The Grand Master (Wonk Kar-wai, 2013) – 9/10

Entre biografía de Ip Man( 1893-1972), quien fue el maestro de Bruce Lee, historia de una China perdida y reflexión sobre las artes marciales, la cinta une la nostalgia, tema usual en las obras del director, con una forma más llamativa.

Ficha IMDb

El eje de la narración es la vida de Wing Chun “Ip Man” ( Tony Leung) , primero en Foshan, con su familia y su escuela de artes marciales basada sobre el estilo del sur, el wing chun. 

Su paralelo femenino es Gong Er (Zhang Ziyi), quien heredó de su padre la “forma de las 64 palmas”, y se pone a la altura de los grandes maestros, a pesar de ser mujer, experta en la escuela ba gua del norte. Su presencia permite también el desarrollo del tema del amor fallido, usual en las películas de Wonk Kar-wai : años después, Ip Man y ella se atreven a evocar lo que pudieron haber vivido juntos, y reconocen que el amor si existió, aunque nunca se expresó. Aunque quedo solamente un botón de abrigo.  

El padre de Gong Er viaja a Foshan, ciudad natal de Ip Man para la ceremonia de su jubilación, en un burdel famoso, el Pabellón de Oro. lugar de lujos, de fiestas, de mujeres y de música. Baosen es el Gran Maestro de la Orden de Artes Marciales Chinos. Se necesita escoger su sucesor por lo cual se organizan combates. Ip Man, hombre del norte se enfrenta a maestros del sur.

Una tercera figura se interpone: Ma San (Jin Zhang), quien pretende ser el heredero del maestro. Pero su error es su falta de modestia y de discreción. Es decir en contra del sentido de las artes marciales cuyo dominio se basa en tres pilares son : ser / conocer/ hacer. Gong Er sabrá darle una lección ya que ella es portadora de la sabiduría transmitida. 

La primera secuencia anuncia lo que va a ser el tono general de la cinta : una lucha bajo la lluvia. Lucha de artes marciales, con una coreografía espectacular, con cambios de ritmos , con movimientos de cámaras acrobáticos, que pertenecen al genero Wuxia. La lluvia magnifica todo, permite efectos de colores, de sombras, profundidad de campo. Lluvia que es tristeza, alejamiento, lagrimas. Las lagrimas de una tristeza o una nostalgia siempre presentes en las películas de Wonk Kar-wai.

El marco histórico es la historia de China en el siglo XX, a partir de la invasión japonesa de 1936, que puso fin al imperio de la dinastía, episodio que muestra El ultimo emperador de Bertolucci (1987). La secunda guerra sino japonesa durará hasta 1945 y obligará mucha gente a escapar hacia el sur, y de ahí a Hong Kong. La llegada de Mao Tse Tung y del régimen comunista acelerará este movimiento.

La película va más allá que la historia o la política o las peleas de grandes combatientes : es una reflexión sobre el significado de las artes marciales. No se trata solamente de tumbar el adversario. Se trata de una filosofía de vida, de una educación de su propio cuerpo y de su alma. Al entrenamiento físico extremadamente duro se une una concepción del honor, de la sabiduría, del autocontrol. Ip Man fue maestro en el estilo Wing Chun, uno de tantos que tienen la misma filosofía. Al principio de la película el kung-fu es un arte visual, una danza precisa y hermosa. Solo hacia la mitad de la cinta se vuelve un método de defensa, más “utilitario”,  un poco repetitivo, un poco “Matrix”, que se siente vacío, solo exterior., buscando impresionar. El rojo de la sangre destaca entonces sobre el azul que había dominado la pantalla hasta este momento. Como toda historia wuxia que se respeta, The Grand Master es la historia del combate eterno entre el bien y el mal.

Algunas escenas son dignas de antología : la primera, bajo la lluvia ; el combate entre Gong Er y Ma San, simbólica del combate entre el bien y el mal, la dignidad y la ambición ; el entierro con las banderas blancas sobre la nieve, las ropas blancas, los dos cortejos que se encuentran, forzando uno a ceder el paso. 

Como siempre, el manejo de cámara, de colores, de ritmos, es extraordinario. Como siempre, la nostalgia siempre aflora. El uso de fotografías en colores sepia, fotos de familias, de grupos, inmovilizan el tiempo, dan pruebas que esos momentos existieron realmente,  a pesar de la sensación de los personajes que todo se fue, que todo se perdió, que el pasado es un sueño, como la historia de amor que Gong Er y Ip Man se imaginan en un pasado que nunca se dio : ella cantante de opera, y el en el publico. 

