Guerra de los mundos (Steven.Spielberg - 2005) - 2/10

Dicen que es ciencia-ficción. Yo digo que es aburrimiento.

Ver ficha

Nada muy interesante en esta película, que retoma todos los clichés. El clásico padre despreocupado, que vive solo, en una casa desordenada, y se ve obligado a recibir a sus dos hijos para un fin de semana, sin sentir ningún real afecto por ellos. Lo que ellos le devuelven. La película con sus situaciones angustiantes lo llevará a darse cuenta que los quiere. Y ellos a quererlo.

También los clichés de película de ciencia-ficción, con todos los efectos especiales. Que en realidad no presentan nada interesante o innovador: efectos decolores, enormes serpientes metálicas, objetos voladores, maquinas gigantes. Visiones de post-cataclismo ciudades destruidas, gente caminando en columnas de refugiados.

Lo único que vale la pena es tal vez la carita de Dakota Fleming, con sus ojos desorbitados, sus ataques de pánico, sus gritos histéricos. Parece ser la única que de verdad cree en lo que esta pasando.

Amor sin escalas ( Jason Reitman - 2009) 6,5/10

Una comedia agridulce sobre viajes, tarjetas, aeropuertos, soledades y encuentros.


Ficha inteligente


Ryan Bingham (George Clooney) es un especialista en recortes financieros y consumado viajante de negocios moderno que lleva mucho tiempo contento con su despreocupado estilo de vida, viviendo por toda Norteamérica en aeropuertos, hoteles y coches de alquiler. Puede llevar todo lo que necesita en una maleta con ruedas. No tiene nada auténtico a lo que aferrarse, ni ganas de hacerlo.

Un tema banal de comedia amarga. : el soltero empedernido que acaba enternecido y listo para caer en el matrimonio. Tema clásico en la comedia estadounidense de los años 40-50.
Varias paradojas que, en realidad, son las de nuestra vida moderna .Por ejemplo, estas tarjetas que personalizan las relaciones (hacen que el empleado nos llama por nuestro nombre) cuando en realidad nadie conoce a nadie.

El soltero anti-matrimoñio obligado por su hermana, que no le importa, a convencer al novio asustado antes de la ceremonia.

Muy divertidas las escenas de travesía del aeropuerto con sus diferentes trampas: chequar, pasar los puntos de control, subir maleta, quitar zapato, pasar detección de metales, poner zapatos, bajar maleta….etc

Divertido, el dialogo de encuentro con la comparación de las compañías de renta de autos, donde cada oración parece frase publicitaria.

Divertido, el duelo donde las armas son las tarjetas. Ganará el que tiene más.

Todo esto nos hace pensar en las películas de los Hemanos Coen. (otra alusión a los Coen es la escena de la ultima conferencia sobre “Que llevas en tu mochila” cuando el personaje se da cuenta de la verdad. En INTOLERABLE CRUELTY (2003), G Clooney cambiaba totalmente el tema de su discurso en el congreso en Las Vegas: aquí simplemente, se sale.

Divertido también, el paseo de la foto de los novios que hay que retratar frente a monumentos turísticos como si hubieran hecho el viaje. Situación que nos recuerda el gnomo del padre de Amélie Poulain

Paradoja del hombre que se ufana de tener su mochila vacía, de nos tener apegos, que da clases de soltar: colecciones, fotos, casas, amistades, familia. Pero el acepta hacer las fotos para su hermana, aunque no tenga la razón para esta solicitud. Y el mismo el es más grande coleccionista: colecciona millas y quiere llegar a 10 millones para tener LA tarjeta especial de American Airlines.

Paradoja, cuando la recibe, esta tarjeta que deseaba mas que nada en el mundo, es cuando vuelve del viaje que lo llevó a entender que la mujer para quien estaba dispuesto a atarse, esta mujer tiene vida propia donde no hay lugar para el. . La felicidad inmensa que pensaba iba a sentir, no la siente y solamente le queda reconocer que su casa esta ahí arriba, con los de American Airlines.

Paradoja del hombre que quiere seguir despidiendo a empleados que no conoce con humanidad, con un contacto directo. Pero el mismo es un ejemplo de frialdad que no recuerda que una mujer había hablado de suicidio.

Paradoja de nuestra vida moderna, el despido con frases de simpatía, de optimismo, de superación, pero las formulas son las mismas para todos, según un canevas preconcebido. Como lo son las formulas personalizas de las tarjetas. Después de quitar todo contacto humano, al equiparnos con tarjetas que hacen los trámites más rápidos, pero sobre todo ahorrar en gastos de personal, quieren volver a dar un toque humano.

Al final queda la duda: ¿cual fue en realidad la intención del realizador? Burlarse de la sociedad moderna ¿O castigar a su personaje y mandarnos el mensaje moralista: no hay nada como la familia?

Arsénico por compasión (F.Capra - 1944 ) 5,5/10

« Arsenic and old lace »
Es quizás la película más conocida de Capra. Fue nominada para cinco Óscar, incluidos el de mejor director y mejor fotografía.

