The Midnight Meat Train (Ryûhei Kitamura , 2008) – 4/10

Película de horror nada sutil. Mucha sangre, algo de suspenso, buenos efectos de colores..

 

 

Ficha sangrienta en IMDb

Adaptada de una novela corta de Clive Barker, a quien el mismo Stephen King reconocía como su digno sucesor, esta película es un descenso progresivo al mundo del mal, simplemente tomando el metro.

Empieza bien, con una primera escena de asesinato bañada en sangre pero que sabe dejar incógnitas. Después, la historia de Leon Kaufmann (Bradley Cooper), joven fotógrafo fascinado por su ciudad es interesante. La necesidad de encontrar tomas más crudas para conseguir el interés de la hermosa galerista Susan Hoff (Brooke Shields) lo obliga a sacar más de sí mismo y de su relación con lo fotografiable, lo obliga a acercarse más y más, perdiendo el miedo y tal vez el respecto a los que viven o pasan en la calle.

 

En realidad es bastante interesante la doble personalidad del asesino, impecable en su traje y su seriedad. Su profesión de carnicero lleva a lugares y fotos remarcables. Y, sobre todo, el aspecto y la interpretación de Vinnie Jones como Mahagonny el carnicero-asesino llaman la atencion. El que fue un futbolista conocido por su agresividad consigue asustar con nada más aparecer. Su mirada fija, su corpulencia, sus instrumentos afilados en su maleta negra ponen a temblar.No habla. Y no necesita. Basta con su sola presencia.

 

El horror de las matanzas es tratado en un ambiante glacial, extremadamente limpio, con filtros azules . La division entre los dos mundos esta claramente marcada por la entrada del ultimo metro a un tunel en cuya entrada brilla un semaforo rojo, rojo de la sangre y de lo prohibido. Es el mundo de los que saben qué se necesita para mantener el equilibrio del universo　: alimentar a los espiritus del mal par que no salgan .

Lo que se vuelve difícil de soportar es el ascenso en la violencia y lo gore. Sobre todo que se vuelve el único objetivo de la cinta, dejando totalmente de lado cualquier profundización de los personajes. El epílogo con la complicidad de la detective eso totalmente gratuito y jalado de los pelos.

Malavita (Luc Besson, 2013) – 8/10

Humor negro, acción, una edición experta y una música genial. A lo que se suman excelentes actores, liderados por Michelle Pfeiffer que sigue igual de hermosa y Robert de Niro, genialmente malvado.

　

Ficha IMDb

Después de una primera escena de matanza en familia, que recuerda a Léon (Besson - 1994), se pasa a las aventuras de la familia Blake, constituida por papa, mama, hijito, hijita, y perrote, el Malavita del título. Huyendo de forma muy organizada, llegan con mapa y después de las cajas de la mudanza, a una pequeña ciudad de Normandía, Cholong sur Avre. Ahí los esperan sus muebles, salvo unos cuantos y la televisión que se perdieron en el camino. Hasta los cuartos están asignados.

Antes de dormirse, Papa Blake (Robert de Niro) tiene un pequeño asunto que arreglar: enterrar al cadáver que les apestó todo el viaje desde la cajuela.

A la mañana siguiente, muy temprano aparece el Ángel guardián, o tal vez Dios padre, ya que los dos ángeles guardianes viven escondidos en la casa de enfrente para vigilar y proteger a la familia. Robert Stansfield (Tommy Lee Jones) hace sus últimas recomendaciones a la familia y sobre todo al padre, recomendaciones que, lo vernos a todo lo largo de la cinta, no parecen acostumbrados a seguir con mucho respecto.

Porque papa, Fred Blake, en realidad Giovanni Manzoni , es un mafioso de Brooklyn quien traicionó a alguien de la familia, su cabeza vale millones. Y están en el programa de protección a testigos.

Mientras los niños, Belle ( Dianna Agron ) y Warren ( John D’Leo) se van adaptado a su nueva escuela y estableciendo lazos con la juventud francesa, Maggie (Michele Pfeiffer) explora el supermercado en busca de mantequilla de cacahuete , y la iglesia en busca de consuelo religioso. Frank, quien descubrió una vieja máquina de escribir, empieza a redactar la historia de su vida, él que, como observa su hijo, muy bien puede sobrevivir con una sola palabra "F…" , dándole todos los significados y connotaciones que se necesiten.

La integración al pequeño mundo provinciano de los años 90 no será fácil para esta familia unida por una cierta tendencia a la violencia en la resolución de los problemas, sean de plomería , de alimentación o de escolaridad.

Michele Pfeiffer, con sus uñas pintadas a la francesa, sus enormes tubos en el pelo y su celebración de la cocina con aceite de olivo, es una maravilla. El humor de las transiciones es un deleite. El juego con los estereotipos, de los franceses hacia los gringos, los gringos hacia los franceses es hilarante, sin volverse nunca ridículo. Sin contar la pintura de la mafia, con su padrino encarcelado con lujos de empresario, dirigiendo sus agentes en el extranjero, con su cuaderno de huellas digitales. Besson se divierte con todo, hasta de las coincidencias narrativas que llevan un periódico escolar de pueblo hasta una celda neoyorquina.