La música de Shigeri Umebayashi, compañero habitual de Wonk Kar-wai es acompañada de dos obras de Ennio Morricone, que provocan un cierto desconcierto, y el Stabat Mater compuesto por Stefano Lentini

Los actores tuvieron que entrenarse durante meses , lo que le provocó a Tony Leung una fractura del brazo que retardo la filmación. Zhang Ziyi, bailarina de formación sabía ya como dominar su cuerpo y había hecho otras películas de artes marciales : El tigre y el dragón (Ang Lee – 2009), Hero (Zhang Yimou - 2002), La casa de las dagas voladoras ( Zhang Yimou – 2005). La preparación de la cinta duró 7 años, las investigaciones de Wonk Kar-wai, su ambición de montar una historia de China, paralela a la historia del Kung Fu, paralela a una historia personal : la biografía de Ip Man, de la cual deriva la historia de Gong Er, en un paralelo sentimental y profesional. Todo sigue el principio fundamental de Kung Fu que significa “Perfeccionamiento de su arte”. Cada uno, en esta empresa gigantesca, tuvo que perfeccionar su propio arte, ir hasta sus limites.  

Nightmare Alley ( Guillermo del Toro, 2021 ) - 9/10

Una pesadilla que parece abrirse en un momento pero vuelve a cerrarse en algo aún más terrorífico, un desfile de grandes actores y un trabajo extraordinario de ambientación y fotografía.

Ficha IMDb

En 1939, un hombre solitario prende fuego a un departamento, se monta en su camioneta y se va. Al final del día o de su carretera, llega a un extraño lugar : una feria está montada en medio de la nada. Ahí come antes de meterse a los stands. Para Stanton “Stan” Carlisle (Bradley Cooper), es entrar a la corte de los milagros: seres fuera de lo normal, deformes, feos o con talentos extraños, así como sus dueños - entrenadores- promotores, con o sin piedad. Carlisle busca trabajo; ahí hay empleos. Se queda y empieza a conocerlos y a tomarles cariño. 

Empieza a trabajar para Clement “Clem” Hoately (Willem Dafoe) quien exhibe un monstruo que guarda en una fosa y alimenta con pollos vivos. Clem explica su método : busca alcohólicos o toxicómanos, con un pasado complicado, y los mantiene con una mezcla de opio y alcohol hasta que se pierden en llocura y la dependencia, dispuestos a convertirse en monstruos. Stan siente compasión por Molly Cahill (Rooney Mara), una joven tímida y con talentos eléctricos.

Afuera del circo, viven Zeena Krumbein (Toni Collette) y su esposo Pete (David Strathairn), alcohólico. Ella, además de vidente, proporciona servicios corporales a los hombres : baño, masaje y más si se desea. El enseña a Carlisle sus astucias de falsa telepatía y su lenguaje codificado. 

A lo largo de los días, Stan aprende sobre los trucos para valorizar y comercializar los talentos naturales o adquiridos. Los monstruos son seres humanos como cualquiera, cuya apariencia extraña es aprovechada, ensalzada con una talentosa palabrería, para satisfacer la curiosidad mórbida de los espectadores. Todo consiste en administrar sus particularidades. Llega el día en que le propone a Molly escapar del circo y de los malos tratos y utilizar sus talentos para montar su propio numero. 

Una vida de lujos, éxitos y glamour empieza en la gran ciudad, organizada alrededor de su número de telepatía “El gran Stanton”, hasta el día en que el riquísimo Ezra Grindle (Richard Jenkins) se presenta, acompañado por su psicóloga la doctora Lilith Ritter (Cate Blanchett). Parece ser la culminación del éxito para la pareja artista, la culminación de la seducción para Stan en un sutil juego de poder con la doctora. Los servicios a Grindle dan muchísimo dinero que Carlisle guarda en la caja fuerte del espléndido departamento de la doctora. Pero pasa la línea que Pete le había recomendado nunca franquear : “hablar” con los muertos para atraer los clientes. 

El último trabajo de la pareja, que empieza a distanciarse, última estafa a Grindle que quiere volver a ver su amor de juventud, Dory, muerta de un aborto forzado, acaba dramáticamente y Carlisle pierde su pareja fiel, su amante glamorosa y todo su dinero. ¿Qué le queda? Volver a los orígenes, a la feria, y aceptar las condiciones infames de Hoately, ser un monstruoso y peor aún, entrar al infierno con los ojos abiertos. 

La cinta de del Toro es un viaje a los infiernos con corta desviación al paraíso para volver a un nivel aún más infernal. Ese camino de ida y vuelta se vive en un primer tiempo que consiste en descubrir lo positivo que se esconde en cada aparente monstruo. Motivos de esperanza, claves para entender la naturaleza humana, la de las víctimas y la de los que aprovechan talentos y debilidades. El conocimiento adquirido y utilizado inteligentemente pone en una posición de superioridad donde uno puede aprovechar y disfrutar. Pero la ley humana parece ser sin piedad . Los de abajo no pueden quedarse mucho tiempo arriba. El infierno, la miseria, tiene un imán al cual no pueden resistir los rechazados de la sociedad. Esta lección despiadada, del Toro la transforma en una joya, una trampa en la que nos atrae a todos : imágenes y música se combinan para atraparnos, hacernos creer que, si se entiende el funcionamiento del infra mundo, se puede escapar de él. La cinta es un disfrute incesante de colores, de movimientos de cámara, de ángulos sorprendentes. Volver a ver todos esos actores compañeros habituales de del Toro nos inspira confianza: estamos en un círculo conocido. Y todos explican cómo hacen funcionar su pequeño mundo, cómo hacen malabares para mantenerse en su equilibrio más que precario. Nos llevan de la mano para atraernos a su mundo. El espectador se deja seducir: Carlisle ganó, se salvó, escapó de su destino maldito, ya no le puede pasar nada. Tiene los trajes, las maneras, el dinero, los espacios. Él dirige el juego. Pero la Roca Tarpeya está cerca del Capitolio, como decían los Romanos. Más dura será la caída. 