Ver ficha

Frank Capra (1897 - 1991) de origen italiano , ganador de tres premios Óscar. Es autor de algunas películas muy populares de la década de los 30 y 40 como los clásicos It's a Wonderful Life (¡Qué bello es vivir!) (1946) o Mr. Smith Goes to Washington, entre otras.
La cinta es adaptada de una obra de teatro en tres actos de de Joseph Kesselring, presentada en Broadway de 1941 a 1944 .
La acción transcurre en una noche, casi en tiempo real.
Mortimer Brewster, escritor famoso por sus libros en contra del matrimonio, acaba de casarse con le hermoso Elaine Baxter, hija de un pastor, vecino de las amables hermanas Brewster. Solo el cementerio separa las dos casas. Todo el vecindario ama y protege a las dos lindas y bondadosas viejitas, incluso los policías del barrio. Cuando Mortimer viene a anunciar a sus tías preferidas la noticia de su boda y su salida para el viaje de bodas a Canadá (el taxista espera afuera durante toda la película), se topa con un cadáver en el baúl de la sala (como en la película de Hitchcock LA SOGA). Es para ellas un acto de bondad permitirles a hombres solitarios y amargados encontrar la paz de la muertes. El hermano Teddy , convencido de ser el Presidente Roosvelt, cava el Canal de Panamá en el sótano, lo que permite a las dos damas enterrar los señores, después de un servicio fúnebre apropiado, obviamente.
Las cosas se complican cuando aparece el hermano Jonathan, gangster en fuga, tan famoso que tiene que cambiar de cara. Tras algunas operaciones estéticas, a manos del doctor Einstein, se parece mucho a la creatura de Frankenstein, con puntadas atravesándole la cara. Los dos cómplices han escogido la casa de las tías para llevar a cabo una nueva intervención facial y para deshacerse del cadáver de la última victima.

La obra de teatro y la cinta tuvieron un inmenso éxito popular y vale decir que todavía nos dejamos llevar por el humor negro, los efectos de quiproquo, el infantilismo de algunos personajes, los juegos de escena de Cary Grant, su sobreactuación: movimientos demasiado amplios, mímicas, ojos exorbitados, reacción en doble tiempo al descubrir los cadáveres sucesivos o al entender las explicaciones de los locos miembros de su familia. Las dos viejitas son tan tiernas que en ningún momento se les puede considerar como las serial-killers que son en realidad.
Y que decir de la pareja diabólica constituida por Peter Lorre, cuyos ojos redondos y voz débil asustan desde ” M “ de Fritz Lang (1931), interpretando aquí el torpe cirujano plástico, alcohólico miedoso, y su victima-cliente, interpretado por Raymond Massey, a quien le hizo la cara de la creatura de Frankenstein, gran papel de Boris Karloff.

Ritmo, risas, locuras, una obra totalmente alejada de la realidad. La comedia americana en todo su esplendor, sostenida por grandes actuaciones y la belleza del blanco y negro.

The Invention of Lying (Ricky Gervais y Matthew Robinson, 2009) – 3.5/10

Ni critica a la religión in crítica social, un poquito de ambas (pero no mucho) algunas risas y harto product placement. The Invention of Lying arranca varias carcajadas pero no logra dibujarse como una película realmente trascendente.

La ficha IMBD



En un mundo donde nadie miente, es decir, la noción de mentir ni siquiera existe, Mark Bellison (Ricky Gervais) un perdedor de alma noble, es capaz, de modo inexplicable, de decir cosas que no son verdad. Esta capacidad le llega de manera repentina cuando después de ser rechazado por la chica de sus sueños y despedido está a punto de ser expulsado de su departamento.

Con su recién adquirida capacidad de mentir, Mark recuperará su trabajo, su departamento y ganara fama y poder. Sin embargo, no será esto que le hará conquistar a Anna McDoogles (Jennifer Garner).

La premisa de la cinta es indudablemente interesante, y ver a todos los personajes diciendo exactamente lo que piensan da lugar a diálogos y situaciones divertidas; sobre todo por el mero contraste con lo que sucede en nuestra realidad. Destaca el comercial en televisión de Coca-Cola (“It’s Famous”) pero discutiremos eso en particular más adelante.

Un problema que aparece al instante es que este mundo donde nadie miente es un mundo donde nadie, salvo Mark, parece tener sentimientos. Todo el mundo dice las cosas como son, pero también objetiviza todo a un grado que si bien es divertido, no tiene relación alguna con la premisa de “incapacidad de mentir”. La bella Anna admitiendo que no saldrá con Mark de nuevo por ser gordo, de acuerdo, de ahí a decir que a pesar de sus dudas se casara con el eterno rival de Mark solo por su material genético y que es incapaz de ver a las personas como más que su físico…o el Dr. que recomienda ir por unas fajitas después de que mamá muera…Parecería que la premisa de la cinta es en realidad que mentir es un acto necesario en un mundo donde la gente tiene sentimientos; un mundo donde solo la verdad existe es un mundo frio e inhumano. Abierto a discusión supongo.

El guion flaquea por momentos a pesar de los hilarantes diálogos sin definirse realmente. De acuerdo, es la historia de cómo mentir lleva a Mark a la cima, y aunque lo acerca a Anna, él se niega a mentir para estar con ella. La quiere demasiado (a pesar de solo conocerla de poco tiempo y reconocer que es superficial como ella sola). De pronto es una sátira explicita de la religión (una en particular) y como impacta a una sociedad, de pronto es solo la comedia romántica, de pronto es crítica social. Hubiese hecho un buen trabajo (solamente bueno) como cualquiera de estas cosas. Pero termina desconectada y sin hilación concreta. Y el final simplemente no tiene sentido… ¿Cómo puede Anna entender sin chistar que Mark es capaz de mentir, cuando nadie más puede concebirlo?