Es cine dentro del cine, lleno de referencias y guiños, sobre todo al final, con la participación de Fred a un debate de cineclub, después de la proyección de GoodFellas de Scorcese (1990) en la cual actuaba De Niro en persona, y con la llegada de los enviados del mafioso traicionado, que permite la revelación de los miembros de la familia como expertos gánsteres, en colores marrones y poses de los cuarentas.

Un gran momento de diversión.

Gravity (Alfonso Cuarón, 2013) – 7.5/10

Un viaje desde el mundo sin dimensiones, sin sonidos , sin nada ni nadie donde apoyarse ni ampararse, a través de la voluntad férrea y pulsional de una mujer, en la soledad, para volver o llegar a la vida de los humanos normales. Con imágenes extraordinarias e impactantes, hasta para los que no gustan precisamente de las alturas y las ciencias espaciales.

　

Ficha IMDb

La película en realidad está construida sobre casi nada. No hay relaciones, no hay enemigo, no hay misterio que resolver. Es simplemente la historia de una mujer que, con una voluntad más fuerte que sus propias decisiones, logra salir de una situación mortal.

Ese casi nada sobre el cual se construye la película es evidente desde el principio, con estas voces casi inaudibles que se hacen poco a poco más fuertes y son las voces de comunicación entre astronautas y Houston. Los intercambios son codificados, funcionales. Pero van sobresaliendo la voz de Kowalsky (George Clooney) y de la Doctora Stone (Sandra Bullock). Se nota rápidamente que él lleva el concierto. La voz profunda, calurosa, seductora, envolvente de Clooney nos lleva por los chistes acostumbrados, las anécdotas de siempre del astronauta experimentado. Es él el divertido de la expedición mientras Ryan Stone es la nueva, aplicada y un poco tensa.

Todo va como siempre, normal, en las reparaciones al telescopio Hubble. Hasta que en cuestión de segundos llega el peligro, un peligro mortal: deshechos de un satélite ruso se acercan volando, en una lluvia que nada puede detener o hacer cambiar de trayectoria.

Kowalsky y Stone quedan sueltos, lanzados en el espacio, en la más grande de las nadas. Nada de donde sujetarse, solo las voces. La selección de Clooney es perfecta: cualquiera se aferraría a su voz. Tiene la fuerza de una roca. Es lo único que existe en este vacío que da vueltas. La genialidad de Cuarón y su fotógrafo Lubezki es no mostrar a Ryan dando vueltas, sino centrarse en su casco, ni siquiera su cara, y mostrar como al margen la tierra da vueltas vertiginosas.

Lo que va a seguir es una aventura catastrófica, primero a dos, uno apoyando y guiando al otro con su sangre fría, y después de una sola, luchando contra todo tipo de obstáculos, desde técnicos hasta lingüísticos, pasando por un incendio hasta la máxima tentación: rendirse. Una jornada metáfora del viaje de la vida , con sus desafíos, sus abandonos, su camaradería y su soledad , sus fracasos y victorias

La construcción de las naves espaciales es una maravilla. La última escena es impresionante de emoción. Las vistas a la tierra hacen entender lo que cuentan los viajeros del espacio: el espectáculo es increíble desde allá arriba. Casi dan ganar se ir a ver de más cerca esta inmensa , interminable, bóveda celeste .

The Falcon and the Snowman (John Schlesinger, 1985) - 6/10

 

Basada en la historia real de dos jovenes que quieren jugar a los espías, el primero por convicción y el segundo por dinero. Y que será destruido por eso. Sean Penn ya mostraba el estilo de actuación que lo iba a definir después.

Ficha IMDb

 

Pasó al principio de los años setentas: las imágenes de los créditos iniciales son imágenes documentales de época. En este contexto de oposición política, de Vietnam, de guerra fría e inicio de las técnicas de comunicación, se entiende que unos jóvenes hayan sucumbido a la tentación de comerciar con información.

 

Christopher Boyce (Timothy Hutton) sale del seminario y decide reintegrarse a la vida "normal": encuentra un trabajo por recomendación de su padre, ex agente del FBI, en la industria aeroespacial y de defensa para la firma TRW. De ahí será llamado al proyecto Blackword : satélites de observación en todo el mundo envían información a las oficinas de Estados Unidos, información que podrá ser utilizada por la CIA. Él estará en la oficina de recepción de los telex. Cuando se percata de la intervención velada de Estados Unidos en unos movimientos obreros en Australia, para desestabilizar el gobierno de centro izquierda de Gough Whitlam, oficialmente considerado como aliado de los gringos, decide actuar y pasar información al otro bloque.

 

Por su lado, Andrew Daulton Lee (Sean Penn), su amigo de la niñez, no puede salirse del consumo y tráfico de drogas. Él necesita dinero. Como Chris no puede ausentarse, él será el encargado de hacer contacto con los soviéticos, en su embajada en México.

 

De ahí escenas repetidas de encuentros, en la embajada, en la ciudad de México, lo que da una cierta coloración exótica a la cinta, de documentos que se fotografían, de reuniones familiares o diplomáticas. Todo terminará bastante mal para Lee cuando será arrestado y un poco maltratado por la policía mexicana por un oscuro asunto de asesinato.