Lo entendemos en el momento en que Carlisle se esconde en el vagón de los pollos, con una toma cenital : abrimos los ojos cuando es demasiado tarde. A él no le queda otro camino y lo sigue: sabe adónde va. Y va en toda conciencia. La fábula optimista de éxito revela su cara oscura. Nunca existió real posibilidad de éxito y de salvación. 

La cinta es adoptada de una novela publicada en 1946 de William Lindsay Gresham casi inmediatamente llevada al cine por Edmund Goulding con Tyrone Power y Joan Blondell (Nightmare Alley - 1947). La película noir fue un clásico del genero. Del Toro le da una fuerza y una belleza barroca incontestables, repitiendo incansablemente la pregunta :¿Quiénes son los verdaderos monstruos? 

2046 (Wong Kar Wai , 2004 ) - 8/10

Entre falsa ciencia ficción, comedia, tragedia y recuerdos futuros cruzados, esta película puede ser vista como la continuación de Deseando amar, o de todas las anteriores del director.

Ficha IMDb 

Para engañar al espectador, todo empieza como la historia futurista de la tierra lejana de 2046 . Mundo lejano al cual se llega solamente por un larguísimo viaje en un tren híper moderno e híper rápido, suerte de tren bala a la japonesa. País del cual nadie puede regresar, 2046 es un lugar donde “los buenos recuerdos nunca desaparecen”. El único que pudo un día hacer el viaje de regreso es el narrador quien cuenta su aventura durante el viaje, sin que sepamos sí llegará a su meta, nuestro mundo actual.

Pero todo eso fue un engaño : la historia real es la de Mr Chow (Tony Leung ), en 1996. Después de que Madame Chang, Su Li-zhen ( Maggie Cheung), no quiso acompañarlo a Shangai, en la última escena de In the Mood for Love (Wong Kar-wai - 2000) se fue a Camboya donde confió su secreto a las ruinas de Ángor Vat. Vivió tres años allá, durante los cuales cayó en la adicción al juego. Volvió entonces a Hong Kong, donde retomó su trabajo de periodista, viviendo en un hotel donde quiso ocupar el cuarto 2046, en recuerdo al cuarto donde se encontraba con Su Li-zhen para redactar sus novelas de artes marciales. Pero el cuarto 2046 ha sido lugar del asesinato de la cantante Lulu( Carina Lau) por su amante baterista. Ella también volvía de Shanghái y buscaba rehacer su vida en Hong Kong, como el señor Chow. Este tiene que conformarse con el cuarto vecino. No se puede volver completamente al pasado. 

La hija del gerente Wang Jing-wen (Faye Wong), esta enamorada del japonés Tak ( Takuya Kimura) , lo que disgusta profundamente a su padre, sabiendo los antagonismos históricos entre China y Japón. Chow se ofrece a servir de intermedio entre los dos enamorados, una vez que el joven ha vuelto a su país. Al mismo tiempo que tiene una relación sentimental con una hermosa prostituta de lujo,  Bai Ling (Ziyi Zhang) que llegó a alojarse en el cuarto 2046 renovado.  La relación se volverá romántica pero tendrá que terminar cuando ella manifestará su deseo de una relación exclusiva, lo que el Sr Chow no está dispuesto a hacer. Sus hermosos chongsams, vestidos tradicionales muy ceñidos y su porte elegante hacendé ella un vivo recuerdo de la Sra. Chang 

Para hacerle compañía a Jing-wen, Chow empieza a escribir una novela futurista : 2046, donde los personajes reales aparecen como personajes de ficción: Tak es el joven que pudo volver del país de los recuerdos futuros.

Idas y vueltas hacia el tiempo-espacio de la ficción de 2046 tienen su paralelo en las idas y vueltas al espacio-tiempo de los recuerdos de Chow, su paso por Camboya, sus anos en Shanghái, el encuentro con la Araña Negra, una jugadora de cartas que nadie podía vencer y que s e encargó de curarlo de su adicción y meterlo en el camino de regreso a Hong Kong. Extraña coincidencia, la Araña Negra se llamaba Li-Zhen como el amor inolvidable del señor Woo, la señora Chan de In the Mood for Love . 

Siguiendo la costumbre de Wong Kar-wai, la voz off es el hilo que da significado a las diferentes historias : explica sus sentimientos, sus deseos, sus recuerdos, cuenta sus aventuras felices o tristes.

Como en In the Mood for Love, el ambiente es claustrofóbico : cuartos, pasillos, puertas.  lo que obliga los personajes a estar siempre cerca y dificulta la libertad individual. 

