quién produce la cinta (o mejor dicho compró)  : además de fomentar el miedo hacia China, se trata de alimentar la oposición política a Trump . Pero el fracaso de General Motors, causa primera de la situación de los trabajadores de Dayton se produjo durante el tiempo Obama, y de todas formas la caída de la industria automotriz había empezado años antes .

 

La conclusión es que, China o Estados Unidos, capitalismo liberal o capitalismo comunista, quien sufre siempre es el trabajador. Las reglas del capitalismo son las mismas, aunque la concepción del trabajo y del ser humano sean opuestas. American Factory lo muestra con talento pedagógico y estético.

Jack Reacher (Christopher Mcquarrie, 2012) – 6/10

 Uno de los episodios de las aventuras del personaje de Lee Child, con poca creatividad, mucho movimiento. La historia simplona es una oportunidad para Tom Cruise para enseñar sus músculos y su agilidad.

 

Ficha IMDb

En Pittsburg, un hombre mata a cinco personas desde un estacionamiento. El inspector Emerson (David Oyelowo)  detiene muy rápidamente a un sospechoso, James Barr (Joseph Sikora) después de una investigación sumamente eficiente. El hombre se niega a contestar las preguntas del policía o del Fiscal Alex Rodin (Richard Jenkins)  pero pide se contacte a Jack Reacher (Tom Cruise). Ex policía militar, este vive libre de ataduras y sin contactos sociales o afectivos.  

 

La abogada de Barr, Helen Rodin ( Rosamund Pike) es hija del fiscal cuya sombra gigantesca la molesta. Reacher le explica que su cliente ya fue implicado en un asunto muy parecido en Irak. Mientras Reacher descubre incoherencias en el lugar del tiroteo , incompatibles con lo que haría un sniper entrenad, Helen al hablar con las familias de las víctimas trata de establecer una conexión entre ellas. La conclusión de los dos es que sólo una muerte tiene sentido, la de Oline Archer (Susan Angelo) dueña de una empresa de construcción, las demás sirviendo para despistar.

 

El dueño del campo de tiro donde Barr se entrenaba, Martin Cash (Robert Duvall), ex Marine,  acepta ayudar a Reacher después de que este le demuestre sus capacidades de tirador de elite.

 

Quien manipuló a Barr fue un cierto Charlie (Jai Courtney) a las ordenes del inquietante Zek Tcheloviek (Werner Herzog)) quien fue prisionero de los gulags soviéticos y tuvo que cortarse con sus propios dientes varios dedos gangrenados. Después de provocaciones, peleas, secuestros, muertes misteriosas, llega el ultimo enfrentamiento del cual Reacher y Helen saldrán ilesos, los malos acaban muertos y la hija puede abandonar las sospechas que tenía sobre su padre. Y Reacher vuelve a desaparecer.

 

Lejos de la serie de Misión: Imposible, esta cinta que quiere ser la primera de otra saga no tiene mucho encanto. Si Misión: Imposible funciona sobre un equipo de amigos con talentos complementarios que permiten el trabajo del héroe Ethan Hunt, Jack Reacher actúa solo, lo que limita mucho las escenas con diálogos y aumenta la proporción de escenas de pura acción. Por otra parte, la dinámica entre los personajes de Misión: Imposible funciona sobre el humor, característica que brilla por su ausencia en Jack Reacher.

 

Como es su costumbre, Tom Cruise hace sus propias cascadas, en las persecuciones en coche y en las peleas. Robert Duvall es tal vez el único que parece disfrutar estar en esta cinta, con su sonrisita cínica. Más perturbador es Werner Herzog, el gran director de cine, quien interpreta a un personaje sombrío, angustiante, que se impone por el espesor de un pasado vivido en el infierno .

 

Una cinta de acción, superficial y previsible.