Mark es un personaje interesante, y seguramente como Ricky Gervais se ve a sí mismo. Fuera de eso, ningún personaje logra despertar interés, ni siquiera el gordito suicida (Jonah Hill, que sigue siendo igualito que en Superbad y todas las demás). Si acaso Edward Norton en su papel de policía corrupto y violento me resulto interesante.

Desde una perspectiva técnica no hay realmente nada que decir. Solo haré una breve observación sobre la cantidad de marcas que aparecen en la película, la frecuencia y la intensidad…el product placement funciona bien para las marcas porque es una manera inocua de exponerse al público. Pero aquí es demasiado, demasiado. En defensa de The Invention of Lying, diré que la producción parece ser independiente y esta era la única manera de que viera la luz. Dicho eso, igual no hubiese sido una perdida muy grande si eso no hubiese sucedido

Paprika (Satoshi Kon, 2006) – 8/10

Paprika es un sueño. Es el tipo de película que nos hace preguntarnos, otra vez, porque tanta gente piensa solo en términos de animación cgi y 3d y Pixar y demás; sin voltear a ver las maravillas que se hacen del otro lado del mundo. Gran historia, excelentes personajes, dirección de arte genial y animación de 10.

La ficha IMDB esta aquí.

Un grupo de investigadores ha desarrollado una aplicación que permite ver los contenidos de los sueños de una persona. No solo eso, sino que es posible inclusive intervenir en ellos. Pero uno de estos dispositivos ha sido robado. Ahora alguien está empujando a la gente a la locura al borrar la frontera entre el sueño y la realidad. Chiba, la lideresa del grupo de investigación y su alter ego en el mundo de los sueños, Paprika, deben resolver esta situación.

La historia es absolutamente envolvente. Como en toda buena historia japonesa, toma tiempo entender qué demonios está pasando, quien es quien y de que estamos hablando. Pero esta intriga está muy bien llevada, y desde el inicio la tensión es tal que es difícil hacerse cualquier pregunta. El flujo narrativo es magnífico, no habiendo ningún momento de flojera, ni siquiera en los momentos de reflexión profunda de los personajes.

Y hablando de los personajes. Paprika logra lo que pocas cintas consiguen: no solo es la historia épica emocionante, sino que los conflictos de cada uno de los personajes se sienten humanos y reales. No hay personajes uní-dimensionales (bueno…el malo malo quizás un poco…pero solo en comparación con los demás), todos tienen un porque, una motivación y conflictos que resolver.

El diseño de personajes y escenarios es increíble. Las secuencias de sueño son realmente eso. Toda la dirección de arte está bien lograda y la dirección en sí misma no se queda atrás trayendo el todo a punto de equilibrio y congruencia. E insisto, el balance entre el conflicto épico y los conflictos personales es realmente magnifico.

Mi momento favorito, es sin duda cuando Osananai descubre a Chiba dentro de Paprika…o cuando Chiba desciende al sótano del asistente de Tokita…o cualquier secuencia dentro del mundo de sueños…en fin…

Si bien creo que es un error buscar un significado oculto en las secuencias de sueños y las relaciones de los personajes, es un hecho que hay un discurso detrás de la cinta. Definitivamente los sueños son el tema central. La influencia de los sueños, entendidos más como ilusiones que como lo que pasa cuando dormimos, en la realidad. Para detener al hombre que pretendía ahogar los sueños en obscuridad, el lado emotivo, juguetón, irracional: Paprika, debe, literalmente fusionarse con el lado racional, frio, calculador: Chiba. El resultado es un ser humano completo, que crece y que, al ser mujer, se contrapone al hombre y trae balance.

Este balance es el sano, el mismo balance que existe entre Chiba y Tokita Koshaku. El balance que no existe en la ambición egoísta del director del centro de investigación o su maloso secuas.

El otro discurso my claro es el de la importancia de respetar y seguir un sueño. El policía que no puede olvidar como abandono a su amigo y en lo que creían lleva este discurso de principio a fin. El hecho de que la cinta cierre con la resolución a esto nos dice la importancia que tiene para el creador. Quien por cierto no pierde la oportunidad en la secuencia final de recordarnos que el si siguió su sueño, al prácticamente enlistar todas sus películas.

Sin lugar a dudas hay algo de inocente en Paprika, pero no por eso deja de ser una cinta increíble

El Misterio del Cuarto Amarillo - (Bruno Podalydès, 2003) - 4/10

Adaptada de la famosa novela de Gaston Leroux,que fue el protótipo de la novela de misterio en cuarto cerrado, pierde mucho del encanto nostalgico del libro.

Ver ficha inteligente.

Adaptada de una de las más grandes novelas de misterio, escrita por el autor del Fantasma de la Opera, Gaston Leroux, ejemplo de la novela de “crimen en cuarto cerrado”,la película resulta ser una ofensa para cualquier espectador moderadamente inteligente.