Como en otras cintas de Wonk Kar-wai, la música está a cargo de Shigeru Umeybayashi y se mezcla con melodías vintage : “Siboney”, “Perfidia”, siguiendo el gusto del director por las melodías en español-

La banda sonora gana extrañeza con los diferentes idiomas hablados por los actores : cada uno se expresa en su propio idioma : M Chow en cantonés, Bai Ling en mandarín, Tak en japonés, Bird en thai. Todos parecen entenderse a pesar de la barrera idiomática. La estructura de laberinto, de muñeca rusa, de viaje incesante entre real e imaginario, entre futuro, pasado y presente, crea un sistema complejo de ecos, acentuado por el juego de las sonoridades, ritmos y entonaciones de los distintos idiomas 

2046 es el futuro. Lo es para todos nosotros, para los personajes de Wonk Kar-wai como para el espectador. Es un numero de la suerte pero, sobre todo, es el año ultimo, el año de todos los cambios posibles, para lo mejor o para lo peor, nadie lo sabe : será el final de los 50 años de casi-libertad que el gobierno de China continental le concedió a Hong Kong después de la retrocesión por el Reino Unido. Uno más de los significados metafóricos del titulo : el lapso antes del año 2046 es un tiempo suspendido, como de sueño, de irrealidad, donde es posible imaginarlo todo. O recordarlo todo.

Un condé (Yves Boisset, 1970) - 8.5 /10

Época de los grandes polars franceses, cuando la policía francesa empieza a ser cuestionada, por el pueblo y por si misma. El equipo acostumbrado de actores.

Ficha IMDb

Un “condé” es un policía, viene de una expresión antigua hablando de una autorización especial otorgada por la policía en cambio a informaciones. Poco a poco, se fue aplicando a policía cuyos métodos están al limite de la legalidad. 

Todo empieza cuando Roger Dassa (Pierre Massimi), dueño de un bar-discoteca se niega a permitir a unos traficantes de droga vender su mercancía a sus clientes. Después de varios intentos, primero corteses, cada vez más fuertes, el jefe Tavernier (Francis Cosne) , el “mandarín” lo manda matar. Queda a cargo su hermana Hélène (Francoise Fabian), a quien los hombres de Tavernier, Lupo (Théo Sarapo) y Beausourire (Henri Garcin) se encargan de golpear un poco, tal vez violarla. Y destruir todo el lugar. Pero Hélène se niega a denunciar. No quiere hacerle el juego ni a los traficantes ni a los policías.

Un amigo inglés de Dassa, y enamorado de Hélène, Dan Rover (Gianni Garko) llega de Inglaterra para apoyar. Convence al tercer amigo, Viletti (Michel Constantin) de ayudarlo a asesinar a Tavernier cuando sale de su casino clandestino con su contador, solicitando de Raymond Aulnay( Rufus) que les de una coartada. 

En paralelo, el inspector Favenin (Michel Bouquet) vuelve a la ciudad después de una mutación por indisciplina. Vuelve a encontrar su viejo amigo Barnero (Bernard Fresson), casado y con tres hijos pequeños, que le avisa de comportamientos sospechosos dentro de la policía. Accidentalmente, los dos se encuentran en el lugar cuando Villeti y Rover matan a Tavernier. En la persecución sobre los techos que sigue, Villetti o Rover mata a Barnero . A partir de ese momento, Favenin va a dedicar todo su tiempo, su energía y su inteligencia a encontrar el asesino de su amigo. También usará su situación : su testimonio como policía bajo juramento tiene poder de convencimiento. Y sus métodos para impresionar son muy convincentes, en palabras, en amenazas, y en hechos. No duda en matar, torturar, cambiar evidencias,  No se molesta con la legalidad o la ética. Siempre con guantes negros, se dedica silenciosamente y eficazmente a vengar a su amigo. Hasta el final, hasta la limpieza total. 

Las escenas con armas de fuego son particularmente violentas y efectivas, inspiradas por el cine gringo de la época, Bonnie and Clyde (Arthur Penn - 1967) o El grupo salvaje (The Wild Bunch - Sam Peckinpah - 1969 ) La secuencia de la ejecución de Tavernier en el elevador, con metralletas, es totalmente al estilo Padrino (Francis Ford Coppola - 1972). Eso fue el motivo oficial para prohibir la cinta : al ministro del Interior de la época no le gustó mucho la imagen que se daba de la policía. Se tuvo que rodar una segunda vez la escena del interrogatorio para suavizarla un poco y que pase la censura. En efecto, como en Les assassins de l’ordre (Marcel Carné 1971) con Jacques Brel, los métodos de interrogatorios son muy violentos, torturas, golpes. No se conocía entonces el concepto de “bavure policière” o sea las “torpezas policiacas), lo que se llama ahora “uso excesivo de la fuerza”. Dan Rover no ha sido arrestado oficialmente, así que se puede hacer con el lo que se quiera, durante el tiempo que se quiera. 

Los años 70, poco después de los sucesos de 68, significan para la policía un tiempo de falta de confianza por parte de la población, pero también de autocuestionamiento frente a la corrupción que ha invadido todos los niveles de la institución. Algo esta cambiando en la sociedad y Boisset como Carné supieron poner su talento de directores y sus grandes interpretes al servicio de estos cambios.