Bird Box ( Susanne Bier, 2018) – 7.5 /10

 

Un cuento de terror post apocalíptico, bajo la amenaza de una fuerza convincente asesina y suicida. Una mujer logra escapar con dos niños. Clásico relato con las clásicas etapas y un final poco convincente. La actuación de Sandra Bullock es interesante. La cinta es la adaptación de la novela de Josh Malerman.

 

Ficha IMDb

 

Primera línea narrativa : una mujer (Sandra Bullock) escapa con dos niños en un bote después de darles instrucciones insistentes : nunca quitarse la venda de los ojos, estar atentos a los ruidos, no separarse. Y el viaje empieza. Seguirá durante varios días con momentos claves : uno de los niños se cae al agua, ella hace una parada para meterse en una casa por víveres y cobijas, tienen que pasar una zona de rápidos. Estas etapas, en orden cronológico, están interrumpidas por el relato, también cronológico, de lo que pasó hace cinco años, cuando empezó la invasión por unas fuerzas invisibles.

 

Segunda línea narrativa : Malorie Hayes la mujer del bote, es una pintora un poco deprimida, embarazada, que vive con su hermana Jessica (Sarah Paulson ). Esta la obliga a ir a su visita de control, y la acompaña. Mientras están en el hospital empieza a llegar la noticia de una epidemia de asesinatos y suicidios sin motivos. En efecto, las calles son un caos, los peatones se precipitan bajo los autobuses, los conductores lanzan sus vehículos contra otros. Aparentemente todos buscan provocar el mayor numero de muertes. Jessica quien maneja el coche, ve algo maravilloso que la atrae como hipnotizada y se lanza contra un autobús después de chocar con varios coches. Caminando Malorie llega a una casa de donde sale una mujer para ayudarla, pero se ve arrastrada por la ola mortífera. Dentro de la casa se ha refugiado un pequeño grupo bajo las instrucciones de Douglas (John Malkovich). Este hombre maduro, de mal carácter y carabina rápida, es el vecino que vino a discutir con los dueños que pretenden agregar una fachada de vidrio a su casa, cuya vista molestaría muchísimo al señor Douglas .Ellos son una pareja gay , Greg ( B.D. Wong   y. . Llega la embarazada Olympia  (Danielle Macdonald ), muy amistosa con Maribel cuando se da cuenta del estado de esta. Además, las fechas de nombramiento casi coinciden. Esta Tom( Trevante Rhodes), negro compasivo,  también Charlie (Lil Rel Howery), el empleado del supermercado vecino y una joven pareja blanca, Félix (Colson”Machine Gun Kelly” Baker) y Lucy (Rosa Salazar ); Cheryl (Jacki Weaver) , una mujer mayor, completa el grupo.

 

La observación del exterior por las cámaras de vigilancia de la casa acaba con Greg a pesar de atarse a una silla para observarlas sin lastimarse : el viento persuasivo que recorre la ciudad actúa también a través de las pantallas. Una vez todas las puertas y ventanas cerradas y oscurecidas, la vida se organiza. Lo primero es una expedición al supermercado en el coche de la casa cuyas ventanillas han sido pintadas y conducido por GPS. Van cinco personas, llenas sus carritos, pero vuelven solo cuatro ya que Charlie , engañado por su bondad natural, quiso dejar entrar a un contaminado y acabó en un baño de sangre. Mientras se instalan en la casa , Félix y Lucy huyen llevándose el coche.

 

Meses después, y a pesar de la oposición de Douglas, los recluidos dejan entrar a un hombre, Gary(Tom Hollander), quien explica que los internos de un hospital psiquiátrico han escapado, pero ya se averiguó que el viento enemigo no tiene efecto sobre ciertos casos de enfermos mentales. Mientras las dos mujeres empiezan su labor de parto, ayudadas por Cheryl , Gary encierra a Douglas. Una vez nacidos los bebes, pasa al ataque : mata a Douglas y hace que Cheryl se suicide. Sólo quedan Malorie, Tom y los dos bebes.

