Ocho minutos antes de morir (Duncan Jones, 2011) - 4/10

Source Code es una película de acción partiendo de la misma idea de la serie Viajeros en el tiempo de nuestros jóvenes años, cuyo actor principal , Scott Bakula, presta su voz al padre del héroe.

Ficha IMDb

Despierta en un tren de la mañana, camino a Chicago, habla con su linda vecina Christina (Michelle Monaghan), le derraman café en el zapato, observa a sus compañeros de viage, etc, y se da cuenta que no es él mismo, el capitán Coltan Stevens, en combate en Afghanistan , sino Sean Fentress, maestro de historia. Y el tren explota.

Atraviesa el tiempo y se encuentra en un lugar gris y frío, frente a una pantalla en la cual una linda oficial , el Capitan Goodwin (Vera Farmiga) le refresca las memorias y le da algunas explicaciones sobre su misión: su mente es mandada al cuerpo de un ocupante del tren para que pueda encontrar la bomba que va provocar el accidente, y el responsable de esta, terrorista que, además, tiene previsto soltar una aún mas potente en el centro de Chicago.

Entonces la película es la alternancia de los lapsos de ocho minutos con los lapsos de regreso al tiempo de la oficial instructora. En los ocho minutos, Stevens avanza cada vez un poco más rápido, ya que se vuelve más eficiente. Y así de quantum leap, en quantum leap (vean mas arriba Scott Bakula) , llega a encontrar el responsable y mandar la información. Al mismo tiempo se va enamorando un poco de su vecina de tren.

Total que: no explotará el tren, no explotará la bomba en Chicago, el capitán Stevens se despedirá de su padre por teléfono, y Sean Fentress y Cristina podrán pasear en el parque y tomarse un café y vivir felices.

Ya no vale la pena que vayan a ver la película.

La culpa la tiene Voltaire (Abdellatif Kechiche, 2000) – 5.5/10

Pobre Voltaire. ¿Que culpa tiene que usen su nombre para atraer al público, haciéndolo creer que va a ver una película inteligente?

Ficha IMDb

No se entiende muy bien a que viene el titulo ya que el personaje principal no tiene nada que ver con Gavroche, ni por la edad, ni por las acciones. El joven héroe de Victor Hugo que muere cantando : "Je suis tombé par terre, c’est la faute à Voltaire. Le nez dans le ruisseau, c’est la faute à Rousseau”, bajo las balas de los soldados mientras recoge municiones para los revolucionarios de las barricadas. Ni por el carisma. Se trata de un joven tunecino, Jallel (Sami Bouajila) que, para quedarse en Francia se hace pasar por refugiado político argelino. Y obtiene un permiso provisional de tres meses. Lo mandan a un refugio donde esta bastante bien recibido. Se hace unos buenos amigos. Trabaja en los pasillos del metro vendiendo frutas o periódicos a escondidas de la policía. Un día entra a un café donde oyó música árabe. Se hace amigos, se emborracha y se siente tan bien que gasta todo su dinero pagándoles de beber a todos los clientes.

Después de eso entablara una relación con una de las meseras, de origen árabe, Nassera (Aure Atika) divorciada, y con un hijo pequeño. Le pedirá casarse con ella para poder quedarse ya que el estatuto de refugiado político le ha sido negado. Ella le pide dinero y nunca sabremos si él le paga o no. ¿De todas formas como podría pagar 30 0000 francos vendiendo frutos a 10 francos el kilo? Total que el día de la boda, ella finalmente cambia de idea y lo deja plantado.

El, muy decepcionado, triste y deprimido, tiene un ataque y sus amigos lo llevan a urgencias.. De ahí lo internan durante un mes más o menos en un hospital psiquiátrico donde conoce a una joven Lucie ((Elodie Bouchez) que se prostituye por veinte francos, y ella se pega a el. Cuando sale, de regreso al refugio, se vuelve a encontrar con sus amigos, salvo el fanático de budismo, quien se fue para la India y le dejó su licencia de manejo, para que la use como identificación después de pegarle su foto. ¿De verdad, puede funcionar una falsificación tan domestica?

Vuelve al trabajo, nada más que ahora vende flores. Y Julie, que salió del hospital igual de drogada y desequilibrada lo viene a buscar, se impone, lo obliga a vivir con ella. El se resiste: tiene un cierto concepto del amor. Pero la carne es débil. Se deja y viven algo que parece una relación.

Ultima escena,vista de lejos, con una cámara escondida detrás de los árboles, para decirnos que es objetiva y casi documental : una mañana gris, él entra al metro. Llega una camioneta de policía. Entran al metro. Y todos salen juntos. Pista de aeropuerto. Avión. Lo suben, de vuelta a su país. Bajo la lluvia. La culpa la tiene Voltaire.

Todo esto nos da una película larga, (¡2h10! , bastante aburrida, sin ningún interés formal, de construcción (estructura muy fácil: la primera parte con la mujer árabe, la secunda con la mujer francesa) , de fotografía, de ritmo, de montaje. Al contrario. Los actores suenan falso. Él habla un francés demasiado correcto que no tiene nada que ver con el lenguaje de los jóvenes actuales. Se podría entender que su francés es él que se enseña en las escuelas de otros países. Pero, al poco tiempo de vivir en un país, uno se contagia de les expresiones, los modismos, el nivel de lenguaje de la gente que se frecuenta. Pero sus compañeros del refugio hablan tan bien como él.

Elodie Bouchez , en el papel de Julie , la mujer francesa, sobreactúa y al mismo tiempo se repite. En su rol de loca, drogada, perdida, hace siempre las mismas expresiones falsas. Pero la fotografía, encuadre e iluminación, parece estar interesada solamente por ella. Hasta parece que la película esta hecha para ponerla en valor.

En varias escenas, parece que el director ya no tenía nada que decir a sus actores y los dejó improvisar, nada más para que llenen algunos minutos de película. Minutos que se hacen larguísimos.