 

Los dos terminarán condenados en estados Unidos, Daulton a perpetuidad y Boyce a cuarenta años. Pero, después de ver la película Alcatraz en la prisión, Boyce se fugó de la misma forma. Después, se dedicó a robar bancos en Idaho y Montana, por lo cual fue arrestado otra vez. En 2003, salió en libertad condicional.

El titulo de la cinta se explica por el amor de Boyce a los halcones, y por la adicción de Lee a al polvo blanco.

 

Historia de "espías no James Bond", sin mucha acción, con muchas repeticiones. Donde los dos protagonistas se ven hasta un poco tontos. Es ciertamente interesante porque pasó realmente pero no extraordinariamente entretenida.

Elysium( Neill Blomkamp, 2013 ) - 5/10

 

 

Bastante fracasada. Una historia con poco sentido. Si las escenas de pelas son bien cuidadas y los equipos son bastante detalladas, la narración y las ambientaciones dejan mucho que desear.

Fiche IMDb

La historia presenta un interés muy limitado. Los personajes ninguno. Hasta el paraíso, los Campos Elíseos de los antiguos griegos, situado sobre una inmensa rueda en el espacio, es aburrido y limitado, con unas cuantas casas tipo Los Angeles con sus albercas. Esta utopía parece no haberle interesado al realizador ni al encargado de escenografías. Lástima. Este tema daba para mucha imaginación.

 

En realidad no se ve muy bien lo que les interesó en la cinta, aparte de las escenas de peleas y de la transformación física que se le impone al personaje protagónico, Max DeCosta (Matt Damon) , al insertarle un montón de cosas en la cabeza para transformarlo en un tipo de hombre-computadora o al menos transmisor de datos.

 

El asunto de las maquinas de curar se ve un poco ridículo, o al menos no explotado, ya que basta dejar al enfermo adentro unos dos minutitos, le pasan encina un rayo de luz . Y ya , todo se acabó, está de nuevo completo, sano y listo para funcionar.

 

Ningún personaje inspira simpatía, ni siquiera la mama (Alice Braga) trabajadora y decidida a todo para salvar a su hija .

 

Casi lo más interesante es el uso que se hizo de una ciudad pobre, (¿será la ciudad de México?) como imagen del mundo de los de abajo, se supone Los Ángeles, en 2154 , con casas sin acabar, polvo, y policías desalmados.

 

 

Hasta Jodie Foster, en el papel de la desalmada Secretaria de Defensa de los de arriba, parece aburrirse en sus pocas apariciones. Muy elegante y bien peinada, es cierto, pero aburrida.

Stanno tutti bene (Giuseppe Tornatore, 1990 ) - 8 /10

 

Un hombre viaja desde Sicilia a las grandes ciudades de Italia para ver a sus hijos que nunca lo van a visitar. En un viaje que empezó lleno de esperanza, va a darse cuenta poco a poco que la vida avanzó y que las realidades de sus hijos no corresponden a lo que él y su esposa habían soñado.

Ficha IMDb

Se trata de una de las últimas películas de Marcello Mastroianni. Él que fue el hombre más seductor de Italia durante décadas es ahora un anciano, lento, un poco encorvado, de voz grave y totalmente miope. Unos anteojos enormes le dan unos ojos de mosca, lo apartan del mundo y reflejan la luz lo que impide casi en todo momento ver su mirada, y por lo tanto sus sentimientos. Un grueso bigote blanco y dientes salientes y separados le hacen una cara casi de payaso, entre ridícula y enternecedora.

La música repetitiva y dulce al mismo tiempo de Morricone acompaña nostálgicamente a Matteo Scuro (Mastroiani) en su viaje. El anciano solitario se ve de repente en contacto con gente desconocida. En el tren, obliga a sus compañeros de viaje a preguntarle sobre la vieja foto de la familia disfrazada. Y explica, feliz. Es una familia soñada, hecha en base a su gusto por la Ópera. Sus hijos llevan nombres de personajes famosos: Norma, Traviata. Alvaro de Don Carlos de Verdi) .Guglielmo de Cosi fan tutte de Mozart . Canio de Pagliacci (Payasos)  de Leoncavallo.

Matteo impone su ritmo a la historia .La imagen se inmoviliza alrededor de él cuando le habla a su hijo mayor, Alvaro, desde la estación. Pero sobre todo el recuerdo es más fuerte que la realidad. En cada encuentro, ve al hijo o a la hija, que están frente a él, con su imagen de niños. Ellos son lo que sigue existiendo para él. Asi volvemos a ver a Salvatore Cascio, quien fue el encantador niño de Cinema Paradiso (1988) como el pequeño Alvaro.