 

Y así sigue la vida durante años, educando al niño, “ boy” (.Julian Edwards) y la niña “girl” ( Vivien Lyra Blair )bajo principios muy diferentes :  Tom les cuenta historias, quiere darles esperanzas de un mundo hermoso. Malorie,estricta en la organización de las actividades, les enseña a desconfiar del entorno y de la gente y a agudizar sus percepciones y su análisis del mundo para contar sobre sus propias fuerzas.

 

El contacto por radio con un cierto Rick les informa de la existencia de un lugar de salvación, en el bosque. Rick da las instrucciones para el viaje en bote por el rio, precisando los obstáculos que habrá que pasar. El ataque de la casa por unos extraños deja a Tom sin vida y Maribel debe emprender el viaje sola : principio de la película y primer hilo narrativo.

 

Así sigue la travesía , bajo las instrucciones sin discusión de Maribel. En las pocas pertenencias que se llevan, no sueltan una caja de madera que contiene tres pájaros : su canto y movimientos alocados son señal de la presencia del viento agresor.

 

Después de caerse al agua, pasar los rápidos, correr en el bosque, resistir al viento susurrador, perderse, volverse a encontrar gracias a la chicharra que Maribel lo dio a la niña, finalmente llegan al paraíso prometido : una antigua escuela para ciegos invadida por las plantas y los arboles y cubierto por un techo de ramas pobladas por pájaros. Maribel puede por fin soltar los pájaros de su caja y darles nombres a los dos niños : Olympia y Tom.

 

En realidad, no hay nada realmente original en este cuento de fin del mundo : la amenaza exterior implacable, el encierro de unos cuantos para sobrevivir, el camino hacia un lugar libre. Lo interesante es que Suzana Bier, más acostumbrada a estudios psicológicos de situaciones sociales perturbadas, y dramas humanos (After the Wedding – 2006, Things Whe Lost in the Fire – 2007), A Second Chance – 2014) decidió no mostrar la cara del monstruo  lo que mantiene un miedo al desconocido muy eficiente.

 

Eso abre la puerta, aun más, a las interpretaciones metafóricas. Que el monstruo es la depresión que amenaza a los pueblos modernos y lleva al suicidio o al crimen; que son los peores miedos de cada uno que lo vuelven loco hasta suicidarse ;que la visión que se debe impedir es la visión de lo malo de nuestras sociedades : pobreza, desigualdad, corrupción; que la pequeña sociedad recluida en la casa es un microcosmos de la sociedad actual. Se dijo también que el personaje de Malorie es la metáfora de la maternidad.

 

Tal vez el viaje peligroso sea metáfora de la vida, con sus pocas buenas sorpresas, sus encuentros a veces solidarios y muchas veces destructivos. Tal vez se trate de la preparación de los niños para la vida adulta, siguiendo dos conceptos opuestos: el concepto de Tom es la esperanza en un mundo mejor, con alegría y sueños; el concepto de Maribel es sin ilusión, una preparación para lo peor, basada sobre la desconfianza, la disciplina férrea y la creencia en las capacitadas de uno mismo. Curiosamente los dos caminos están tradicionalmente atribuidos al revés : a la madre la imaginación, la suavidad; al padre la dureza.

 

Pero tal vez sea solamente una historia de miedo. Los grandes autores de terror, desde Maupassant a Lovecraft, pasando por Edgar Poe, no han sentido siempre la necesidad de explicar el origen del miedo. Es un recurso literario y punto.

 

Son obvias las referencias cinematográficas : desde las películas de zombis que constituyen un genero con sus obligaciones : encierro, amenaza exterior que se acerca cada vez más y se infiltra, pájaros hitchcockianos, bosque hostil (The Village , M. Night Shyamalan - 2004) , madre valiente salvando a sus hijos en el rio (Rio Salvaje , Curtis Hanson - 1994).