¿Y Voltaire en todo eso? Parece que la intención del director esta expresada al principio de la película por un hombre que le aconseja su estrategia a Jallel : tiene que usar el argumento de Francia país de libertades para adular a los funcionarios que se sentirán obligados a darle el permiso. Voltaire y el concepto de Francia tierra de libertades y oportunidades atraen a los extranjeros, que quieren vivir en este paraíso. La culpa sería de un engaño: no hay libertad, no hay oportunidades en Francia. Pero la película muestra al contrario alguien que encuentra una vida material cómoda: alojamiento gratuito, hospital gratuito. Su trabajo le da aparentemente con que vivir a un nivel que lo satisface. Encuentra amigos y hasta tal vez el amor. Se ve contento. Entonces Francia sí da la realización del sueño. Pagado por los ciudadanos franceses. La mentira esta en que no dura. No se lo da a todos. O no lo da en forma definitiva. Pero Voltaire y los pensadores del siglo diez y-ocho pensaban también en un estado de derecho. Donde nadie puede sacar provecho de los demás.

Secretos de mujer (Rebecca Miller, 2009) - 6.5/20

The private lifes of Pippa Lee es una comedia dramática, y a veces negra , sobre la toma de consciencia de una mujer de cincuenta, que, al preguntarse quien es exactamente, vuelve al pasado, en un tono a la vez divertido y desesperanzado. Un tema bastante común actualmente, pero servido por buenos actores y medios técnicos interesantes.

Ficha IMDb

Empieza por la vida actual: Pippa Lee ( Robin Wright) mujer bastante normal, se da cuenta a los mas o menos cincuenta años , que ella no sabe quien es ella misma. Dos acontecimientos la llevan a cuestionarse. Primero, durante una comida, perfecta, en una casa perfecta, con los platillos perfectamente preparados, un amigo hace el comentario que, despues de años de conocerla, en realidad no sabe quien es. El secundo evento es el descubrimiento cada mañana de una cocina en desorden donde alguien fue a saquear el refrigerador y dejó todo abandonado en el piso. Al poner una cámara para saber quien es el intruso, descubre que es ella misma quien se levanta de noche para ir a comer pastel de chocolate.

La esposa perfecta, en sus cincuentas, pero con muy buena apariencia, típicamente norteamericana, rubia, delgada, bien vestida sin personalidad, bien peinada, uñas barnizadas transparentes, vuelve a sus recuerdos: Suky la madre bipolar (maria Bello), la tía lesbiana Trishy (Robin Weigert) y su amiga Kat (Julian Moore, otra vez de lesbiana) que la hace posar para fotos de colegiala traviesa. Pippa cae en las drogas y el abuso de todo tipo de substancias y comportamientos, hasta que se cuela en una fiesta elegante en la casa preciosa de un editor famoso, riquisino herb Lee (Alan Harkin) . y que le lleva unos treinta años. Se casan, tienen dos hijos.

También vuelve el recuerdo de una comida con la entonces pareja del editor, Gigi Lee (Monica Belluci, escultural como siempre) que se suicida en la mesa, durante una comida a la cual Herb invitó a su joven amante, Pippa.

Al mismo tiempo que Pippa viaja a su pasado, decide cambiar su vida: toma clases de manualidades , se acerca más a su vecina Dot (Shirley Knight), y conoce al hijo de esta, Chris ( Keanu Reeves), divorciado, bastante “echado a perder” en opinión de la madre, que trabaja de noche en el supercito , porque no encuentra ningún trabajo mejor.

Después de sorprender a su esposo, en la nueva oficina que él quiso en el centro, con su mejor amiga la poetisa Sandra (Winona Rider), y de tomar todo con mucha calma y comprensión, ya que ella se siente culpable del suicidio de la ex, utiliza el pequeño botiquín de primeros auxilios para ayudar a la amante, quien trató de suicidarse, escondida en el baño durante la confrontación bastante civilizada de los esposos. Resulta una escena bastante divertida.

Al final, como en toda buena película de toma de conciencia de mujer madura, decidirá dejar a su familia para recorrer el país en compañía del joven echado a perder en su camioneta.

Trama bastante común, pero el uso de collage, de fotografías antiguas, de superposición de graffitis sobre las imágenes, el uso de una musica de época, le dan a esta historia banal una forma muy divertida, con bastante humor. Que a veces no esta sin recordar a Woody Allen. Como una voz interior de la protagonista que ve todo su pasado y su vida actual con bastante distancia e ironía pero no se atreve a decirlo.

Lluvia negra (Ridley Scott, 1989) 5.5/10

Michael Douglas y Andy García, todavía jóvenes, en el papel de policías norteamericanos un poco limitados, frente a policías y mafiosos japoneses, bastante mas maduros y listos.

Ficha IMDb

Después de hacerse robar su detenido, el temido Sato (Yûsaku Matsuda), en el avión, al momento de extraditarlo, por unos falsos policías, nuestros super agentes se empecinan en buscarlo, argumentando que mientras no lo entregan a la policía japonesa, sigue estando bajo su jurisdicción.

Esto lleva a una incursión en los servicios policíacos, desobedeciendo a ordenes, a los bares y lugares de la noche, muy oscuros. Pero donde no faltará la rubia, un poco madura estadounidense que , obviamente, le ayudará a su compatriota, ya que conoce a las personas útiles. Y guiados por el único policía de Osaka que habla inglés, Masahiro Ken Takakura , se lanzarán a la junfla nocturna japonesa...

Una escena memorable : Charlie Vincent (Andy García) jugando al torero con un motociclista que se lleva la capa, o sea el abrigo y obliga al joven a perseguirlo hasta un estacionamiento donde lo alcanzan sus amigos en moto. Ya habíamos sentido la fuerza amenazante del grupo en una escena anterior, por lo que no esperamos nada bueno. En una coreografía de muerte, lo golpearán hasta que el jefe le corte la cabeza.

A partir de este momento, la búsqueda de Sato por Nick Conklin (Michael Douglas ) se volverá una venganza personal, y ya no solamente un asunto de orgullo policiaco, o nacional.

En realidad siempre se trató de un asunto de orgullo personal para Nick : su país, su policía, su concepto del trabajo, su amigo. Enfrentamiento de modos de actuar y de sentir. A lo occidental, o a lo oriental. Quien vale más. El otro o yo. Me quitaste mi prisionero, ahora me mataste a mi amigo. Yo voy a cobrar. Frente a eso, un modo oriental, representado por Masahiro, donde lo individual toma sentido y valor por su pertenencia a un grupo y su lealtad a este. Si haces algo deshonesto, atraes la vergüenza sobre ti, tus compañeros, tus amigos, tu familia.

Pero todo esto resulta un poco superficial, los actores se quedan en una interpretación sin mucha profundidad.