El trenecito de juguete pasando en la hierba da desde el principio la tonalidad: es una película para niños. Es cierto que divierte ver los inventos del profesor Stangerson, como este extraño coche impulsado por energía solar, que se detiene cada vez que pasa una nube (Por cierto, ¿Cómo llegan hasta el castillo bajo la sombra de los árboles?) pero el Profesor de la novela trabaja sobre temas relativos a la energía, muy cercanos a las investigaciones de Marie Curie sobre radio, no sobre inventos de profesor chiflado.

La complejidad de la novela, la variedad de las voces narrativas: Sinclair contando sus recuerdos, los artículos de periódico, el informe del secretario del juez, con pretensiones literarias, el diario intimo de Rouletabille donde se expresa todo el lirismo del niño deslumbrado por la Señorita Stangerson, la “dama de negro” de sus recuerdos, siempre vestida de blanco en la novela, y que, sospechamos, es su madre. El suspenso de la construcción de la novela por entregas…. Toda esta riqueza desaparece para diluirse en una banal historia de pobre misterio.

Divierte, es cierto, ver las alusiones a los álbumes de Tintin, otro adolescente reportero que viaja a todo el mundo en busca de la verdad y de la justicia: los pasajeros del tren leyendo el periódico, las siluetas corriendo de forma estática….

El mismo tono, si no es que peor, dominará la secuela: EL PERFUME DE LA DAMA DE NEGRO. Donde por fin Rouletabille y su madre se reconocerán, donde el malo de los malos, Ballmeyer, o sea Larsan, es decir el padre de Rouletabille, es decir el primer esposo de la Dama, Mathilde Stangerson, ahora casada con Darzac, toma el lugar de este, y vive son su esposa (quien sospecha obviamente su verdadera personalidad) bajo los ojos de todos. Reunidos en un hermoso castillo en una isla del Mediterráneo, esperan a la defensiva un Larsan que creen afuera, cuando esta dentro, conviviendo con ellos. Esta película se vuelve totalmente ridícula, con escenas del mas burdo cómico. Una recién casada totalmente vestida de negro, bajo el sol intenso del Mediterráneo, para aplicar al pie de la letra el titulo de la novela, un profesor Stangerson pasando sus días frente al mar pintando telas blancas, una anfitriona gritando “A table!” a todas horas y proponiendo a sus invitados un muestra de cocina típicamente francesa, un submarino solar (normal, estamos en el mar, ya no necesitamos coches solares). Y vuelven las alusiones a Tintin, con el coche rojo, y los hermanos Dupont y Dupond.

¿Cómo un director que tiene a su disposición tan buenos actores puede desperdiciarlos de tal manera?

¡Que aburrido! Volvamos a Gaston Leroux, el genio de la novela de misterio.

Por un puñado de dolares (S. Leone- 1966) 8/10

Adaptada en 1964 de una película de Kurosawa, Yojimbo(1961) esta cinta es el primer spaghetti-western de Sergio Leone y ya tiene todas las características de las siguientes. Es el inicio de la “trilogía del dólar”, seguida por Per cualche dollaro in piú (1965) y Il bueno, il brutto,il cattivo (1966).

Ver ficha aqui.

Filmada en un pueblo español durante el régimen de Franco, tiene en ciertos momentos aires de Buñuel: la entrada al pueblo blanco donde siluetas negras corren a esconderse en las casas, mientras dobla la campana. El paso del caballo montado por un cadáver que lleve en la espalda el letrero: “Adiós, amigos”, la aparición del sonador de campanas, que parece un enano al lado de Clint Eastwood. Cabe mencionar que Leone tenía una gran admiración para Buñuel, y que la actriz que interpreta a Consuelo, la matrona del clan Baxter es Margarita Lozano, actriz española que trabajó para Buñuel en Viridiana. Parece también extraída de una película de Buñuel la oposición entre las dos imágenes de familia: la sagrada familia compuesta por Mari(flor), su hijo Jesús y su esposa Julián, inocentes victimas de Ramón Rojo, quien tomó a la esposa como rehén para vengarse del esposo, y la familia mala, la de los Baxter con su jefa Consuelo (mucho mas sensual que Mariflor aunque de mas edad) el esposo, sheriff corrupto y el hijo sin carácter. La familia buena será protegida por el extranjero sin nombre, la familia mala será usada y engañada.

Los Baxter, dedicados al tráfico de licor y los Rojo, dedicados al tráfico de armas, son los dos clanes enemigos en un pueblo sin ley, donde todas las mujeres son viudas. Cada clan tiene su casa a un extremo de la plaza, según las más clásicas historias de vendetta, en Italia, Córcega, todo el Mediterráneo, desde la Grecia Antigua.

Como en todas las películas de Sergio Leone, abundan las contrapicadas, para enmarcar el personaje en la escenografía, los close-up sobre las caras, ojos claros y dientes blancos, los ritmos lentos de espera alternando con la rapidez de las escenas de acción, los sarapes para esconder el morral y las armas, las botas y las espuelas, las tomas de medio cuerpo para ver al enemigo de cuerpo entero a lo lejos, el esperado duelo final entre el bueno y el malo, cuando el malo parece débil y obliga a sus adversario a usar todas sus balas, mientras una placa de metal le protege el pecho.