 

La narración es eficiente. El espectador no puede dejar de sentir empatía con esos seres abandonados por los demás y atrapados en un mundo donde deben avanzar a pesar de todo si quieren llegar a alguno descanso. No hay opción posible : hay que enfrentar y vencer los obstáculos. Hay que anticipar lo que se va a presentar y preparar todos los recursos posibles. Tal vez sea eso la metáfora : hay que ser inteligentes, hay que dominar las circunstancias. La empatía se refuerza al ser los personajes centrales esos dos niños sin nombres, que parecen sin amor con esta madre fría y exigente. Además, hay que reconocerlo, los pequeños actores son adorables y muy bien fotografiados.

 

Sin embargo, hay que reconocer que la cinta presenta bastantes incoherencias en su narración y sus lugares : ¿Se mantuvo la energía eléctrica tantos años en la casa? ¿Cómo es posible que la casa del principio tenga este jardín grande? Se enseña por primera vez cuando los niños ya han crecido. ¿Es otra casa? En este caso, ¿cuándo se cambiaron y cómo? ¿Si se tiene tal extensión de terreno , porque que no se han sembrado productos para asegurar la alimentación de los ocupantes? ¿Cómo una mujer tan decidida, preventiva y organizadora como Malorie no ha hecho nada al respecto? La casa de donde salen Malorie y los niños para su expedición está al borde del rio. Se entiende que llegaron los cuatro ahí para seguir las instrucciones de Rick, pero se parece mucho a la casa donde Malorie entrará en medio de su viaje. ¿Volviendo a la alimentación, de que vivieron durante cinco años? ¿Salían al súper? ¿Cómo? ¿Si podían llegar ahí, por qué no se quedaron ahí a vivir para tener todo al alcance de la mano? ¿Y como pueden sobrevivir durante los largos días del viaje en bote?

 

Sobran las preguntas sin respuestas. La más importante sigue siendo : ¿Si la fuente del terror está afuera, por que la mayor parte de la cinta se desarrolla en interiores?

 

En resumen, una cinta sin originalidad pero que no aburre, principalmente por los buenos actores.

 

Spenser: Confidential (Peter Berg, 2020) – 7/10

   Llena de estereotipos y situaciones predecibles, la cinta logra sin embargo ser un buen momento de diversión que une acción y humor, en un estilo refrescante de no tomarse en serio. Con interpretaciones bastante honorables.

Ficha IMDb

 

Spenser (Mark Wahlberg) , expolicía patrullero, sale de prisión después de una condena de 5 años por agredir a su jefe, el capitán Boylan (Michael Gaston ). Vuelve a vivir a casa de su viejo amigo y entrenador de boxeo Henry Cimoli Alan Arkin) en South Boston. Pero los años no han pasado en vano y tiene ahora que compartir con un nuevo inquilino, Hawk (Winston Duke) su cuarto y su amada perra Pearl. Extrañamente la misma noche, el Capitan Boylan es asesinado y las sospechas van en contra de Spenser. Sin embargo, al día siguiente es encontrado el coche que chocó con el de la victima. Dentro, el cuerpo suicidado del teniente Terrence Graham (Brandon Scales)  en casa de quien se encuentra droga. Ahora Graham pasa a ser un muy convincente sospechoso número uno. Pero Spenser se interesa por las declaraciones de la viuda, Latitia ( Hope Olaide Wilson) quien protesta de la inocencia de su esposo. Spenser, Hawk y Henry se lanzan en su propia investigación, ayudados cuando se necesita por Cissy (Iliza Shlesinger ), ex novia de Spenser, malhumorada e invasiva dueña de una clínica- refugio para animales. Las escasas pistas los llevan a un trafico de drogas cuya cabeza es el enorme Big Boy ( Donald Cerrone) adicto a las masacres y las manicuras, ayudado por unos cuantos policías de Boston, pero en competencia con mafiosos dominicanos que decapitan con machetes.