Lo más interesante es el ambiente, de ciudad del fin del mundo. Donde el ruido y las luces, exteriores o interiores, son una pantalla, pera disfrazar una realidad de soledad e incomprensión.

Contagio mortal ( Régis Warnier, 2007) - 5/10

O como la peste entró a Paris en pleno siglo veinte. Pars vite et reviens tard es una película que, al jugar a imitar los thrillers estadounidenses, pierde todo encanto. Con actores tan pálidos que se les olvida. Con excepción de Michel Serrault, en su ultimo papel.

Ficha IMDb

Desgraciadamente, la película es adaptada de una excelente, extraordinaria novela policíaca de Fred Vargas. Y el director se olvidó de todo lo que esta escritora les sabe infundir a sus textos y a sus personajes, creando un mundo poetico a la vez que despiadado. Con detalles sin importancia pero que hacen de cada uno de ellos un ser a parte, viviente, y tan único como cada uno de nosotros. Que nos hace sentir que nos pequeñas manías ya no son ridículas. Y que las palabras tienen vida propia, por los juegos que hacemos con ellas, y por el sentido y las asociaciones que tienen valor único para cada uno. Todo esto además de la construcción de un suspenso perfectamente montado y jadeante .

Pero vamos a olvidar que hay una novela antes de la película de Wargnier. ¿Que es lo que él nos propone? Un personaje central , el comisario Adamsberg (José Garcia ) , que se desplaza mucho, habla bastante, reflexiona un poco. No es una maravilla de inteligencia, no tiene tampoco unas características sobresalientes en nada. Tal vez solo su fijación sobre su novia Camille, (Linh Dan Pham ) sin que entendamos muy bien de que se trata exactamente, ya que la primera escena es de puro silencio y distanciamiento. Parece que lo importante pasó antes, pero no sabemos que....

Los demás personajes son aún mas transparentes. Danglard, (Lucas Belvaux , mejor director de Rapto – 2009 que actor) ... demasiado joven para tantos hijos, no muy culto tampoco, ni muy activo. Los inspectores alrededor de ellos son totalmente intercambiables. El único que vale la pena es el señor Decambray, interpretado por Michel Serrault, quien se lleva todo el interés y la simpatía del espectador, por su interpretación

El lugar escogido para las lecturas del voceador (el personaje por la voz de quien llega el escándalo, ya que, sin saberlo, anuncia la peste que va a invadir Paris) es la plaza donde se encuentra el Centro Pompidou, centro de Paris ; es de por si un lugar de mucha actividad callejera y turística y no se presta a un drama de vecinos como lo es la historia al principio.

Por lo demás, el guión esta lleno de incoherencias: el Señor Decambray tiene un pequeño hotel clandestino: ¡nos muestran la placa en el edificio que reza : Cuartos en alquilar a precios económicos! Y Lisbeth, su ama de llaves, le pide al nuevo inquilino Joss, guardar discreción para evitarle problemas al dueño. ¡Pero, si hay un anuncio junto a la puerta!

Cuando la policía llega a la casa del culpable, autor de los textos que anuncian la peste, se llevan....la impresora! Cuando Marie (Marie Gillain), la verdadera criminal, se da cuenta que Decambray entendió que Damas (Nicolas Cazalé ), propagador de la peste y del miedo, arrestado por la policía, no mató a nadie, ella trata de estrangularlo. ¿Como tiene este alambre, si, a los demás, los mató con una inyección de curara. Por cierto, donde lo consiguió? Nunca se nos dijo que trabajaba en un hospital o algo parecido. Hablando de médicos, el forense tiembla cuando el fotógrafo hace una foto con flash. Parece que es la primera vez que hacen foto de una autopsia, y que tiene bastante poco control de sus manos. Pero que bonitos trajes: ni los de CSI los tienen.

El arqueólogo informa sobre el significado de las letras CLT, cuando nadie se lo preguntó y nunca se nos enseño sobre las puertas.esta “firma” de aviso contra la peste.

Las imágenes mezcladas que llegan a la mente de Adambsberg el soñador para explicarnos su modo de reflexionar, nos muestran en un momento una cabeza bajo el agua azul-gris. Pero al final resulta que es lo que vio el niño Damas después de que mataron a su padre. ¿Como podría Adamsberg verlo? Y como puede llegar el arqueólogo con el archivo completo sobre la peste de 1920 en los suburbios de Paris, que sacó de los archivos. A poco los archivos históricos pueden salir a pasear asi?

Parece que el guionista se quedó con partes de la novela, que ya no cuadran con el nuevo texto.

Pero sí tenemos tres persecuciones, una en auto, una en rollers, y una en las estructuras de un puente. Ducha desinfectante antivirus, un mimo, la plaza del Louvre con muchos vehículos policíacos. E intervenciones de los verdaderos periodistas televisivos franceses. También un escándalo en África, y una gran cascada para matar al padre del supuesto asesino. De ahí la venganza . De ahí el uso de las pulgas y la peste. Lógica y efectos comerciales a lo estadounidense.

Y la música, siempre la misma, lenta, sentimentaloide, repetitiva, enervante.

En resumen. No vean la película. Lean la novela. Es mucho más entretenida.

El rompecabezas (Natalia Smirnoff , 2009 ) - 8/10

Como una ocupación totalmente obsesiva y detallista llevará a una mujer a su liberación. Todo en planos cercarnos, silencios y observación de los detalles.

Ficha IMDb

La película abre sobre una comida familiar. Clásico domingo con mucha gente, muchos platillos, preparados en casa. En la cocina, una sola persona. Asistimos a la preparación con planos cercanos de las manos, de los alimentos. Vemos la decoración del pastel, hecho en casa, con dos velas para decir 50 . Se oyen voces, conversaciones animadas en la sala. Y vemos las manos de la cocina que van y vienen. Pero alguien rompe un plato. Las manos recogen los pedazos y los acomodan en una silla de la cocina, ya que no hay lugar en ninguna otra parte, pero falta una pieza. Angustiada, la mujer vuelve a la sala y se agacha, en medio de los invitados, para mirar debajo de los muebles.

Finalmente lleva el pastel para el cumpleañero y , sorpresa, ella misma sopla las velas, sin ni siquiera poner el pastel sobre la mesa. Ella es la del cumpleaños. Ella cocinó, preparó, sirvió. Y, al día siguiente, ella limpiará. Sin ayuda, sin quejarse, con una sonrisa ausente.