Sin contar el suspenso de la espera del anti-héroe, el famoso Ramón Rojo, de quien hablan todos y que aparece a la mitad de la película, disfrazado de soldado, disparando de un metralleta en cámara subjetiva, engañando a todos para quedarse con las armas y con el oro. En uno de los primeros papeles del que fuera un actor indispensable al cine italiano de los 70’, comprometido con la política de izquierda, Gian-María Volonté, quien en los créditos aparece bajo el nombre de John Wels. El malo de la película, vestido de blanco, en contra de los clichés del western americano.

Créditos que por cierto no parecen de western, con su juego de sombras bicolor, rojo y negro, aludiendo a James Bond con el ojo central. Otro guiño al cine gringo, como la burla al cow-boy tradicional, montado en su gran caballo. Aquí una simple mula, espantada por los tiros.

Y que decir de la música de Ennio Morricone, inseparable del polvo, el cielo azul y los ojos de Clint Eastwood!!!

Sideways (Alexander Payne, 2004) – 7/10

Esas comedias agridulces, que pretenden ser humanas, íntimas, que buscan mostrarnos a las personas tal y como son, haciéndonos reír pero a la vez reflexionar acerca de la condición humana de pronto se pusieron de moda. Si bien son divertidas rara vez son lo que pretenden: honestas (te estoy viendo a ti Jude Apatow). Sideways tal vez peca en el sentido opuesto, me reí bastante soltando solo una o dos grandes carcajadas, no más; pero la honestidad esta ahí, en todo momento.

Pueden leer la ficha IMDB aquí.


Miles (Paul Giamatti, zaz) es un profesor de inglés divorciado y frustrado, con la esperanza de publicar una novela, pero sin éxito aun (al menos ya la escribió). Su gran amigo Jack (Thomas Haden Church) un actor que sobrevive gracias a comerciales está a punto de casarse. Para celebrar ambos pasaran una semana juntos recorriendo los viñedos californianos. Miles busca despedir a su amigo en grande, compartir algo que conoce bien y le apasiona. Jack quiere un acostón antes de la boda.

La película flaquea un poco en mantener un ritmo narrativo constante y hay un par de agujeros en la trama (¿Cuál era el plan, si las cosas no se hubiesen ido…sideways?, ¿Cómo es que la atractiva empleada del viñedo no solo conocía sino que era re-amiga de la atractiva mesera?)

Las actuaciones en cambio son realmente convincentes, tanto Paul Giamatti como Thomas Haden, pero sobre todo el primero, convencen realmente en sus respectivos papeles de frustrados adultos con pretensiones.

Durante toda la cinta uno espera el momento en el que Miles tendrá suficiente y gritara, reclamando a su amigo su egoísmo y haciéndonos sentir mejor con nosotros mismos porque por fin se dio su lugar, en una película realmente en canon, inclusive habría golpes. Eso nunca pasa, hay gritos repetidas veces, pero jamás ningún arrebato de violencia que se sienta artificial; no hay ningún intento de mover a los personajes « hacia adelante » haciéndolos actuar de modos que simplemente no les corresponden.

Lo que hay son momentos humanos, de acuerdo, un poco llevados al extremo, como cuando Jack llora como un bebe, literalmente, ante la idea de que su futura esposa descubra sus infidelidades. O la llamada de Miles borracho a su ex-esposa. Y me detendré un momento en esta escena, porque una escena de « drinking and dialing » no es una gran novedad, pero como esta filmada esta, es increíble. Toda la secuencia previa, con los vinos llegando y llegando y la figura de miles descomponiéndose progresivamente es excelente. Cuando se levanta todos sabemos que va ha hacer. La llamada telefónica, su contenido es intrascendente, pero los close-ups, los cambios repentinos, las miradas, dan a esta escena una fuerza particular.

Mi momento favorito es sin duda el discurso de Miles explicando su preferencia por el Pinot. Es una descripción de si mismo tan precisa, tan fina. Una explicación del hombre moderno (en términos de género), necesitado de la atención y el cuidado al que su madre y el confort moderno lo acostumbraron. Una mirada a toda su historia, a quien es en realidad.

El final es genial también: la novela no se publica, el amigo se casa después de sus acostones y seguirá siendo un chamaco, la ex esposa se queda con el nuevo marido perfecto (hasta se llama Ken) y van a tener un bebe. Miles sigue siendo un simple profesor. El gran momento, el degustamiento de un Cheval Blanc 1961 es lo que debería ser…solo un momento… No hay gran revolución, no hay momento de iluminación, nada cambia…porque así es la vida. Puede ser que haya una esperanza con la guapa mesera ahora vinicultora, pero esa es, literalmente, otra historia.

Sideways no destaca por sus aportaciones cinematográficas o su refinada técnica (salvo por eso close-ups, que close-ups), pero definitivamente es algo que muchas mas historias, en el cine o fuera, deberían ser: honesta

Planet Hulk (Sam Liu, 2010) – 3.5/10

Gladiator meets direct to DVD animation. Y lamentamos el día en que sucedió. Planet Hulk fue un arco del aclamado escritor Greg Pak, para The Incredible Hulk. Si bien esta padre ver a Hulk golpeando cosas en un contexto épico (y no hay nada mas épico que la roma Antigua...aunque sea intergaláctica); también es de lo mas infantil y predecible.