 

Con un ritmo en general muy tranquilo, salvo en unas escenas de acción bien llevadas, la historia se deja disfrutar por el ambiente relajado, las bromas sencillas, la amistad sin complicaciones. Y sobre todo sin intelectualidad. Funciona a base de diálogos divertidos, de pequeñas sorpresas y de suspenso desplazado. Los personajes brillan por sus contradicciones: el enorme Hawk funciona a base de vegetarianismo y meditación, se ganó a la perra Pearl con masajes. Spenser el héroe tiene pánico a los perros. El ex policía futuro conductor de tráiler actúa como detective, contra su voluntad tal vez, o conforme a su verdadera naturaleza de buscador de justicia.

 

Es una película a la antigua, que saca partido de sus propios medios, como el tráiler enorme que Spenser sueña con conducir, y por eso está tomando escrupulosamente clases de manejo, los talentos de Cissy y su mal humor. Eso compensa la simpleza de la historia.

Es uso de la música puede ser bastante humorístico como Sweet Caroline durante la primera pelea, regalo de despedida carcelario.

 

Los caracteres son estereotipos, tienen en el fondo una cierta inocencia y recuerdan a la fantástica pareja de Mel Gibson con Danny Glover en Arma Letal (Ronald Donner – 1987, 1989, 1992, 1998). No se derraman litros de sangre , los machetazos no se ven. Se prefieren los puños a las pistolas o las navajas. Los códigos del genero se respetan, en toda tranquilidad. Republicana en su moral de ley y orden, la cinta se permite jugar con las obligaciones políticamente correctas : los malos muy malos son latinos, el malo grandote es negro pero compensado por un grandote negro muy bueno. El principal personaje femenino es una histérica, pero muy buena gente y es compensada por la viuda trabajadora y decidida a conseguir justicia para su esposo. Y el malo que ocasionó todos los problemas desde hace 5 años, Boyle el capitán corrupto, es también un golpeador de mujeres. Así que, en un aparente desorden y caos, todo se viene compensando y el bien triunfa, de la mano de la gente humilde y de buena fe, mientras burócratas y altos rangos se dejan corromper.

 

El personaje de Spenser proviene del novelista Robert B Parker quien escribió 40 libros dedicados a su héroe detective privado. Una serie televisiva con Robert Ulrich fue todo un éxito en los años 80.

 

Una película que no se toma en serio, pero cumple muy honestamente su propósito de distraer con acción.

Crímenes de familia (Sebastián Schindel , 2020 ) – 9.5/10

Lo que parece ser la historia de dos procesos judiciales es en realidad el camino de una mujer madura hacia una verdad familiar y social. Una toma de conciencia lenta pero fuerte y segura apoyada en la convincente interpretación de Cecilia Roth.

Ficha IMDb

Una construcción con doble ritmo lleva progresivamente el espectador a entender la relación entre dos historias que parecen al principio totalmente independientes a pesar del suspenso que las dos mantienen.

 

En fragmentos muy cortos que vuelven cada determinado tiempo, se ve en toma fija un pasillo oscuro, de noche, al fondo del cual se abre un cuarto que parece ser un cuarto de baño, Una silueta femenina sale y entra y se dedica a limpiar. Conforme avanza la cinta se empieza a distinguir detalles que llevan a entender quién es esta mujer y qué hizo. Estas escenas interrumpen la narración central y parecen sin relación con ella.

 

La historia central, diurna, es la de Alicia (Cecilia Roth) e Ignacio ( Miguel Angel Solá ) que llevan la vida habitual para una pareja retirada argentina en la actualidad, con alto poder adquisitivo : bonito departamento, tiempo, pocas preocupaciones y una sirvienta a domicilio. Su tranquilidad se ve perturbada por la llamada de su hijo Daniel (Benjamín Amadeo ) en prisión por una acusación de violación e intento de homicidio en contra de su expareja Marcela (Castiglione) después de reiteradas denuncias y ordenes de alejamiento.  Según él, todo es para quitarle la paternidad del pequeño Martin (Jeremías Da Cruz). Alicia está decidida a todo para liberar al hijo que considera falsamente acusado por una nuera que desprecia un poco por ser de clase inferior, hasta pagar a un dudoso abogado quien les pide 400 000 dólares para hacer desaparecer documentos comprometedores del expediente. Ignacio no parece tan convencido de la total inocencia de su hijo y le recuerda a su esposa los sucesivos proyectos fallidos del hijo con los sucesivos pedidos de apoyo financiero.