Sin embargo, sobreviven hábitos todavía tradicionales como la forma de vestir : tanto delincuentes como policías visten muy formalmente: trajes oscuros, camisas blancas y corbatas, así como sombreros y guantes, lo que facilita esas “confesiones” sobre quien manejó una pistola. Las mujeres tienen todavía un papel muy secundario y los asuntos de negocios , de venganzas o de investigación criminal están a cargo de los hombres.

La banda sonora es interesante : una música discordante, deprimente se conjuga con ruidos naturales : motores de coches, ruidos del campo : perro, gallinas, pájaro.

El tema del honor y de la lealtad a un amigo es el eje de la historia, más que la investigación criminal : Rover está obligado a denunciar a su amigo Vileti, quien es en realidad el culpable, pero prefiere cargar con la culpa y arriesgar la prisión, o talvez la pena de muerte ya que se asesinó a un policía . En Francia, la pena de muerte se abolirá en 1981. Frente a él, misma lealtad a un amigo : Favenin quiere vengar a su amigo asesinado. 

La narración da a entender que los superiores de Favenin y Barnero son corruptos empezando por el comisario en jefe  (Adolfo Celi). Después de vengar a su amigo, matando a unos cuantos y mandando a los otros a prisión, Favenin ha decidido renunciar, ya que la policía hace un trabajo de basuras. Sin embargo, la cinta no da mas información sobre este tema, dejando pensar que Tavenin asume lo que su amigo le había dicho, sin buscar por si mismo esclarecer las sospechas.

Esta cinta es uno de los grandes papeles de Michel Bouquet, quien con su cara redonda y su voz fría se dividió entre películas psicológicas, en particular con Chabrol (La mujer infiel – 1968, Pollo al vinagre – 1985), y Truffaut (La sirena del Mississippi – 1969, La novia vestía de negro – 1968) y películas de gánsteres con Boisset y Melville, los dos grandes maestros del cine policiaco-político. 

Operation Mincemeat (John Madden, 2021) – 8/10

Hecho histórico, real y secreto. Una historia con suspenso y humor negro, contada de forma muy tradicional pero con excelentes actores.

Ficha IMDb 

En 1943, los Aliados desean desembarcar al continente europeo para irle ganando terreno a las fuerzas de Hitler. Un buen punto de desembarque podría ser Sicilia pero hay una fuerte presencia militar alemana. El plan es engañarlos para que se muevan hacia otro punto posible de desembarco : Grecia. 

El plan suena totalmente loco y se necesita el visto bueno del Primer Ministro Winston Churchill (Simon Russell Beale). Aunque no crea mucho en las probabilidades de éxito, da su autorización para que un equipo especial del Double Cross System o XX System se ponga a trabajar bajo las órdenes del almirante John Henry Godfrey (Jason Isaacs) que no tiene mucha confianza en el plan.

Ewen Montagu (Colin Firth) escoge su grupo de trabajo : su fiel secretaria Hester Leggett ( Penelope Wilton), amiga cercana de su esposa judía Iris (Hattie Morahan) a quien mandó a Estados Unidos con los hijos, en un momento de desacuerdo matrimonial, el capitán Charles Cholmondeley  (Matthew Macfayden), soltero, y una cuántas señoras de Bletchley Park, equipo especialista en cifrado y descifrado que ya vimos al trabajo en The Imitation Game (Morten Tyldum - 2014 ) ya que trabajaban con Alan Turing, inventor de la máquina que pudo descifrar los códigos de la maquina Enigma alemana, otro evento real. Las vimos también en The Bletchley Circle, miniserie británica ( 2012-2014). Entre ellas se distingue Jean Leslie (Kelly Macdonald), por tener un gran sentido de la iniciativa y por ser objeto de seducción de parte de los dos jefes de equipo. Un poco al margen, el joven Ián Fleming (Johnny Flynn), empieza a publicar unos libros, sin tener todavía la idea de su espía heroico, James Bond. El es el encargado de contarnos la inverosímil aventura del inexistente William Martin en forma de novela de espías. 

Para que funcione la trampa de una falsa orden de desembarque en Grecia, hay que construir íntegramente lo que llaman actualmente una “narrativa: un agente secreto inglés se ahoga durante su viaje a España para llevar una carta con las órdenes para que los aliados en tierra preparen todo para la exitosa operación en Grecia. España, entonces franquista, es sin embargo neutral y llena de espías de los dos lados del conflicto mundial. Se necesita un cadáver de ahogado, joven y fuerte, que tenga vida personal: ponen en sus bolsillos una foto y una carta de su supuesta novia Pam . Se organiza el camino y los contactos para que el cuerpo sea encontrado y la carta llevada a los contactos que la dejaran caer en manos de los espías de Hitler hasta llegar a él para que tome la decisión correcta : mover sus tropas.

Montagu y Cholmondeley en persona acompañan al cuerpo hasta el norte de Escocia, conducidos por un piloto experto y súper rápido, para subirlo al submarino que lo llevará al punto donde será dejado para aparecer ahogado el 9 de mayo de 1943, en la bahía de Cadis, después de rendirle los honores debidos a un héroe muerto en combate. 