Pueden leer la ficha IMDB aquí.

La historia comienza cuando los héroes de la Tierra, con Iron Man a la cabeza, deciden mandar a Hulk a un planeta sin vida inteligente para evitar sus destrozos en este planeta. Evidentemente Hulk no puede más que molestarse y, cuando despierta en la nave, rompe suficientes cosas para caer en otro planeta. Un planeta gobernado por un tiránico emperador. Un planeta en busca de un héroe, el mítico elegido que unirá a todos los habitantes. En contra de cualquier pronóstico, resulta que ese elegido es Hulk. Pero antes de averiguarlo tenemos el gusto de verlo pelear usando ropas y armas de gladiador en contra de creaturas espaciales.

Dos cosas tiene a su favor Planet Hulk: Primero que el momento clave y rara vez justificado en el que el anti-héroe que no quiere saber nada de salvar a nadie, y solo ve por sí mismo, finalmente decide hacer caso a su noble corazón y salvar a todos no llega hasta bien entrados en la película. En más de una ocasión parece que ya lo vamos a ver hacer algo heroico, pero no, se resiste un poco más. Al grado que más de un personaje muere esperando verlo reaccionar. El injustificado momento llega, pero al menos no se siente tan (tan) forzado.

Lo otro interesante, tal vez la única razón de ser de esta película, es que hay momentos en que Hulk se ve bien bien padre. Saltos y golpes, close-ups a un gigante verde de mal humor, si bien no salvan la película, al menos despiertan algo de interés.

Fuera de eso, nada bueno. El concepto base es Gladiator de Ridley Scott, apenas y retocado, inclusive muchas de las imágenes son prácticamente calcadas. ¿Tributo? Yo diría más bien falta de imaginación. No sé si esto sea así desde el comic, pero dudo que los guionistas y director hayan realmente alterado mucho de la esencia. Que eso no es decir que ellos hacen un buen trabajo. Las escenas de acción son más blandas que emocionantes (salvo dos o tres) y en la estructura narrativa rara vez hay un momento de tensión real.

La pelea final no tiene razón de existir, si desde mucho antes sabemos que Hulk puede patear el trasero del emperador sin chistar.

El momento más emocionante es sin duda la pelea contra Beta Ray Bill…pero no solo no tiene sentido que Hulk gane, sino que menos lógica tiene que Beta Ray Bill salve el día, pero después se vaya, y aun así el elegido resulte ser Hulk.

Y ese relajo de plantas creciendo gracias a la verdosa sangre del protagonista… ¿Cómo para qué?

The Bad Lieutenant (Herzog - 2009) - 6.5/10

El regreso al cine del legendario director aleman Werner Herzog, tratando de sustituyir al actor poseido que fue Claus Kinski por Nicolas Cage.Un resultado fascinante, extraño,incómodo.

Ver la ficha inteligente aqui

La película empieza en la Nueva-Orleans de Katrina, ambiente que ya dio para varias cintas o episodios de teleseries. Dos policías, Stevie Pruit (Val Kilmer) y Terence McDonaugh (Nicolas Cage) están en los sótanos de la estación de policía, recuperan el contenido del casillero de un compañero: fotos eróticas de su esposa, droga. La droga acaba en los bolsillos de Mc Donaugh y las fotos serán, con algo de dinero, motivo de una apuesta para saber cuanto tiempo tarda en morir ahogado un detenido latino, que fue olivado al vaciar las celdas. Pero Terence decide rescatar al joven. Con daño permanente en la columna vertebral recibe su primera condecoración y la promoción al grado de lugarteniente.

Los dolores intensos lo obligan a consumir grandes cantidades de Vicodin (Hello, Dr House) al punto de llegar al consumo de sustancias más fuertes. Y le entra a todo, en todos los modos de absorción.

La trama policíaca es la investigación de la masacre de una familia de origen Senegales, que invadió el terreno de venda de algún grande del negocio. No hay testigos, no hay evidencias. Parece un caso sin solución. Solo un policía puede con tal caso.

La trama sentimental la da la relación entre el policía y una prostituta de lujo, interpretada por Eva Méndez, a la cual protege de clientes abusivos, al punto de llevarla a la casa de su infancia, y regalarle el tesoro que buscó cuando niño: una vieja cuchara.

La trama sicológica: la decadencia (y el renacimiento muy artificial al final) de un hombre que sufre físicamente horrores, cuyo cuerpo es soportable solo cuando esta bajo el efecto de lo que sea que disminuya el dolor.

Las tres tramas se enredan cuando el perverso lugarteniente usa su placa par asustar pequeños consumidores y quitarles su provisión personal, cuando el aparente descontrol del policía drogado le permite engañar el gran traficante y los matones que buscan a la prostituta, conseguir que el gran traficante elimine a los matones y deje su huella en una pipa de crack, pipa que será plantada en la escena del crimen y permitirá arrestarlo. En consecuencia, y en una secuencia bastante sarcástica, todo acaba bien: arrestan al malo, la chica esta fuera de peligro, el policía gana mucho dinero con sus apuestas. En una escena paralela al principio, el policía es condecorado y promovido. Comida de celebración: novia embarazada, policía en uniforme, padre y madrastra, beben solo agua. Final moralizador. Pero una vez solo, Terrence vuelve a caer en la necesidad de la droga, vuelve a amenazar a unos jóvenes saliendo de un antro par a quitarles su droga,. (repetición de una escena ya vista). Al momento de consumir, llega el joven latino del principio y los dos terminan en la contemplación de los peces del acuario local.