 

Al mismo tiempo, en un desfase temporal empieza el juicio de Gladys (Yanina Ávila), la sirvienta de Alicia e Ignacio, acusada de asfixiar a su bebe en los primeros momentos de nacimiento : las escenas del pasillo. Nadie ni ella misma se dio cuenta del embarazo. Gladys es medio analfabeta, taciturna, tal vez un poco limitada intelectualmente, y muy obediente. Porque se siente incapaz, dejó a Alicia llevar la educación de su hijo Santiago (Santiago Ávila), lo que esta hace con mucho amor y dedicación.

 

La joven, de apariencia extraña, con una cara asimétrica casi fea, con paso lento, se abre poco a poco con la trabajadora social (Paola Barrientos) y en parcas palabras cuenta su niñez : muerta su mama, quedó al cuidado de su papa que la dejaba durante largos días sola con los perros para ir a trabajar y “tomaba siestas” con ella cuando volvía. Al volverse a casar, su nueva pareja utilizaba a Gladys como sirvienta hasta que la vendió a una mujer de la ciudad para ayudar a su hija.

 

Gran parte de la cinta se desarrolla en los tribunales, con las escenas paralelas de los dos juicios. La contraposición sin dramatismo de los testimonios lleva al espectador a entender : las declaraciones violentamente victimizantes y acusadoras del hijo contra su exesposa contradicen la palabra de ella, perfectamente estructurada temporal y lógicamente, que elabora un análisis inteligente del comportamiento de un abusador pasivo-agresivo. Esta palabra de mujer educada contrasta con la incapacidad verbal de Gladys : la única vez que habla antes de que le dicten sentencia, no es para defenderse o explicarse, es para pedir ayuda para su hijo.

 

En medio de todo esto, Alicia trata de mantener su equilibrio, sin poder salir todavía de su amor ciego hacia su hijo y de su horror frente al crimen de Gladys. Cuando Daniel sale de prisión, lo recibe con los brazos abiertos, pero cuando este explica sus planes de nuevos negocios utilizando el producto de la venta del gran departamento parental y sus propias dudosas relaciones, empieza a tener dudas.

 

Y cuando, ya instalada en la nueva normalidad de su vida en prisión con la primera visita de su hijo, Gladys confiesa que el bebe asfixiado era producto ser violada por Daniel , quien entró a la casa paternal para robar dinero, y la amenazó con matarla ella y su hijo si decía algo a sus padres, Alicia de repente ve la verdad de su hijo y empieza a actuar : ayudar al abogado de Gladys en la apelación a la sentencia y ayudar a Marcela a acusar a Daniel. Para eso, entrega el documento que el abogado sustrajo : la prueba de ADN de la violación de Marcela.

 

Sola con el pequeño Santiago en un apartamento pequeño, despreciada por sus amigas elegantes, Alicia es ahora una mujer nueva, solidaria sin aspavientos de sus hermanas mujeres, sin distinción de edad o condición sociocultural. Ha dejado de ser cegada por el amor maternal. Ha alcanzado un estado de sabiduría.

 

El guion se apoya en casos reales, Schindel pidió a abogados que le pasen documentos sobre casos de violencia de genero y feminicidios, habló con mujeres en refugios. Construyó su historia principalmente sobre dos crímenes reales sin relación entre sí, los dos “con agravante por el vinculo”, o sea crímenes en la familia. 