Pero la vida de María del Carmen (María Onetto),cambiará al descubrir, entre sus regalos, un rompecabezas que representa a Nefertiti. Y, del closet de los juguetes abandonados (los dos hijos son ahora adultos) a la tienda en la ciudad, del café Internet a una hermosa casa antigua con escalera de hierro forjado y vitrales, seguirá sin vacilar la pista de los obsesionados de rompecabezas. Hasta el campeonato, ganado, que le da un viaje a Alemania. No hará el viaje, conservará el boleto. No necesitará irse porque su vida ya es otra. Hizo un viaje dentro de si misma, se dio cuenta que posee una capacidad superior a los demás, aunque no ortodoxa para resolver rompecabezas, descubrió los placeres del te, se sintió hermosa, bien vestida, peinada y con uñas pintadas. Hasta se sintió deseada y se dejó llevar. Una vez nada más.

Ahora, apoyada sobre esta nueva fuerza interna, sabe pedir su espacio en la casa (en el trastero del patio) para sus cosas, en la familia (ella va a hacer los trámites para vender un terreno familiar a la orilla del lago) .

La última imagen es maravillosa de plenitud y sencillez: sentada en la hierba junto a una canasta de picnic.

Filmada en planos cercanos, sobre la boca, los ojos, las manos, como pedazos del rompecabezas que és esta mujer sensible, inteligente, y sencilla. Con pocas palabras, con mucha soledad. Algunas escenas divertidas y tiernas como la velada familiar viendo televisión, padre, hijo y ella con los pies en una cubeta. Lanza una mirada bajo el sofá, donde esta el rompecabezas que esta realizando y, de felicidad, hace olas con los pies en la cubeta.

Un viaje interior en la sensibilidad, tranquila. Una conquista pacifica, sin grandes rebeldías ni gritos, de la libertad personal.

Copia fiel (Abbas Kiarostami , 20110) - 7.5/20

Un ejercicio entre real e imaginario. Autentico y recreado. Con una gran actuación de Juliette Binoche.(premio de interpretación femenina en Cannes)

Ver ficha IMDb

El tema del valor de la originalidad en relación a lo que se copia. Los criterios son: la forma, el material...En la antigüedad, los romanos mandaban hacer copias de las esculturas egipcias. En el renacimiento se mandaban hacer copias de las obras antiguas. Y más fiel, mejor. El talento original de artista no contaba. Al contrario, tenía que ser lo mas fiel posible a lo que copiaba. De hacho se inventaron dispositivos para que los pintores pudieran copiar a la realidad: Vermeer usaba la cámara oscura, ... Después varios corrientes de la pintura quisieron hacer unas obras fotográficas....
El concepto de originalidad, diferencia del artista, de personalidad, es una idea muy moderna.

Todo esto es más o menos la idea defendida por el ensayista ingles James Miller (interpretado por el barítono William Shimell) en el libro que va a presentar a Florencia, capital del arte. Y de la copia. Basta con ver el numero de Davids , copiados de Michel Ange , que se pueden ver en todas partes.

Como en un cuento, la película separa el mundo real del mundo de fantasía. En Florencia, la realidad, con el trabajo para el la conferencia, para ella, en la tienda de antigüedades, con el hijo caprichoso y al que se tiene que alimentar. En el pueblo, se abre, como en el hoyo de Alicia, un espacio donde palabras, actos, encuentros y relaciones obedecen a una lógica diferente. Una lógica que se va estableciendo y cambiando a cada momento. Donde todo parece tener un doble, como en un salón de espejos, donde no se sabe muy bien cual es el original y cual es el reflejo.

Así la pareja que conforman en el café se parece a una pareja casada desde hace mucho. Lo que provoca el error de la dueña del lugar, y la platica entre ella y Ella …............ empieza y continua sobre dos pistas. La mujer habla del esposo actual, pensando que es el inglés, ella (no tiene nombre) habla de su esposo real que no esta. Y la plática puede seguir con total coherencia.

En el museo, (donde se exhibe una famosa pintura que se creyó durante mucho tiempo era una autentica pintura de la antigüedad, pero en realidad data del renacimiento), la mujer le comenta a una pareja que esta aquí para su aniversario de bodas. !5 años, puede ser para animarlos y una forma de felicitarlos por la decisión que han tomado. ¿Mentira piadosa? ¿Verdad? ¿Invento lúdico?

Pero la escena más significativa es la de la fuente. Ella quiere provocar su juicio sobre la escultura que la adorna. Hermosa o fea, original o banal? Como el no quiere contestar, ella lo obliga. Entonces, el elude y se aleja. El espectador no ve la escultura y no puede opinar. El debate queda totalmente abstracto. Entones el hombre va a admirar una motocicleta delante de la entrada de una tienda. Atrás de ella, un gran espejo. Es cuando vemos el reflejo de la escultura que se refleja también en el espejo retrovisor de la moto, en chiquito.
Mientras, ella fue a preguntar su opinión a una pareja de turistas. Vuelve triunfante hacia el hombre. Lo arrastra a escuchar las ideas interesantes de la mujer. Pero esta solamente profiere banalidades. Entones la mujer insiste para que repita lo que ha dicho entes. Pero la mujer le objeta que fue ella lo que lo dijo. Entones interviene el hombre d ella pareja francesa. Resulta que quien interesa este papel es nada más ni nada menos que Jean Claude Carrière, el guionista. Famoso por las adaptaciones de novelas que ha hecho para cine y televisión. Valmont, (Milos Forman, 1989), Bouvard y Pecuchet. También escribió una novela La controverse de Valladolid, y la adaptación para la misma. Quien mejor que él para este juego entre original y copia. El guión adaptado es obra original? ¿Es copia? Es fiel?

En el restaurante, pelea matrimonial cuando ella le reprocha a su compañero todas sus faltas de atención, sus olvidos. Y él no lo niega. Después ella se va a maquillar , demasiado, y ponerse guapa en un intento de reconquistarlo, hacer nacer otra vez lo que fue el amor de antes. O de seguir el guión de una escena de seducción.


El caminar de la pareja se interrumpido por encuentros un poco surrealistas. Las bodas que se van a fotografiar, y que se vuelven a ver en el restaurante a traves de las ventanas. Como en una película de Fellini. O el absurdo discurso contra la costumbre de probar el vino en un restaurante.

Finalmente ella lo jala hacia el hotel donde pasaron su luna de miel. Supuestamente. Y él, simplemente le dice que no recuerda, que siempre lo olvida todo.