En conclusión, una película para nada confortable, pero que vale la pena ver.

Invictus (Clint Eastwood 2010) - 7/10

Una pelicula biográfica en honor a uno de los hombres politicos mas importantes del siglo. Y , antes que todo, una pelicula firmada por Clint Eastwood con uno de sus cómplices, Morgan Freeman. Llevándonos al mundo de la politica real y a los espacios abiertos.

La ficha IMDB esta aqui .

El eje de la película va claramente del tema de la desunión a la unión. Lo que es planteado desde la primera escena de forma casi caricatural.: una calle separa dos campos, la cancha de una escuela para adolescentes blancos que entrenan rugby y un terreno baldío donde chicos negros juegan futbol en forma desordenada pero entusiasta. En la calle entre los dos grupos pasa el coche de Mandela quien sale de prisión. Los chicos negros se amontonan en la valla y lo ovacionan., gritando su nombre. Del otro lado, un chico blanco le pregunta el entrenador: “Mandela? ¿Quién es?” Muestra de la base del sistema que dominaba en Sudáfrica: aislamiento y desconocimiento. Mismo desconocimiento que se verá de nuevo cuando el equipo, en su lujoso autobús, atravesará los barrios negros y los jugadores descubrirán una realidad nueva para ellos.

La película usa mucho este modelo de repetición, Una misma situación es presentada dos veces, para mostrar la evolución o falta de ella : caminata del presidente a las 4 de la mañana, presencia del presidente en un estadio, llegada de un visitante a su despacho (con la misma frase de recibimiento), escena del capitán el equipo con su familia, el presidente viendo un juego (la primera vez , se pone a trabajar, en la ultima no solamente sigue el juego como todo un fan, sino que hasta apuesta).

Matt Damon como actor en realidad tiene poca importancia: en realidad no actúa. Se limita a correr frente al equipo (escena también repetida) Pero sobre todo su personaje no tiene ninguna profundidad. Es una marioneta en manos del presidente que le insufla hasta sus pensamientos y las frases que lo alentaron en prisión.

La unión final se ve en varios ámbitos : familiar (la familia del entrenador se une con la sirvienta en el mismo fervor del partido), social (el niño negro marginado y los policías se van acercando poco a poco al escuchar la transmisión por radio; de empujar al niño, llegan a una compenetración al punto que el niño tiene una gorra de policía sobre la cabeza) (escenas en familias y en cafés hacen un eco mas intimo a las escenas del estadio) y personal (el guarda-espaldas negro que no entiende nada de rugby termina tan entusiasta como el blanco)

Interesantes también, los círculos de apoyo al presidente: primer circulo, el de las mujeres, negras todas: la asistente, la secretaria, el ama de llaves, en un ambiente de complicidad y afecto, tal vez hasta ternura. Secundo círculo, los hombres: el cuerpo de seguridad, los negros desde siempre y los blancos impuestos por el presidente, separados por el idioma y el gusto/ indeferencia por el rugby. Con ellos, respeto y discreción: el día que un escolta le presunta al presidente del su familia, este cancela la caminata.

¿Que fue lo que llevó Clint Eastwood a hacer esta película? Un sentido de oportunidad comercial con el próximo Mundial de fútbol en Sudáfrica? ¿La posibilidad de volver a trabajar con Morgan Freeman, después de Million Dollar Baby? ¿La oportunidad de hacer una película en espacio abierto? (con todos los panorámicos sobre el publico). Cabe mencionar el uso de los planos cercanos, y hasta muy cercanos sobre los jugadores., ¿O el análisis de una forma de hacer política tratando de resolver el maniqueísmo de blancos contra negros sin vengarse. ¿El papel de deporte en los conflictos políticos? El condicionamiento sicológico, con la utilización individual del poema con el capitán del equipo y con la utilización del avión sobrevolando el estadio, para contrarrestar el ritual maori de los Allblacks, que de aterrador se vuelve casi ridículo. ¿O finalmente, la fina línea entre inteligencia política y manipulación? La pregunta final sería: ¿Que es un leader? Como funciona?

Resulta interesante poner INVICTUS en paralelo con: la cinta de Steve Jacobs "Disgrace" , adaptada de la novela del Premio Nobel de Literatura en 2003, J.M.Coetzee, que narra la vida de David Lune -personaje interpretado por Malkovich, pelicula donde, en un ambiente de resignación, de aceptación de una realidad sin pena ni gloria (el profesor debe renunciar a su puesto en la universidad, pierde toda ilusión de relación amorosa con jóvenes guapas y se conforma con una veterinaria de pueblo, gorda y de sus misma edad; su hija decide conservar el bebe resultado de la violación por un chico negro, perderá su pequeña granja a manos de su ayudante negro, padre de del niño violador) , el protagonista asume totalmente su destino en la nueva Sudáfrica, después del Apartheid, un destino mucho menos inspirador que el del protagonista de Eastwood.