Contra toda probabilidad, la operación de desinformación funcionará, los Aliados desembarcarán el 10 de julio 1943, en la Operación Husky. De 1943 en adelante, seguirán su camino por Italia. El año siguiente, el desembarque en Normandía del 6 de junio 1944 y él de Toulon en el sur de Francia el 15 de agosto permitirán tomar a las tropas alemanas entre pinzas y forzarlas a retroceder.

A lo largo de la operación, la rivalidad entre los dos oficiales se mantiene, acompañada de un cierto desprecio debido a los motivos personales de cada uno en su compromiso patriótico. Montagu busca retirarse y dedicarse a su familia que ha descuidado demasiado tiempo. La cohabitación con su hermano Ivor ( Mark Gatiss), fantasioso y pacifista, despierta las sospechas de Godfrey quien imagina una colaboración con la URSS. Utilizando el deseo de Cholmondeley de repatriar, para recuperar la consideración de su madre, el cuerpo de su hermano mayor muerto en combate, el almirante le promete facilitar los tramites sin éxito durante meses a cambio de una vigilancia de Montagu. El conflicto entre los dos se acentúa aun más cuando Cholmondeley se percata del amor naciente entre su colega y la linda Jean, que no le disgusta. 

Esta película de guerra sin combate cuenta una enorme broma y muestra la importancia de las operaciones de “inteligencia “ palabra eufemística para no decir ``espionaje” que suena más aventurero o más sucio. “Guerra de comunicación “ se dice hoy para no decir “ fake News”.  En resumen, una mentira bien construida y muy eficiente. Lo interesante es obviamente la elaboración paso a paso de un pasado : el de William Martin, y la preparación de un futuro : el viaje y la utilización de la carta secreta. La cuidadosa elaboración de un agente secreto, falso pero verosímil, lleva a situaciones de humor negro particularmente eficaz en un contexto tan dramático como esa guerra, sabiendo la importancia vital del proyecto, en relación con sus consecuencias estratégicas mundiales y, a más corto plazo, en el número de vidas en riesgo. El título mismo de la “Operación Mincemeat”, "Carne molida" , es en sí un ejemplo de este glacial humor inglés. 

Como en Darkest Hour ( Joseph Wright – 2017), se le da una atención precisa a la reconstitución de la vida cotidiana en un Londres en tiempo de guerra, con calles oscuras, ventanas tapadas, tropas internacionales y desordenadas. Una puesta en escena muy clásica domina una película estática, con muchas palabras y poca acción. El encierro en las oficinas subterráneas que alterna con salidas en la vida nocturna de un Londres igualmente oscuro resulta un poco claustrofóbico y hace que las pocas escenas en España procuren un respiro, normal si son, al fin, la realización del plan, los momentos de suspenso y de esperanza.  

Un idilio casi platónico bajo los ojos sagaces de un celoso silencioso y de una secretaria amiga omnisciente, le da a la historia real un atractivo sentimental probablemente innecesario. Pero se sabe que ayuda en la promoción de la película. 

Los dos actores principales rivalizan de inteligencia y seducción. Colin Firth de larga trayectoria como excelente intérprete y seductor ahora maduro ve su supremacía a un dedo de ser amenazada por Matthew Macfayden, a quien conocimos hace tiempo en la serie británica Spook que trataba … de espías. 

Una forma divertida de conocer un poco más sobre los secretos de las guerras, los pequeños detalles escondidos que, en un momento dado, pudieron cambiar completamente el equilibrio de las fuerzas. 

La película de Ronald Neame El hombre que nunca existió (The Man Who Never Was -1956) contaba exactamente el mismo episodiode la Segunda Guerra Mundial. 

Michael Kohlhaas (Arnaud des Pallières, 2013) – 7.5/10

Adaptación de la novela alemana de Heinrich von Kleist (1810). En el sur de Francia en el siglo XVI, un hombre es llevado hasta la muerte por su creencia absoluta en un sentido de la justicia que las condiciones históricas y sociales no permiten realizar.

Ficha IMDb

Michael Kohlhaas (Mads Mikkelsen) es un criador de caballos, protestante de origen alemán , se estableció en Las Cevenas en el suroeste de Francia, zona protestante. Cada cierto tiempo lleva sus mejores especímenes a vender a la ciudad. Ese día del siglo XVI, se topa con una barrera en el puente : en nombre del nuevo barón (Swann Arlaud), se le pide un peaje, no tiene con qué pagarlo ya que el barón padre del joven señor dejaba el libre acceso. Para poder seguir su camino, Kohlhaas llega a un compromiso : deja dos hermosos caballos de monta negros, con su servidor Cesar (David Bennent) par cuidar de ellos, y los recuperará al volver. Mientras esta en la ciudad y hace negocios con el gobernador (Bruno Ganz), utilizan sus animales para jalar carretas, los maltratan. El joven que trata de defenderlos es golpeado, perseguido y finalmente asesinado.