 

La temática de la cinta retiene resonancia porque en tiempos de los Me Too que denuncia abusos de hombres famosos, muestra lo que pasa en la vida cercana, esos casos ancestrales de abusos que las mujeres han callado porque sabían que nadie las escuchaba. Lejos de los periódicos, las redes sociales y los medios de comunicación, las mujeres están abusadas, sin que el nivel de educación o de riqueza de los abusadores tenga nada que ver. Reflejo del interés que por fin se da a estos casos cercanos es el éxito de que esta pequeña, modesta cinta, pero construida y dirigida con rigor está ganando en Netflix.  No se imponen los hechos a la vista del espectador, se cuentan a través de la palabra, articulada o confusa de las víctimas, consciente so no del abuso que se les hizo. La mujer educada sabe que es abuso y tiene armas para argumentar. La mujer sin educación ni siquiera sabe que no es normal lo que le pasa. El poder del hombre está inscrito en su cultura, no se puede ni siquiera pensar de otra manera. El formato de “película de juicios" permite dar espacio a la palabra de los testimonios, de lo vivido, de lo sentido.

 

La conclusión de la cinta es el acercamiento entre mujeres, esta “sororidad” que se construye al compartir experiencias, al darse apoyo, al entender que las categorías sociales no cambian nada en un antagonismo mucho más profundo : los derechos que se otorga un ser humano sobre otro, por el simple hecho de ser masculino.

Icarus (Bryan Fogel, 2017) – 8.5/10

   Ganadora del Oscar a mejor documental en 2018, esta cinta es la revelación casi surrealista de una enorme maquinación en el mundo del deporte, reveladora de la mezcla de los intereses políticos y deportivos, con la situación particular del cineasta que se vuelve personaje de su propia investigación.

Ficha IMDb

 

El director y productor Brian Fogel no es nuevo en el campo de los documentales. Tampoco lo es en el mundo de los ciclistas aficionados. Ya participó en 2014 a la Haute Route, circuito muy demandante en los Alpes franceses y suizos , largo de 750 km que se deben cubrir en siete días. En esa ocasión llegó en el lugar 40 de 500 participantes. Ahí supo lo que es sufrimiento físico, el dolor ,el agotamiento. Por eso se interesó en el caso de Lance Armstrong, siete veces campeón del Tour de France. Cuando este reconoció en 2013 haber usado sustancias para doparse, Fogel se sorprendió, como todos, que el ciclista haya podido engañar durante tantos años todos los sistemas de detección, a lo largo de unas 500 pruebas. Le pareció entonces interesante dedicar su siguiente película a este tema de investigación con la particularidad de utilizarse a si mismo como conejillo de indias para mostrar que el sistema internacional de detección de dopaje es una broma.

 

Pidió ayuda al director en Estados Unidos de la Agencia Mundial Antidopaje, la WADA, para que le facilite los medios para dar negativo en las pruebas. Este aceptó en un primer momento para, después, cambiar de idea y redirigirlo a otro especialista en la materia, el director ruso de la World Antidoping Agency , Grigori Ródchenko. Este accedió sin ninguna dificultad y los intercambios empezaron por Skype con las primeras recomendaciones : conseguir recetas de un médico para el uso de testosterona y anabólicos y colectar cada día una muestra de orina para congelarla.

 

El efecto no se hizo esperar y Fogel se sentía cada día más fuerte en sus sesiones de entrenamiento, notando una mejora del 15% de su potencia desde la primera semana. Eso le permitió llegar fresco y fuerte a su segunda participación en la Haute Route. Sin embargo, un problema mecánico con los cambios de su bicicleta lo atrasó y no pudo mejorar su resultado.

 

Después de la carrera, aprovechando que estaba en Europa, continuó el viaje hasta Moscú para conocer en persona a su consejero de dopaje. Ródschanko confirmó en persona lo que se podía ver en Skype : una personalidad accesible, un cuerpo solido,  buen vividor, amigo de las fiestas, los tragos y los chistes malos. Estudió químico y practicó atletismo en su juventud.