De la desunión blancos-negros, INVICTUS termina en un registro totalmente lírico (con música y ralentis sobre los esfuerzos musculosos de los rugbymen) con la unión de todo un pueblo soportando un equipo blanco (casi totalmente) ganando en un deporte de blancos, para la victoria política de un presidente negro, frente a un equipo que se llama …. All blacks.

Sherlock Holmes (Guy Ritchie, 2009) – 5.5/10

El caso de la referencia circular. El Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle inspiró al Dr. House de la televisión, el Sherlock Holmes de Guy Ritchie y Robert Downey Jr. tiene más del segundo que del primero.


La bonita ficha IMDB está aquí.


Sherlock Holmes se enfrenta a un caso de brujería y magia negra, donde un lord Inglés enfermo de poder engaña a medio Londres con cuentos de lo paranormal para recrear un imperio. La historia en sí misma no es particularmente interesante, pero no por eso es aburrida. Los diálogos son rápidos y divertidos, particularmente, como debe ser, los de Holmes. Es cierto que no es el Holmes rígido y serio que escribió Doyle, sino más bien uno sarcástico y dispuesto a reírse de uno mismo. Digamos un Holmes que no es realmente Holmes.

El merito de la cinta estriba mucho en la construcción del personaje. Respeta la genialidad del Holmes original, así como algunos de sus rasgos distintivos, como su aburrimiento; pero se aleja mucho en otros. Lo divertido es lo bien que Robert Downey Jr. carga el papel, y el buen trabajo en el guion y la dirección para hilar todo con sentido. Hay escenas francamente hilarantes y/o emocionantes. Particularmente Holmes en combate físico, cual jugador de ajedrez viendo todo desarrollarse primero, como mide a sus oponentes a la perfección y determina los movimientos adecuados; y siempre acierta. Hubiese sido interesante ver algo de ese proceso mental en otras situaciones. Por ejemplo en el entendimiento de pistas durante el caso y no a posteriori (aunque esto corresponde a los cuentos de Sir. Doyle).

Guy Ritichie pone su sello no solo con las escenas de acción, esas cámaras lentas llevadas al extremo y esos ángulos de cámara tan aguzados; sino también con el humor y el ritmo de la cinta. Lo ayuda en este último punto la música que crea un ambiente envolvente que atrapa al espectador. Y la dirección de arte no se queda atrás, vestuarios y escenarios impecables que brindan textura a la historia sin distraer de la acción, sino resaltándola…lo cual es la labor de la dirección de arte.

No hay nada trascendente que discutir en términos de contenido. Es una película 100% de Guy Ritchie, divertida y para pasar el rato. Con secuencias más que entretenidas, como la pelea con el gigante francés (si, puede ser que haya durado demasiado) la persecución de Irene Adler y presentación de Moriarti (puede ser que este solo en esto pero…debe haber una manera de decirle al público que puede haber secuela, sin que el final se sienta flojo…); pero mi favorito es sin duda la conversación con la futura esposa de Watson. No solo es interesante el proceso mental, pero la admiración al genio de Holmes es más aun cuando entendemos que el sabia que ella se ofendería, él sabía que terminaría cenando solo…no había nada que hacer.

No es el Holmes de Arthur Conan Doyle, pero es el de Guy Ritchie, una película que se sostiene a sí misma y respeta sus propias reglas. Una película cuyo claro objetivo es pasarla bien y es algo que definitivamente logra. Algo de contenido le hubiese dado más puntos, pero no los necesita, este Sherlock Holmes es el puro cotorreo.

Ranking

Nuestro sistema de evaluación es el siguiente

10/10 – la película perfecta, de principio a fin, sin fallas.
Coming soon, esperamos

9/10 - Es por esto que vamos al cine,
Li Mu Bai- Crouching Tiger Hidden Dragon (Ang Lee, 2000)
Scarlett O’ : HERO

8/10 – Excelente
Li Mu Bai- Synecdoche New York (Charlie Kaufman, 2008)
Scarlett O’ : In Bruges – Lust: caution . – Darjeeling Lmtd

7/10 – Igual no me compro el DVD pero si la vuelvo a ver
Li Mu Bai – The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008)
Scarlett O’ : Le Lecteur – Babel – La joven con el arete de perla

6/10 – Esta divertida y/o como que tiene algo
Li Mu Bai – Iron Man (Jon Favreau, 2008)
Scarlett O’ : Up in the air – Serious man

5/10 – Buena onda
Li Mu Bai – Dodgeball: A true underdog story (Rawson Marshall Thurber, 2004)
Scarlett O’ : Singing in the rain

4/10 – meh
Li Mu Bai- eXistenZ (David Cronengerb, 1999)
Scarlett O’ : Julie and Julia

3/10 – Dos horas de mi vida que no recuperare jamás
Li Mu Bai – Superman Returns (Bryan Singer, 2006)
Scarlett O’ : Inteligencia Artificial – Blair Witch Project

2/10 – No…no…
Li Mu Bai- The day the Earth Stood Still (Scott Derrickson, 2008)
Scarlett O’ : Guerra de los mundos – Planeta de los simios

1/10 – Aaaaargggggggghhhhh
Li Mu Bai- Coyote Ugly (David McNally, 2000)
Scarlett O’ : Sex and the City