Será que ella inventa, porque lo quiere seducir, una telaraña, y el se deja llevar por su locura. ¿Será que es cierto, y fueron casados ? ¿ Será que son una pareja jugando un extraño juego para salir del tedio? ¿Verdadera pareja cansada, o nueva pareja que se va formando copiando a un viejo modelo? Y copiar parece que va a dar resultado, ya que el hombre se queda, y no vuelve a Florencia para tomar su tren.

El juego entre los idiomas, ingles, francés, italiano, que los dos manejan sin dificultad. Aunque él no deja ver al principio que también habla francés, obligándola al esfuerzo de expresarse en el idioma del que parece ser el huésped, el invitado, el extraño. Del momento que él habla francés, parece denunciar que nos mintió, y darnos a entender no es tan extranjero a la mujer.

Juliette Binoche es magnifica, haciendo sentir toda la frustración, el dolor profundo, y la desesperación por remendar lo que se va deshaciendo. En tomas largas, que nos hacen respirar a su ritmo.

Un juego como L'Année dernière à Marienbad (Alain Resnais, 1961) donde pasado y presente se dan la manoentretejiendo una telaraña para enredar a personajes y espectadores . Y todos se van a quedar atrapados en el pueblo mágico, en la caja de espejos, en el mundo sin tiempo.

El salario del miedo (Georges Clouzot, 1954 ) - 9/10

Le salaire de la peur es una película de acción y suspenso a la antigua, en blanco y negro, sin efectos especiales, cuya eficacia descansa sobre los actores y la fotografía. ¡Y vaya eficacia!

Ver fiche IMDb

Clouzot se toma el tiempo de utilizar un cuarto de su película antes de empezar con la travesía en que consiste el tema principal. Muestra el lugar, ciudad pequeña caída en la pobreza, en algún país que se parece a Guatemala, abandonada, abrumada por el sol (la terraza del único café, el Corsario Negro,con las rayas de la sombra de las persianas.) , muestra los habitantes, pobres tipos varados ahí en búsqueda de algún empleo, y que se pasan el tiempo sin hacer nada, tomando o jugando cartas, bebiéndose el dinero que no tienen. Muestra el café, lugar de todos los encuentros, de todas las amistades y peleas, de todos los amores. Y la mesera, Linda (Vera Clouzot, esposa brasileña del director). Con contadas tomas, nos hace ver su belleza, su sensualidad, su fragilidad y su relación con Mario (Yves Montand). Mujer sumisa, trapeando el piso, se acerca y acaricia su mano, como un perro que lamería la mano de su amo. Un amo joven, seductor ,que enseña pecho y músculos bajo su playera sin mangas.Y, a ese mundo sin esperanzas, llega Jo (Charles Vanel), elegante traje blanco, sombrero, arrogancia.

Una vez ubicados los personajes, Clouzot muestra las perturbaciones provocadas por este extraño hombre. Se incrusta en la vida de Mario, se vuelve en unas horas el personaje más importante de su vida. Siempre entre él y los que antes llenaban su vida: Luigi (Folco Lully), el albañil italiano con quien comparte un departamento, quien lava, cocina, cose, limpia. Linda quien había mandado hacer un vestido precioso para ir a bailar. Actitudes y diálogos hacen palpable la homosexualidad latente en las amistades masculinas.”Los tipos como nosotros no están hechos para las chicas.”

Una escena de noche en el Corsario Negro pone en claro el papel dominante que Jo quiere jugar. Luigi paga la ronda de Whisky, Jo responde con champagne. Luigi baila un ritmo tropical con Linda, Jo desenchufa el radio. Todos siguen cantando, palmeando, y golpeando el ritmo en las mesas. Jo hace saltar el corcho de la champaña. Planos cercanos a las caras donde se empieza a ver el miedo.

Cuando finalmente estalla la noticia de la explosión del pozo petrolero, los dos amigos están seleccionados para manejar uno de los camiones con la carga de nitroglicerina. Luigi irá en el otro con Bimber el alemán (Peter Van Eyck).

Magnifica secuencia la de la salida del camión en la noche, atravesando la ciudad, lentamente, pesadamente, totalmente iluminado. El monstruo esta en marcha. Cuando Linda se cuelga de la puerta para detener a Mario, éste esta literalmente dividido entre el hombre que lo domina (y que maneja) y la mujer que lo suplica. Juegos de miradas, y finalmente, la portezuela abierta con violencia para que Linda se caiga al suelo.

Y la jornada infernal empieza. Poco a poco, la cobardía del “fuerte” se hará más evidente. Y Mario tomará las iniciativas. De obstaculo en obstáculo, se tornará audaz, astuto, experto, fuerte física y moralmente, frente a un compañero que se va achicando . La relación de poder se invierte. Mario es el amo, Jo el sumiso. Jean Gabin, a quien le habían propuesto el papel, no lo aceptó por ser él de un cobarde, lo que consideraba malo para su imagen. Es cierto que es un personaje despreciable, odioso, pero Charles Vanel lo interpreta con tanta naturalidad que dan ganas de pegarle o abandonarlo a la orilla de la carretera. Porque Clouzot nos pone en la punta del asiento y, aunque sabemos el final, estamos pendientes de todo, de cada imagen, con ganas de poner manos al trabajo, de empujar, jalar, levantar el camión, de empujar al cobarde, o de plano eliminarlo.

Los obstáculos son los que Georges Arnaud había dispuesto en su novela. Menos la escala en el pueblo cuyo cura trata de desviar los camiones hacia un camino en mal estado, para que no pasen por su pueblo arriesgando una explosión. Y menos la alucinación erótica vivida por el joven conductor, exhausto, en los últimos kilómetros. Este episodio, mental más que hazaña física es substituido por la pregunta angustianda de Jo muriendo, quien quiere saber “que hay atrás de la cerca” de su niñez. La respuesta de Mario es: Nada. Símbolo del vacío después de la muerte, del vacío de sus vidas, y del fracaso final de todos, en resumen: lo absurdo de todo.