Además los actuales, los hijos reales le han escondido su vida a su apdre y lo dejan seguir con lo que se imagina: que Canio ( Marino Cenna) en Roma sea diputado, cuando es solo secretario de uno ; que Norma ( Norma Martelli) en Turín sea directora en la oficina de telefonía cuando es operadora de telegramas; que Tosca (Valeria Cavalli ) sea actriz cuando es modelo de lencería. Que viva en un hermoso departamento con vista sobre Santa María de las Flores en. Florencia, cuando el departamento es de un extraño y Tosca tiene un hijo, sin saber quién es el padre;que Guglielmo (Roberto Nobile) él de Milán, sea un solista cuando es solo un músico insatisfecho con su trabajo.

 

Tornatore compone secuencias oníricas maravillosas como el sueño recurrente de Matteo: un globo gigante viene encima de los niños que juegan en la playa y se los lleva hasta altamar para soltarlos. Los padres no pueden hacer nada. Es la imagen de su preocupación de siempre para protegerlos y garantizarles una buena vida.

El encuentro con la mujer del tren (Michèle Morgan) da a pensar que se puede escapar de la soledad, que se puede volver a disfrutar la vida, pasear, platicar, bailar. Además, ella, como él, se siente abandonada por su hijos y pide a todos que le pregunten sobre ellos.

Esta parte de la cinta da oportunidad a escenas dignas de Fellini: el paseo en grupo sobre la playa fría, el caballo, el autobús alejándose con los viejitos que se despiden.

Al final y después de entender la realidad y tal vez aceptarla, Matteo regresa a su ciudad siciliana y va al cementerio para decirle a la esposa muerta: todos están bien, repitiendo para ella la mentira, porque, como los hijos con él, no quiere preocuparla.

Populaire (Régis Roinsard, 2012) - 7 /10

 

Divertida, agradable, linda, con muy buen ritmo. Al estilo de las comedias gringas de los cincuentas. Los actores se entregan totalmente y parecen disfrutarlo. Mucho buen humor al mismo tiempo que un buen testimonio sobre esos años y la condición femenina de esos tiempos, cuando apenas empezaba la liberación.

Ficha IMDb

Es la historia clásica de un hombre y una mujer que se la pasan peleando durante toda la cinta y acaban enamorados. La historia clásica del jefe con la secretaria. Y del profesor con su alumna, al estilo My Fair Lady. Tiene el interés de ser claramente una copia-homenaje a las grandes comedias gringas estilo Katherine Hepburn y Spencer Tracy. Pero es también un testimonio sobre unos años claves para la condición femenina. Recordemos que Simone de Beauvoir escribe El segundo sexo en 1949.

El desarrollo de los negocios en las treinta gloriosas, esos treinta años después de la segunda guerra mundial, hace que se necesitan más asistentes para los hombres de negocios. Eso abre fuentes de trabajo para mujeres. Solteras que todavía no encuentran su Príncipe azul, solteras definitivas, o mujeres solas por viudez o, mucho menos numerosas, divorciadas. Son montones que entran a las oficinas. La secretaria tiene un prestigio particular: es la imagen del jefe, lo ayuda, lo asiste, lo consiente. ¡Recordemos la canción de Mocedades!

La secretaria se gana la vida sola y tiene que vestir bien. Tiene esperanza de seducir a algún ejecutivo y tal vez hacer un buen matrimonio. Claro, no es tan glamoroso como ser azafata (véase la teleserie Pan Am). Pero es mejor que quedarse en su casa atendiendo a esposo e hijos que no reconocen el trabajo domestico. Aunque las familias todavía tienen esperanza que sus hijas se encuentren el buen esposo serio, tranquilo, aburrido como les gustan a los papas.

En esta situación se encuentra Rosa Pamphyle (Déborah François) prometida a un mecánico de su pequeño pueblo para satisfacción de su papa tendedero. Pero escapa a Lisieux, la "gran "ciudad de su región.

La sala de espera para la selección de la nueva secretaria de Louis Echard (Romain Duris), dueño de una pequeña oficina de seguros, es un deleite Vintage: trajes, peinados, anteojos.

La que gana es, claro la más bonita a la vez que la más fresca, con su colita de caballo y una cierta ingenuidad. Pero es la más rápida en el teclado. Resultará ser bastante mala como organizadora del trabajo de su jefe. Pero él, entrenador y deportista nato, le vio inmediatamente el potencial como competidora.

Porque 1958 es el tiempo de competencias de mecanografía. Con mal humor, exigencias, injusticias, críticas y sarcasmos, llevará a Rose por un programa de preparación digno de un maratón. Con sesiones de atletismo, clases de piano y lectura de los grandes clásicos.

Así, la mecanógrafa superdotada pasará todas las etapas eliminatorias. Una vez campeona nacional, después de vencer a la temible Annie Leprince-Ringuet (Mélanie Bernier),Rose obtendrá un contrato con la firma Japy, fabricante de máquinas de escribir y que acaba de sacar al modelo Populaire. De ahí una magnífica serie de comerciales maravillosos y un chachacha!

Como la historia de amor, primero negada, finalmente aceptada y consumida la noche antes de la final, es negada por el orgulloso jefe-entrenador, Rose cae en los brazos muy abiertos e interesados del hijo Japy ( Nicolas Bedos) .