 

Hasta ese momento, la cinta parece seguir los pasos acostumbrados : exposición de los hechos, descripción de los procesos, de los tiempos, los lugares. Es cuando se da la vuelta de tuerca. Explota el escandalo de dopaje en el equipo olímpico ruso, Ródchenko esta en el centro del huracán y Fogel se ve arrastrado a participar. El responsable antidopaje ruso se ve de repente vigilado por agentes y empieza a sentir su vida amenazada. Es urgente para él dejar su país. Fogel le compra un boleto de avión a Los Ángeles donde le proporciona alojamiento. Para su propia protección, Ródchenko da una entrevista al New York Times donde revela la estrategia rusa.

 

Al mismo tiempo que Fogel y su equipo lo siguen en sus movimientos en Estados Unidos, se organizan largas sesiones de entrevistas donde le revela al cineasta, y ahora amigo y cómplice, lo que fue pasando en Rusia desde algunos años : su estancia en un “hospital psiquiátrico” por trafico de drogas con deportistas y una tentativa de suicidio .  El diagnostico fue “ trastorno de personalidad acidotica”. Hasta que Putin en persona solicita su liberación para mandarlo a las juntas de preparación de los Juegos Olímpicos de Londres ya que era el único capaz de entender las medidas implantadas por el Comité Olímpico Antidopaje. Así podría establecer un plan para evadir tales medidas.

 

Los extraordinarios resultados del equipo ruso en Sochi le dieron a Putin una aceptación de 90%, lo que le permitió reforzar su intervención en Ucrania.

 

Cuando el Comité Olímpico Internacional bajo la dirección de Sebastián Coe empieza en 2015 a investigar el equipo ruso, casi tan eficiente como en los tiempos soviéticos, se concluye con la expulsión del equipo de atletismo para Rio de Janeiro, lo que obviamente no es del gusto del gran dirigente. Putin se enoja y sabe que Ródchenko sabe demasiado y podría revelar informaciones comprometedoras. Esas verdades que Ródchenko expone al New York Times : mas de 1000 atletas rusos pudieron engañar al sistema de control en Londres 2012 , la mitad del equipo. En Sochi, Ródchenko organizó un doble circuito para las muestras, sustituyendo cada noche muestras “limpias” en los frascos con el apoyo de agentes del KGB , y destruyendo las comprometedoras. Ródchenko insiste en que estaba en contacto directo con el subsecretario de deporte, quien le rendía cuantas al ministro Mutko, el cual hablaba directamente con el jefe de estado.

 

En comunicación por Skype con su esposa que se quedó, muy vigilada, en Rusia, Ródchenko se entera de la muerte de dos de sus colegas por “ataque cardíaco”, a pocos días de distancia. Después de testificar frente a un Gran Jurado en Nueva York , mientras la WADA empieza la investigación independiente Mac Laren, consigue entrar a un programa de protección de testigos, en el cual sigue a la fecha.

 

Lo que arrancaba como una investigación sobre las fallas del sistema mundial antidopaje se transformó poco a poco en testimonio autobiográfico de Fogel y confesión de Ródchenko, con referencias reiteradas a 1984 y a las revelaciones de Snowden . Las tres etapas de la novela de George Orwell que Ródchenko lee durante su estancia en Estados Unidos, estructuran la cinta :  “learning, understanding, acceptance “.

 

El régimen totalitario criticado por Orwell en 1948 sigue funcionando eficientemente y se necesita de gente que alerte y revele los secretos sucios del poder, tal y como lo hizo Snowden.

 

Ejemplo de la doble verdad orwelliana y dictatorial son las declaraciones mismas de Putin quien le otorgó a Ródchenko la Medalla de la Amistad después de Sochi   y en 2016 lo calificó de “hombre de escandalosa reputación”.