Clouzot desarrolla una escena relativamente corta del libro, el viraje sobre une plataforma, anunciando así el riesgo de caerse en el vacío, que constituirá la escena final. Agrega un episodio donde los conductores usan unas gotas de nitro por volar una roca que impide el paso. Le permite instalar un suspenso donde los hombres están entre dos peligros: la pequeña bomba que han instalado y los camiones, atrás, que podrían recibir piedras y, por consecuencia, explotar también. La solidaridad entre Marco, Luigi y Bimber, le permiten también excluir al malo, Jo : en una escena pensada para aligerar la tensión, aliviados, los tres van a orinar juntos ; Jo tiene que hacerlo por su lado. También permite acercarnos más al personaje de Luigi, el más humano de todos, a quien Clouzot le da mucho más peso que en la novela. Y, establecido claramente que Jo ya no es elemento deseable en la travesía, Mario arranca sin esperarlo y Jo tiene que correr junto al camión para que su compañero lo deje subir, en una situación paralela a la del principio. Primero, él eliminó a Linda. Ahora él es el eliminado.

Sigue un tramo en calma. Tiempo de fumarse un cigarro. Jo esta preparandolo, enrollando el tabaco en la hoja de papel…Mario acerca el encendedor…. Un ligero soplo…. El tabaco vuela…, el encendedor se apaga. Sucesión de planos cerrados. Es, talvez, uno de los momentos más impresionantes. Como, con tal economía de medios, se puede dar a entender tanto.

Las dos grandes, y largas, escenas de suspenso nos han preparado para la última, la más fuerte: el atasco del camión en el charco de petróleo provocado por la explosión . Esto no se cuenta. Hay que verlo.

El lirismo carretero de Georges Arnaud es reemplazado por un uso magistral de la imagen, encuadre y montaje. Por ejemplo, en la secuencia final, cuando Mario vuelve, solo, a la ciudad con su cheque (doble por la parte de Jo muerto) en el bolsillo. Linda ya se enteró por teléfono que esta vivo y camino de regreso. Enciende la radio, es un vals. Baila. En alternancia, Mario pone la radio en el camión. Misma musica, y baila con su camión, yendo de un lado al otro sobre la carretera. Linda, baila hasta desplomarse. Mario y el camión bailan hasta … caerse al vacío. No hay nada después de la cerca. No hay nada después de la victoria. Todo ha sido en vano.

La mujer que vino del mar (Neil Jordan, 2009) 6.5/10

Ondine es una bonita película, con buenos actores, en magníficos paisajes. Pero el ambiente fantástico que se había logrado al principio desaparece completamente con una explicación demasiado realista y contemporánea.

Ficha IMDb

En Castletownbere, un pueblo en la costa sur-oeste de Irlanda, Syracuse (Colin Farrell), un pescador de la zona, en una de sus salidas al mar captura en su red a una misteriosa mujer (Alicja Bachleda), quien quiere con extraña exigencia no ser vista de nadie. Se hace llamar “Ondine”, lo que según ella significa: mujer salida del mar.

Para ayudarla y sin entender muy bien, Syracuse la lleva a vivir la antigua casa de su madre.Él iene que atender a su hija Annie, quien sufre de deficiencia renal y está a la espera de un transplante. Como es muy débil tiene que desplazarse en silla de ruedas. Lo que nos dos la secunda parte del mito: la mujer sin piernas.

Durante la sesión de diálisis del mismo día, Syracuse le relata a su hija, bajo la forma de un cuento, su extraña aventura. A partir de ahí, los tres personajes van a vivir la llagada de la extraña mujer como un cuento, y van todos a avanzar en un mundo entre real y mágico . Siendo los tres solitarios, y sin recibir mucho afecto, tienen más tendencia a las explicaciones mágicas: se trata tal vez de una “selkie” , perseguida por su esposo y que puede quedar siete años en tierra si se enamora de un humano. Tiene que esconder su piel para después encontrarla para volver son los suyos. Y puede realizar los deseos de los humanos.

Y la realidad da la razon a las creencias: las redes de Syracuse se llenan de peces cuando ella lo acompaña a canta en una lengua desconocida. Parece que los peces responden a su llamada. Y la pequeña recibirá el transplante esperado cuando el compañero de su madre morirá en una accidente en que las deja, su madre y ella , ilesas. Y la madre aceptará dejar a la niña al cuidado del padre que se quedado sobrio durante más de dos años.

Desgraciadamente, el final de la película nos vuelve a meter a una realidad trivial: un cantante de Europa central visto en televisión pone a Syracuse sobre la pista de la verdad. Nada má sque una sórdida historia de droga. Ondine es una mula, obligada a sumirse en el agua con el cargamento de droga, y el esposo misterioso que al perseguía es el dueño. Acabará en prisión, y para no ser deportada, la única solución es casarse….. Todo acabará por una boda discreta, con la niña caminando.

Mucha belleza y melancolía en su fotografía y sensibilidad en cada encuadre, una vida apacible y tranquila en el pueblo, con el mar, los barcos, los árboles, y la vieja casa. El fotografo es Christopher Doyle (le chef-opérateur de Wong Kar-Wai).


Mucho humor, en los diálogos, de Syacuse con su hija o en las escenas de Alcohólicos Anónimos con el sacerdote en el confesionario.

Colin Farrell es bastante bueno en su papel de padre tierno y preocupado, pescador solitario, y enamorado torpe. Pero la que se lleva todo es Alison Barry, una niña radiante, inteligente, sensible.

Las afinidades electivas ( Paolo y Vittorio Taviani , 1996 ) – 6/10

Una agradable adaptación de una novela de Goethe. Delicada y sensible. Sin proezas técnicas.

Ver ficha IMDb

Los hermanos Taviani son unos cineastas italianos con un estilo muy sobrio. No usan grandes efectos técnicos pero tienen una gran claridad en la forma de narrar. Valoran la expresión de los sentimientos y el ambiente, con un gran respecto de los textos que trabajan. Han hecho varias adaptaciones de novelas que se desarrollan en Italia durante la época napoleónica, en particular de La San Felice de Alexandre Dumas.

El concepto de “Afinidades particulares” es una hipótesis química que, siguiendo los trabajos d’Etienne Francois Geoffrey en 1718, fue dominante en el siglo XVIII ; se creía que , si dos parejas de substancias químicas entraban en contacto , se hacía un intercambio entre ellas, produciendo dos nuevas parejas . La historia contada por Goethe es la transposición a las relaciones humanas de esta afinidad química.