Al volver, Kohlhaas quiere recuperar su bien y no se conforma con sus dos caballos heridos y flacos. los quiere como los dejo. Empieza un proceso de demandas en contra del barón, pero, después de tres intentos rechazados gracias a las influencias del barón en la corte, su abogado (Jacques Nolot) le aconseja aceptar sus caballos como se los quieren entregar y abandonar el proceso. El comerciante no se conforma y decide pasar al nivel superior : la princesa Margarita de Navarra, hermana del rey de Francia, François I. Su esposa, Judith (Delphine Chuillot) se encarga de la misión, pensando que la escucharán con más empatía que su esposo, pero es devuelta ensangrentada en su carreta. Muere poco después. 

Después de enterrar a su esposa y dejar a su única hija Lisbeth (Mélusine Mayance) al cuidado de un joven pastor alemán protestante (Denis Lavant), Kohlhaas decide tomar la justicia en sus propias manos y se dirige al castillo de barón con unos hombres armados. El ataque al castillo se vuelve carnaje. A partir de ese momento Kohlhaas y sus hombres están fuera de la ley y siguen con su cruzada. La joven reina de Navarra, Marguerite ( Roxane Duran) también protestante de corazón, interviene  personalmente y promete al ahora bandido un juicio justo a cambio de la absoluta sumisión a la sentencia

Kohlhaas obtiene finalmente la devolución de sus caballos en buen estado, dinero para compensar la muerte de César, y dinero de compensación para los daños sufridos. El barón es condenado a dos años de prisión. Pero el rebelde tiene que someterse a la sentencia de muerte por sedición .

Ganó la justicia, perdió el hombre que la perseguía. 

Escoger a un actor no francés obligó a algunas adaptaciones del personaje : es alemán, y parece un poco desubicado en las provincias de los Pirineos, aunque, a decir verdad, todos parecen desplazados en estas tierras, este mundo.

Los errores históricos abundan: servirle a un prisionero vino en hermosas copas de vidrio de color, ejecutar a un hombre del pueblo, aunque rico, con una espada. Los vestidos femeninos no pertenecen a ninguna época. Los interiores no tienen mucha lógica, casas de piedra pero sin muebles

La historia es dura, implacable. Sobre las injusticias sociales, el sistema medieval que le da al señor del lugar un poder sin límites sobre los que habitan sus tierras. Sin embargo, muestra que existen leyes, qué hay posibilidad de justicia, qué hay procesos. 

La presencia del protestantismo, coherente con el autor de la novela, con el origen del personaje y su idioma alemán, es pertinente en la zona del sur de Francia y con la personalidad histórica de Marguerite d'Angoulême, hermana del gran François I, casada con el duque de Alençon, viuda y vuelta a casar con el rey de Navarra. Abuela del famoso Henri IV, fue defensora de los protestantes , posición bastante peligrosa en media de la corte de Francia mayormente católica. Es conocida sobre todo por su novela el Heptaméron, libro de cuentos que quiera imitar al Decamerón de Bocaccio pero se quedó en 70 cuentos, algunos cómicos, burlescos, trágicos, feministas, anticlericales, pero todos de una inteligencia ligera y sonriente muy peculiar.

La película está llena de buenas intenciones pero no logra imponerse. El ritmo es torpe, no hay un real acercamiento a los sentimientos de los personajes, solamente una serie de acontecimientos que se van encadenando por una lógica social y psicológica ineluctable. Kohlhaas se siente herido y quiere vengar una injusticia. Avanza como un ser testarudo y rencoroso que ha olvidado el motivo de su gesta y se deja arrastrar sin reflexionar ya a la desproporción entre su requerimiento original :” Quiero mis caballos como estaban.” y la revolución que ha desencadenado. “Fiat justicia, et pereat mundus” : “Que se cumpla la justicia, aunque el mundo debe derrumbarse”

El maniqueísmo y la voluntad de deshumanizar las figuras del poder  el barón, el abogado, el gobernador  no llevan nombre) refuerza el valor simbólico más que individual de Kohlhaas. Al principio de la cinta se establece un ambiente de austeridad, de lentitud, casi ceremonial. La naturaleza de montaña desértica, invernal, color de piedra, sin arboles, es el estuche perfecto para un hombre de principios morales sin concesiones en un mundo difícil de vivir. la naturaleza impone sus condiciones como lo hacen los diversos niveles del poder de los hombres. ¿Qué puede hacer un hombre solo frente a eso? 

Indirectamente, la película, como lo hacia la novela en el siglo de las Luces, nos habla de una época muy particular: se acaba el feudalismo, se constituye un estado moderno donde, en teoría, todos los hombres son iguales. Es uno nuevo concepto de la sociedad donde el individuo empieza a ser consciente de su fuerza y de su valor propio. Es el principio de la burguesía : Kohlhaas es un negociante, ya no es un noble como Don Quijote aun si su moral intransigente los hacen parientes. 

Pero sus ideales son hoy todavía temas de luchas : la justicia social todavía y más que nunca debe imponerse frente a las regresiones actuales hacia una época de dominaciones : el dinero, las enormes fortunas, las multinacionales y sus abusos, los lazos ocultos entre los mundos de los negocios, de las políticas y de las delincuencias. Hoy como ayer, el hombre de buena fe, der gute Mensch de Brecht libra batallas contra fuerzas que lo rebasan. 