Gran final mundial en nueva York, en un maravilloso teatro, con retransmisión en vivo por radio: después de un problema mecánico con las ranuras de las letras que se mezclan, Rose vuela hacia la victoria. El jefe machista acepta sus debilidades e inventa el sistema de la bola de tipos. Su mejor amigo, Bob Taylor (Shaun Benson), el que se casó con Marie (Bérénice Bejo), la novia de la juventud de Louis, se encargará de los negocios ya que es gringo. Y dejará a Louis el amor porque Francia es el "país del amor.!!!!

Claro, la historia es convenida, totalmente esperada. ¡Pero que espectáculo! Los actores están perfectos. Todos. Hasta se nos ofrece a Miou-Miou y Eddy Mittchell, famoso cantante de rock de esos años, en el papel de los padres de Louis. La ambientación, con ropa, accesorios, muebles, coches, musica, todo está muy bien cuidado y encantador..

Es un gran momento de diversión al mismo tiempo que un testimonio sobre unos años que algunos llamaron "maravillosos".

Alceste à bicyclette (Philippe Le Guay , 2013 ) – 8 /10

El gusto de escuchar al magnífico texto de Molière, leído, actuado y analizado con talento, placer, y sin afectación, por dos grandes actores, aunado a una historia divertida, que resulta ser una moderna adaptación de la relación entre Alceste y Philinte, la historia de una amistad tumultuosa al mismo tiempo que una rivalidad.

 

 

Ficha IMDb

Le Misanthrope ocupa un lugar aparte en la obra de Molière　: escrito como comedia para burlarse de una conducta humana exagerada, se ha visto interpretar, en particular en la época romántica, como el drama del hombre demasiado puro e íntegro que se niega a doblarse a las exigencias sociales, que quiere conservar su integridad moral, y, por eso, se ve aislado en la sociedad.

¿Quién es el mayor enemigo del género humano? ¿Quién es el pesimista? ¿Philinte o Alceste? ¿Cuál es el papel más importante en la obra? ¿Philinte, presente solamente en cinco escenas pero que representa la sabiduría sociable? ¿O Alceste , el casi omnipresente, pero odioso?

Estas preguntas alimentan los días de discusión entre Gauthier Valence (Lambert Wilson ) y Serge Tanneur (Fabrice Luchini) , discusión sobre la actualidad del texto, sobre la forma de leerlo.

Ambos son actores pero uno, Serge, vive retirado del mundo sobre una pequeña isla francesa, la isla de Ré , desgraciadamente unida recientemente a la tierra por un puente. El otro está en la cima del éxito, con su telenovela de doctores pero sueña con presentar Le Misanthrope sobre la escena de un pequeño teatro parisino y viene a proponerle un papel a Serge. Sin decir claramente cuál de los dos. Vivirán unos días apartados del mundo, dedicados al texto, al arte y, tal vez a la amistad.

Se hace muy presente la referencia al gran actor y director que fue Louis Jouvet. La representación, resultado de los ensayo,s tiene lugar en el teatro de l’ Atelier. Y la discusión sobre la forma de trabajar un personaje teatral: ¿hay que reconstruirle una vida y una historia? corresponde al debate entre escuelas de actuación. Adaptar o no, ponerse o no al nivel del espectador actual. ¿Modernizar? Es como colorizar las viejas películas en blanco y negro

Las ediciones del texto que usan, la ropa con que se visten: el aspecto fashion y rebuscado de Wilson al principio: gran abrigo blanco, peinado de anuncio publicitario, bufanda con flores pastel. Su compromiso con la televisión, la telenovela tipo Urgencias, la portada de Telemagazine. La gente que lo reconoce en la calle. Su buen carácter para acceder a las demandas de la gente de la calle. Todo esto constituye la adaptación moderna del tema de Molière : en resumen, ser sociable o no.

El recluido, con sus viejos ropajes grises y su bata, en su casa atiborrada de muebles, objetos, donde se niega a hacer renovaciones, donde el papel tapiz parece ser el mismo que hace cien años es una negación total del paso del tiempo. No se rasura y quiere hacerse una vasectomía para ya no dar niños a esta sociedad donde no se puede tener confianza en nadie. Cuando le hicieron un juicio, después de abandonar un proyecto por motivos de salud, no peleó y quiso ver hasta donde su amigo productor iba a seguir con la demanda. Es exactamente lo que presenta Molière en su obra. Alceste sabe que tiene razón pero no lucha. Quiere ver hasta dónde llega la malicia humana.

Pero también es un gran manipulador: le pide a Gauthier quedarse un día para ensayar y después le dará su respuesta. Y pide un día más, y uno más. Porque en realidad disfruta lo que están haciendo juntos, hasta los paseos en bicicleta en la isla.

Es la historia de dos hombres que se dejan apresar por el placer: placer del texto, de la actuación, de las peleas. Placer de la compañía. Placer de la isla de Ré con sus callecitas, su mar, su cielo y placer de la bicicleta. En el momento en que empiezan a creer que todo es posible. Hermosas escenas sin necesitad de palabras: actuar, pedalear.

Cuando todo parece perfecto, cuando se alcanza el estado de gracia, en ese momento, la maldad humana vuelve, la traición que Alceste -Serge creía ley en las relaciones, sí es ley. Y Gauthier lo traiciona con la bella vecina italiana, Francesca (Maya Sansa).