La pareja, muy feliz pero formada un poco tardíamente de Carlota (Isabelle Huppert ) y Eduardo (Jean-Hughes Anglade) vive en su amplia pero sencilla casa de campo en Toscana. Reciben la visita del mejor amigo de Eduardo, el arquitecto Ottone. Por coincidencia, esto es también el secundo nombre de Eduardo. Primer indicio para darnos a entender las misteriosas correspondencias entre les seres humanos. Poco después, Carlota invita a su ahijada Ottilia (Marie Gillain) , una joven que sigue estudiando. Poco a poco, las actividades empiezan a reunirlos en grupos de dos: Carlota se siente atraída por Ottone, Eduardo por Ottilia.

Cuando una pareja de amigos aristócratas viene a pasar unos días, exponen ideas muy modernas sobre el matrimonio y el concepto que debería ser un contrato de cinco años renovables. Como no están casados, y para no darle mal ejemplo a la casta Otillia, Carlota decide alojar las tres mujeres en un ala de la casa, los tres hombres en la otra. Pero el invitado quiere pasar la noche con su pareja, y Eduardo sigue su ejemplo. De una noche apasionada, Carlota quedará embarazada. Pero, mientras tanto, Eduardo se ha dado cuenta que Otillia lo quiere.

Separación de Carlota y Eduardo quien se va a la guerra. Otilia se queda con su amiga, y cada uno se pasa el tiempo pensando en el /la que ama.

Y ahí viene lo extraño: el bebe que nace, y al que Carlota llama Ottone, segundo nombre de su esposo, para no confundirlo con el papa (pero ya sabemos que es también el nombre del amigo) tiene el pelo rojo de Ottone el arquitecto. Y el lunar de Ottilia. Es la aplicación viviente de la ley de las afinidades electivas : en la noche de amor, cada uno estaba pensando en otra pareja. Y fue como si estas se unieran.

Esto nos muestra un de las características del romanticismo: los sentimientos y el aspecto mental son más importantes que lo físico. Una comunión fuerte entre dos personas tiene consecuencias físicas. De ahí el florecimiento del lo fantástico: Maupassant, Wilde.

La historia terminará (lentamente, es uno de sus defectos) por el regreso de Eduardo a la casa, el día que Ottilia, queriendo llevar el niño mas rápido a la casa para alimentarlo, decide atravesar el lago en bote, y deja caer el pequeño Ottone al agua. Eduardo y Carlota vuelven a vivir juntos y Eduardo suplica a Ottilia quedarse con ellos. Pero ella, se deja morir, dándole sus alimentos a una joven sirvienta.

A su muerte, seguida de poco por la de Eduardo, probablemente ahogado, Carlota los hará sepultar juntos en la capilla de la propiedad.

Todos los aspectos del amor según el romanticismo están presentes: un amor contra el cual es imposible luchar. El extraño parecido entre los que han nacido para estar juntos: Eduardo tiene dolores de cabeza del lado derecho, Ottilia del lado izquierdo. Tienen la misma escritura.

El espacio también es el espacio concebido según la estética romántica. un campo amplio, con un lago para los paseos , pero que puede ser lugar de nostalgia, de muerte .( veas eel poema de Lamartine Le lac ) . Una naturaleza como la de Rousseau. Una vida apacible como la de La nouvelle Héloise. En apariencia, porque los sentimientos no son nada apacible,s a pesar de una dignidad y reserva que los Hermanos Taviani imponen con toda razón a sus actores. Reserva que le queda muy bien a Isabelle Huppert pero sorprende más en Jean-Hugues Anglade , usualmente mucho más extravertido.

Otro aspecto del siglo de las Luces que se ve en esta historia es el interés de la gente educada por las mejores en la administración de sus tierras, con uso de diferentes tecnologías: selección de los plantíos, irrigación. Todo por el bien de la gente que trabaja s a su servicio.

Finalmente, una película que puede darnos testimonio de la forma de pensar y sentir en esta época que fue a la vez la culminación de las Luces y el principio del romanticismo.

Temporada de patos ( Fernando Eimbcke, 2004) 4/10

Esta película quiere ser independiente, audaz y diferente. Pero alcanza solamente ser lenta y aburrida a pesar de una bonita fotografía en blanco y negro.

Ficha IMDb

Un domingo, de 11 a 8 , en un departamento de Tlatelolco, dos preadolescentes solos en su casa con juegos videos y el dinero para pizza y cocas. Un primer apagón interrumpiendo el juego video, los lleva a pedir la pizza. El repartidor, obligado de subir muchos pisos a pie, llega 5 minutos tarde. De ahí el conflicto : los chicos no quieren pagar. De ahí, cuando vuelve la luz, un juego video para decidir quien se queda con la pizza y el dinero. Pero, otro apagón. Mientras tanto, la vecina, un poco mayor, sola en el día de su cumpleaños, llega para usar el horno. Su pastel se quema. Prepara otro, obligando el menor de los chicos a ayudarla . En paralelo el repartidor, después de una pelea, se reconcilia con el mayor y le cuenta su vida fallida. El pastel resulta lleno de marihuana, lo que saca los cuatro de su apatía, revelándoles las sensaciones auditivas, olfativas, sensoriales, etc. ..y el entusiasmo por la vida. Acompañados de musica. Porque el resto de la película no tiene musica.

Por lo demás, una fotografía muy cuidada en blanco y negro. Tomas fijas largas de frente, de lado, de arriba. Como en un ejercicio de escuela. Unas frases y escenas sobre las inquietudes de los adolescentes: relaciones, besos, divorcio, obligaciones de los adultos. Todo esto se vuelve eterno y no lleva a nada.

La película termina porque es de noche, el repartidor se va, lleva sobre su motocicleta la famosa pintura de patos que los padres se peleaban.

Los actores no expresan nada, debido a su inexperiencia y a la falta de dirección. En realidad, si´ expresan un profundo aburrimiento. Contagioso.

Asi pasa cuando sucede (Woody Allen, 2009) 7/10

Una comedia divertida, donde Woody Allen parece volver a sus principios, para trabajar solo en el aspecto cómico. Pero este deja ver una gran sabiduría y aceptación serena de lo que la vida nos puede dar. Y como dice el titulo, Whatever Works, lo que sea que funcione, vale la pena aceptarlo.