La obra de Kleist, inspirada por un hecho real, olvidada como su autor, ha sido adaptada varias veces, en películas o series televisivas. Llama la atención que Volker Schlöndorff, gran maestro de las películas literarias, dirigió en 1969 su propio Michael Kohhlaas-der Rebell con Anna Karina. 

Chacun son cinéma (Gus Van Sant , Theo Angelopoulos , Olivier Assayas , Bille August , Jane Campion , etc, 2007) – 7/10

Una película especial de aniversario a solicitud del Festival de Cannes: 36 directores famosos 25 países hicieron cada uno un cortometraje de más o menos 3 minutos. Hay de todo : algunos excelentes, otros sin ningún interés. 

Ficha IMDb 

El cinema al cual alude el título es la sala donde se proyecta una película, mejor dicho el lugar porque no siempre se trata de salas de cine. Así el personaje importante en todas estas historias cortas es el espectador, muchas veces el directo cuando niño.

Proyecciones en todo tipo de lugares, en salas famosas, en una sala chiquita en medio de ninguna parte, en salas improvisadas en un pueblo para una única vez, salas viejas, salas vacías. Un recurso utilizado en muchos cortometrajes es la utilización de una proyección de una película famosa en segundo plano, puede ser con la imagen o puede ser con sólo la banda sonora : Mouchette (Robert Bresson - 1967), Au hasard Balthazar (Robert Bresson – 1966), La Notte (Michelangelo Antonioni – 1961),  La pasión de Juana de Arco (Carl Dreyer - 1928), La grande illusion (Jean Renoir - 1937), Cuando las cigüeñas vuelan (Mikhaïl Kalatozov -1957), Black Hawk Down ( Ridley Scott - 2001) y algunos más. Los cortometrajes a veces cuentan una historia, a veces no cuentan nada. Pero todos hablan del placer, de la felicidad que proporciona estar viendo una película :  Ce Petit Coup au Coeur Quand la Lumière s'éteint et que le Film Commence (Ese Pequeño Golpe al Corazón cuando las Luces se Apagan y la Película Comienza), subtitulo de la cinta.

En Tres minutos de Theo Angelopoulos, Jeanne Moreau le rinde homenaje a Marcelo Mastroianni el hermoso. Nani Moretti en Diario de un espectador, cuenta su vida a través de las películas que vio ; Claude Lelouch , en Cinéma de boulevard, cuenta su vida a través de sus propias películas. Iñarritu en Anna, alude a Godard y Alphaville (1965 ) a través de su actriz fetiche Anna Karina; Yiussef Chahuine rememora sus experiencias en Cannes, como desconocido y después como ganador de la Palma : 47 años después.

También hay películas de ficción sobre las condiciones extremas en las que una proyección es un momento fuera del tiempo. En Noche de película de Zhang Yimou, se cuenta la instalación de una tela blanca en un pueblito aislado en las montañas chinas para una proyección en tiempos de la revolución cultural de Mao. Cuando todo está listo y la noche instalada, los jóvenes proyeccionistas se toman el tiempo de comer instalados a una mesa detrás de la tela. Todo el público, expectante, puede asistir a su cena en sombra china como si fuera ya la película. En el corto de Kaurismaki, La Fonderie, los obreros de una planta siderúrgica, hombres silenciosos y fuertes, dedican su descanso de la comida para ir a la salita del sindicato ver una película .

La más hermosa y poética es probablemente otro corto chino, Zhaniou Village de Chen Kaige: en otra proyección muy rudimentaria falla la dinamo después de pocos minutos. Todos los niños del pueblo se suben a sus bicicletas que han conectado al proyector y pedalean para proporciona  suficiente energía a la proyección. Es una magnífica película en blanco y negro sobre tiempos pasados y difíciles, sobre ingeniosidad y felicidad. 

Michel Lonsdale cuenta en Le Don de Raúl Ruiz el regalo que hizo un obispo a una comunidad indígena coya : un equipo de proyección. Ni siquiera abrieron las cajas pero  tiempo después construyeron una sala de cine en forma de aparato de radio. 

El humor negro está presente en Cinéma érotique de Román Polanski. Una pareja está perturbada en la proyección de Emmanuelle ( Just Jaeckin – 1974) por los gemidos excesivos de un espectador. Llaman a la acomodadora, quien llama a un supervisor quien se decide a intervenir. El señor tenía un boleto para la mezzanine, y se cayó : sus gemidos no tenían relación con las actividades de Silvia Kristel…La crueldad de Cronenberg se expresa en El suicidio del último judío en el mundo en el último cine en el mundo : tenía posibilidad de escoger entre suicidio y ejecución.

Los más grandes directores del mundo están ahí aunque se pueda objetar la ausencia de gente como Almodóvar, Hanecke, Woody Allen … Es un momento agradable, una suerte de Cinema Paraíso (Giuseppe Tornatore - 1988 ) en patchwork. Si da momentos conmovedores, chuscos , si llama a la personal biblioteca de cine de cada espectador, y juega con su cultura para saber identificar voces y imágenes en las películas citadas, no deja de sonar como un auto homenaje de Cannes a sí mismo, para sus 60 años de vida.