El castigó será el peor que pueda existir para un actor: Serge se equivocará en la representación. Tropezará donde siempre, en este verso que nunca pudo pronunciar correctamente: Este horrible odio. Lo dirá este indecible odio, porque, como le mostró Serge, para él el odio no se puede expresar, le da miedo decirlo porque él es Philinte, el que no sabe odiar. Y se quedará mudo frente al público.

Un placer a lo largo de toda la película, mucho humor, mucha pasión. Dos grandes actores, un gran texto.

Les saveurs du palais (Christian Vincent, 2012) - 5/10

 

 

 

Agradable comedia gastronómica. ¡Una más! Bonita foto, bonita comida, lindas actuaciones. Nada más.

 

 

Aromática ficha IMDb

　

Tal vez la intención sea enseñar la lucha sin posibilidad de ganar de una mujer sola frente a la conjunción de machismo, usos instalados y burocracia. Esta mujer, Hortense Laborie (Catherine Frot), llamada a servir al más alto nivel, en la cocina del presidente de la república, está destinada a fracasar.

Primer enemigo: el equipo del otro lado del túnel: el cocinero Pascal Le Piq (Brice Fournier), segundado por el el pastelero en jefe de la cocina central del palacio de l’Elysée, con su ejército de cocineros y aprendices, con su bodega de provisiones, y con el cuello tricolor, insignia de Mejor Obrero de Francia en su camisa. Nadie podrá quitarles el lugar. Menos una mujer, provinciana, y simple cocinera familiar.

　

Segundo enemigo: la burocracia, en la persona del nuevo encargado del gabinete Jean-Michel Salomé (Laurent Poitrenaux) quien exige justificación por cada ticket de compra.

Pero Hortense tiene sus aliados, el presidente mismo, anónimo ( Jean d'Ormesson), quien la llamó personalmente a Paris, el joven cocinero Nicolas (Arthur Dupont), prestado a Hortense para asistirla y Jean-Marc Luchet (Jean-Marc Roulot) , el mayordomo del presidente.

Pero, obviamente, envidias y contabilidades vencerán a las buenas voluntades y al talento culinario. Y Hortense ira muy lejos para ganarse la vida sin contrariedades, hasta una misión francesa en las Islas Crozet, en tierras australes y antarctiques de Francia, de donde se cuenta su vida du estancia presidencial en flash back mientras acaba su ultimo día de trabajo , con todo y última cena.

Una trama en sí bastante poco original para una historia de ficción, inspirada de la historia real de Danièle Mazet-Delpeuch, cocinera privada de François Mitterrand durante dos años, que no logra ser realmente creíble.

Para empezar, se pretende que el presidente la haya escogido porque quiere volver a los sabores naturales, los de su niñez y su región de origen. Pero la cocina de Hortense dista mucho de lo que cocinan las madres y abuelas de familias normales. Es mucho más sofisticada. Y su búsqueda de productos del terroir la lleva muy lejos. Se trata de una cocina bastante complicada, y muy cara. Los nombres de sus platillos son interminables. Es cierto que los platillos se ven bien. Muy bien fotografiados, se antojan de verdad.

Por otro lado, este presidente es poco creíble. Se le tiene a Jean d’Ormesson mucha admiración por su obra como escritor, biografío de Chateaubriand, novelista, miembro de la Academia Francesa. Sus arrugas y su andar lento pero muy derecho inspiran ternura. Pero, como actor, no la hace. No sabe decir un diálogo, su voz y entonación es monótona, lenta, poco creíble. Además como presidente de Francia, no funciona. Por cierto, en ningún país se elige ya a jefes de estado tan viejos. Parece presidente de la Cuarta República, cuando solamente servían para inauguraciones y cortar listones, antes de que De Gaulle cambiara la constitución en 1958.

Además, ¿como podríamos creer que un presidente que puede mandar a sacar de su granja, lejos en el fondo del sur, a una cocinera desconocida, que puede imponer al jefe de la provincia ir por ella y retrasar un tren, de repente no la pueda imponer a los ejecutivos de su palacio ?

La nutrióloga y el doctor que vienen a imponer la nueva dieta requerida por la edad y el estado de salud del presidente, son caricaturas ridículas de ignorancia. Y los cocineros de la cocina central del palacio presidencial, jefes o asistentes o aprendices, son caricaturas de machitos.

Los encuentros, furtivos o programados, pero siempre prolongados del presidente con su cocinera, en su despacho o en la cocina de ella en la noche, son de lo más estereotipados, como en una película sentimental sobre los amores ancilares de un príncipe con su sirvienta.

Lo que queda es, paradójicamente, las escenas de la nueva vida de Hortense, lejos en el polo sur, en medio de unos hombres rudos, seguramente hambrientos dado sus condiciones de trabajo. Una vida de soledad entre cielo, mar y viento, en un puesto escogido para ganar mucho dinero y poco tiempo, para realizar su sueño: una trufera en Nueva Zelanda. Ahí Hortense ahí encuentra estima, afecto y paz.