Ficha IMDb

El personaje central es un hombre retirado, Boris Yelinikoff (Larry Davis), dotado de gran inteligencia y cultura, pero con un carácter tal que vuelve odiosas la inteligencia y la cultura Pasa sus días entre sus viejos amigos a quienes les repite sin cesar sus frustraciones y sus quejas sobre absolutamente todo, y los niños a quien les enseña ajedrez por el método del insulto. Vive en un departamento viejo, desordenado, hasta sucio. Quedó mal de una pierna, después de un suicidio fallido, y se protege contra lel miedo (de todo : soledad, enfermedades varias, inventadas y por inventar) con mañias, obsesiones, repeticiones de formulas mágicas y demás . Cuando llega a su vida una joven sureña, Melodie Saint Ann Celestine, tan bonita como tonta , tiene un público perfecto: ella le cree todo, toma todo al pie de la letra, y nunca pierde su magnifico optimismo ni su sonrisa.

La película es una serie de momentos comiquísimos, de frases, de situaciones. La madre de la joven, llega a su búsqueda. Y encontrará el sentido de su vida : de esposa abnegada y abandonada, se volverá artista exitosa, y vivirá el amor en en un “menage à trois” fabuloso. Después de ella llegará el padre, en búsqueda del perdón, y encontrará su verdadera sexualidad. Melodie se irá en los brazos de un joven normal. Y Boris fallará en su segundo intento de suicidio, cayéndose por la ventana sobre la mujer de su vida, una vidente, que pasaba en la banqueta.

Una historia totalmente loca, divertidísima. Con unos guiños a los espactadores a quien Boris invita, al principio y el final, a ser, no solamente testigos sino también participes de la escena.

Y la moraleja, sonriente y resignada, dulce y amarga, se nos queda: tomemos lo que la vida nos de y nos proponga y que nos pueda dar momentos de alegría, pequeña o grande , o que nos saque por un momento de nuestras penas : la amistad, una buena comida, un buen libro, un paseo, una platica. Una buena película. Lo que nos funcione.

El título de la película habla por sí mismo, pero en la historia sugiere una actitud sin prejuicios hacia las distintas elecciones que la gente toma para buscar la felicidad. “El vivir la vida es una lucha dura y lo que funcione, que no hiera a nadie, está bien”, consideró el cineasta.

El libro de los secretos (Hughes, 2010) 6.5/10

La historia en si y el tema general no son en verdad muy originales. Pero la calidad de las imágenes es extraordinaria.

Ficha IMDb

The book of Eli, juega sobre dos sentidos. Se trata del libro que transporta Eli (Denzel Washington) de un lado a otro de lo que fue los Estados Unidos, en un caminar que le lleva más de treinta años. De este a oeste, como siempre. Pero también es la alusión a los diferentes libros que constituyen la Biblia, como el libro de Ruth, el de Esther, el de Job, etc. Y ciertamente , el espectador estadounidense supo de inmediato cual era el libro misterioso del que se habla sin enseñarlo. Una vez más, mala elección del titulo en español.

En un mundo post-apoliptico, un hombre camina. Ya no hay plantas, árboles . Pocos animales. Ya no hay agua. Ya no hay jabón ni shampoo y la gente huele mal. Hay que protegerse del sol. Y defenderse de las pandillas. Y sobre todo desconfiar de los que tienen manos temblorosas. Ya no hay dinero, se paga por trueque. La civilización ha desaparecido.

Eli llega por fin a un pueblo donde reina un déspota, Carnegie (Gary Oldman) quién manda a sus hombres por libros. Ninguno de los que le traen es “el” libro que busca, él que le dará legitimidad y poder sobre todos. Sintiendo que el recién llegado podría serle útil, le propone quedarse a su desvivió y le ofrece como regalo de bienvenida a la joven Solara (Mila Kumis), hija de su propia compañera ciega, Claudia. Jennifer Beals Solara queda fascinada por las palabras y los modales de Eli : habla de bondad y reza antes de la comida. Pero tambien sabe usar con suma destreza todas las armas , arco y flecha, machete, pistola.

Cuando Eli se va, ella lo sigue y encuentran una vieja casa donde vive una pareja de ancianos, de manos temblorosas, casa llena de reliquias de antes del fin del mundo: discos, muebles, tetera, conversación filosófica……. Pero será totalmente aniquilada por los hombres de Carnegie. que recuperaran el libro. Pero es una versión Braile, y solo la madre d e Solara puede descifrarlo. Lo que se niega a hacer. Y Carnegie no tiene nada.

Eli y Solara siguen su camino hasta llegar a la costa. Y después de contemplar el Golden Gate Bridge en pedazos, reman hasta Alcatraz, que se ha convertido en el lugar de conservación de la cultura, las artes, la literatura. Ahí Eli podrá dictar el libro, que será impreso por medio de una vieja imprenta. Cumplida su misión, se muere, y Solara vuelve a casa por su madre.

En resumen, una historia bien sencilla, con muchas reminiscencias. Desde Fahrenheit 451 de Bradbury sociedad donde los libros están prohibidos, y algunos locos viven a la orilla del bosque, en una sociedad paralela donde cada uno se pasa los días repitiendo el libro que sabe de memoria. Hasta The road (John Hillcoat-2009) donde un hombre y su hijo caminan hasta el mar, sorteando obstáculos y encuentros. En particular una casa, en el sótano de la cual están encadenados los seres humanos que servirán de comida a los habitantes. Las manos temblorosas de los ancianos del Libro de Eli son señal de que comen carne humana….Reminiscencias del western con el pueblo medio abandonado, su saloon, su tienda que vende de todo y el viejo tendedero que sabe reparar todo tipo de aparatos.

Pero lo que rebasa a muchas películas es la calidad de la fotografía de Don Burges . Espacios muy abiertos, vacíos. Pedazos de carreteras, de puentes que no llevan a ninguna parte. Motos, lentes de sol. Reflejos de luz. A veces parece blanco y negro, a veces parece negativo de fotografía. A veces parece ser uno de esos comics muy agresivos, brillantes, como glaseados. Grises, cafés, azules, La cámara se desplaza muy lenta hasta los momentos de combate en que de repente se aloca. Combate en el saloon : la cámara se mueve en círculos ; combate en la calle (como los duelos de los viejos westerns) : la cámara desplaza en líneas rectas. Ataque a la vieja casa. zooms y travellings para seguir las balas y todo tipo de proyectiles de un campo a otro.

Y cuando Eli y Solara se van acercando al mar, la imagen empieza a colorearse, primero en tonos de cobre, de oxido para después llenarse de vida y parecerse más a la naturaleza.

En resumen, una película cuyo contenido no tiene nada muy nuevo, pero cuya realización estética es digna de admiración.