Catherine Frot no se luce como lo ha hecho en otras películas pero su joven asistente cocinero bien podría darnos unas sorpresas en los años que vienen.

The Shawshank Redemption (Frank Darabont, 1994) – 5.5/10

Entretenida y finalmente divertida por lo poco realista que es. Buenos actores y una narración ágil.

Liberadora ficha IMDb

Un hombre es condenado a dos cadenas perpetuas por el asesinato de su esposa y el amante de esta. Como las explicaciones del acusado Andy Dufresne (Tim Robbins) no parecen claras y no se ha encontrado a su arma, que, según dice, tiró al rio, no se cree a su declaración de inocencia. Además el abogado de oficio no tiene mucho talento ni interés en defender a su cliente.

Así. Andy es la víctima ideal, hombre bueno y alma inocente encerrado injustamente. Y llega al penitenciario de mala fama, Shawshank, donde reina el director Samuel Norton (Bob Gunton), imponiendo el terror con la ayuda de sus carceleros, en particular el capitán Byron Hadley (Clancy Brown).

Esta prisión es una maravilla arquitectural, inmenso castillo, con sus grandes patios. Como una catedral, con su alcaide penetrado de religión: solo la biblia y.la observación de las reglas pueden salvarlos, les dice a los nuevos internos al bajar del autobús. La población instalada es muestra de la tradicional población carcelera: el malo que domina sexualmente, Heywood (William Sadler), el que lo puede conseguir todo, Red, (Morgan Freeman), el viejo bibliotecario, Brooks, (James Whitmore) que alimenta a un bebé cuervo en el bolsillo de su camisa.

La llegada de los nuevos promete ser interesante ya que es motivo para apuestas: ¿quién llorara en su primera noche? Red le apuesta a Andy pero pierde.

Si se ven algunas escenas de violencia, golpes y ataque sexual al principio, en realidad la película torna rápidamente a cuento de hadas y lección de moral. Hay que seguir con sus esfuerzos, nunca rendirse aunque se necesiten años para llegar a la meta: Andy obtendrá después de algunas decenas de cartas los libros que quiere para la biblioteca.

Demasiados años de prisión hacen que un recluso se vuelva "institucionalizado", como Brooks quien no aguantará la vida de hombre libre y acabara colgándose en su cuarto.

Los buenos acaban consiguiendo lo que quieren y los malos están castigados. Andy podrá evadirse, Red saldrá y encontrará el dinero que Andy esconderá para él. El alcaide será arrestado.

Pero todo esto es un es un cuento de hadas: prisión muy limpia, pocos malos tratos, comida aparentemente buena, amistad y complicidad entre reclusos. Pero sobre todo se nota lo de cuento de hadas en la exageración: la ayuda de Andy para las declaraciones de impuestos y evasión de estos es requerida por cada vez más guardias. Hacen fila en el pasillo y el joven genio de la contabilidad necesita tener sus asistentes.

Y sobre todo, la llegada de los libros, por cajas y cajas. Y la biblioteca se expande. Y los reclusos pasan horas leyendo, ¡sentados en bonitas sillas de cuero de color!

Dudo que la novela de Stephen King sea tan "clean", que no haya una lucha más ardua entre el bien y el mal. Este alcaide de película no está a la altura del mal según King.

Además esta prisión es un ejemplo de limpieza, es casi una clínica de reposo. Nada más le faltan algunos árboles y jardines.

Los actores están bien, como siempre lo hacen Morgan Freeman y Tim Robbins. ¡Pero sus personajes y la historia son tan poco creíbles!

L'Immortel (Richard Berry, 2010) - 7/10

Dirigida por el actor Richard Berry quien  usa de la figura de Jean Reno como patriarca retirado de la delincuencia, decidido a vivir en el bien, dedicado a su familia y quien encarna los valores de la mafia de antes: respeto, rechazo a las drogas, amor a la familia, compromiso con los suyos. Con muy buenas escenas de acción.

 

Ficha IMDb

 

Una escena muy tierna entre abuela y nieto: frascos de mermeladas caseras en una bolsa de plástico, da la tonalidad. Una vida sencilla, valores familiares. Padre e hijo regresan a la ciudad en el coche escuchando ópera.

 

Es una historia de venganza y de fidelidad a los que han sido fieles. “Familia” se entiende en sentido propio de los lazos de sangre y en sentido amplio. Charly Matteï (Jean Reno) es un verdadero padrino que se responsabiliza por los que lo han servido o ayudado. Toma en sus manos el destino de todos.

 

Cuando es baleado en un estacionamiento, la policía entre en acción, en la persona de Marie Goldman (Marina Foïs) , viuda, quien se vuelve cómplice al dejar a Charly tiempo para asumir su venganza.

 

Algunas escenas son muy violentas, filmadas con mucha eficiencia en los encuadres, ritmos, movimientos de cámara, música.

 

Jean Reno resulta muy convincente en su papel de hombre maduro, que vuelve a las andanzas solo por un tiempo, tiempo de limpiar , de quitar los que actúan “sucio”, como Tony Zacchia   (Kad Merad) quien fue su amigo y lo traicionó. Un malo muy malo, vicioso, rodeado por sádicos.

 

La película no brilla por la sutileza: los malos son muy malos y los buenos muy generosos. Pero funciona sobre todo por el talento de puesta en imágenes que demuestra Richard Berry, quien aparece en un papel secundario. Muy buena construcciones con paralelismos y referencias entre escenas.

 

Como dice Charly, “la sangre vertida no seca jamás”, los maleantes nunca pueden descansar y la cadena de las venganzas nunca se detiene. Aunque gusten de arias de la opera y las mermeladas maternas.

 

La novela de Franz-Olivier Giesbert se basó sobre el caso real de Jacky Imbert, gánster de Marsella, quien fue herido de 22 balas en un estacionamiento y sobrevivió.

The Line (James Cotten, 2008) - 5/10

 

Busca ser a la vez película de mafiosos, con su padrino que jala todos los hilos de su sucesión desde su silla de ruedas, de narcos, película de gringos sobre lo que pasa en Tijuana, sutiles alusiones a los recuerdos de un asesino que le impiden matar. La historia se enreda, la sangre fluye. Pero el espectador se aburre.

　

Línea hacia IMDb

Tres historias parecen no mezclarse: Estados Unidos le sigue la pista a dos afganos que llevan a una maleta. Si la maleta pasa la frontera significa que la droga producida en Afganistán podrá entrar a Estados Unidos y financiar acciones terroristas. Quien hace el trato es Pelón (Esai Morales) aunque parezca desconfiado a la idea de tratar con árabes.

Un gringo, Mark Shields (Ray Liotta), llega a Tijuana con la misión de matar a Pelón, designado por Zalazar (Andy García), como su sucesor, aunque no sea su hijo. Lo obliga a asistir a misa con el padre Antonio (Armand Assante) . Pelón es presa de ataques de violencia incontrolables y le encanta participar en las sesiones de tortura para hacer hablar los traidores. Además, el hijo de Salazar, Diablo ( Jordi Vilasuso ) se pone muy celosos de las elecciones de su padre y trata de llevar sus propios negocios a su manera. Así que, todos quieren eliminar a alguien.

En el intento de cumplir con su misión, Schields se encuentra con un viejo amigo que será ejecutado por Pelón, a una prostituta, Olivia (Valerie Cruz ) madre de una linda niña, con las imágenes de una mujer morena que mató al no obedecer órdenes en el ejército. Esta imagen se interpone entre él y su objetivo por lo cual no logra matar a Pelón.

Los personajes se cruzan, hablan poco pero con tono sentencioso. Salazar explica las reglas de honor de la familia, desde su silla de ruedas de hombre agonizante.

Pero ¡oh sorpresa! al final caen las mascaras: Salazar no estaba enfermo, el sacerdote no era sacerdote y todo el montaje fue para poner a prueba a Pelón, quien no salió bien en el examen. Y para castigarlo, el no-sacerdote lo mata bajos los ojos del padrino, perdón el jefe de la familia narco porque no se han respetado los valores.

Schields muere en su taxi al regresar a su país, después de dejar su salario a la mama prostituta.

Fecha de caducidad (Kenya Márquez, 2012) - 6.5/10

Humor negro, algo de suspenso y sobre todo muy buenas actuaciones.

Ficha IMDb

Esta obra prima merite ser reconocida. Sobre una historia sencilla: una madre busca a su hijo desaparecido, se construye una narración bien estructurada, con un prologo y tres partes tituladas con el nombre del personaje cuyo punto de vista adopta: Ramona (Ana Ofelia Murguía), Mariana (Marisol Centeno), Genaro ( Damián Alcázar).

Las tres partes cuentan la misma historia: la desaparición de Oswaldo ( Eduardo España), el hijito consentido de mama Ramona . Lo vimos en el prólogo cuando mama le cuidaba los pies y, torpemente, le lastimó el dedo gordo, haciéndolo sangrar.

La película toca sin insistir varios temas o situaciones de la realidad mexicana actual: empezando por el objeto del deseo, el cuerpo sin cabeza, y la cabeza encontrada y cuidada por Genaro; el machismo y el maltrato conyugal; el tráfico hacia Estados Unidos; los salarios demasiado bajos y sin prestaciones de ley; los abusos de los caseros; la nula eficacia de los funcionarios.

La película habla de violencia pero nunca la enseña: sangre y suciedad en la morgue pero no se ven los cadáveres. Violencia y golpes por parte del esposo, pero sólo se oye. Violencia de los narcos, pero no se asiste al "levantón" ni a la ejecución de Oswaldo. De su cadáver se ven solo los zapatos nuevos. La cabeza se enseña después de bastante tiempo y muchos cuidados de Genaro, bien acicalada y maquillada. Muy presentable.

Todo eso construye una cinta dramática y divertida, muy bien estructurada y actuada, de tal forma que las diferentes y sucesivas versiones de los mismos hechos no se vuelven aburridas , sino que , al contrario, esperamos con interés cuales van a ser las diferencias y como se van a rellenar los huecos y a explicar lo que, sin notarlo siquiera , había dejado en suspenso.