Spoiler Alert

Mas que una invitación a ver, o no ver, una cinta, buscamos entablar un dialogo que enriquezca la experiencia cinematográfica. Asumimos que quienes lean un artículo han visto ya la cinta: no podemos discutir sin revelar el final. Si la película te interesa pero no la has visto, mejor para ti, y para todos, que regreses después de verla. Así la discusión es más a gusto.

Saturday, November 27, 2010

Harry Potter & the Deadly Hallows – I (David Yates, 2010) – 4.5/10

Un recordatorio de lo tristemente aburrida que es la primera mitad del último capítulo en la épica saga del maguito amigo de todos los niños. Quizá el más insípido de los directores encargados de llevar a la pantalla las aventuras de Harry Potter logra una cinta que tiene poco a su favor, salvo el universo en el que sucede.

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Después de la muerte de Dumbledor (Michael Gambon); Harry (Daniel Radcliffe) se siente solo en su lucha contra Voldemort (Ralph Fiennes). Pero sus amigos Hermione (Emma Watson) y Ron (Rupert Grint) están allí para ayudarle a resolver el misterio para vencer a Voldemort. Para cuando la película acaba, pocas cosas han sido resueltas.

Desde su salida, se critico mucho esta entrega cinematográfica por ser “demasiado oscura” y por sumir a los personajes en la desesperanza. No es realmente ese el problema que veo yo; más bien el problema es que no pasa nada. Es un problema que hereda del libro. Aunque este otro tenía la ventaja de poder describir a detalle el estado mental de los personajes. Ese viaje por sus conflictos internos daba al menos algo de interés a las páginas antes de que la acción estallara; eso no existe en la adaptación cinematográfica.

Inclusive las secuencias de acción que en el libro se sienten épicas son tratadas de manera poco impresionante, en particular la secuencia en la que la Orden del Fénix saca a Harry del hogar de sus tíos. La música no tiene un particular efecto tampoco, y por primera vez la dirección de arte no se siente como un elemento más en la reconstrucción del mundo fantástico, sino algo más que simplemente cumple.

En general, parece que, puesto que el éxito de la cinta está garantizado, no hay realmente un esfuerzo por hacer nada espectacular; sino solamente adaptar bien que mal lo esencial para que la historia siga adelante. Aunque sin duda tendré que ver la segunda parte; esta entrega tiene poco merito.

The Mist (Frank Darabont, 2007) – 5/10

Basada en uno de esos cuentos del señor Stephen King que lo hacen a uno sentirse harto incomodo e intrigado a la vez, The Mist, en general, tiene poco que la haga destacar, salvo algunos momentos de tensión entre los personajes…pero el final, el final es uno de esos finales que provoca reacciones, uno de esos finales que lo deja a uno harto incomodo e intrigado a la vez…como debe ser.

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Un pequeño poblado es azotado por una fuerte tormenta; al día siguiente una misteriosa niebla se esparce cubriendo a extrañas y mortales creaturas. Un grupo de pobladores se refugia en el supermercado, donde la tensión ante las circunstancias los llevara al límite.

Generalmente con Stephen King las historias son excelentes hasta que aparece el mostro. Es decir, la tensión que logra generar, las situaciones en las cuales coloca a sus personajes son intrigantes y las reacciones se sienten honestas. El drama psicológico es de mucha calidad. Tristemente, la mayoría de las veces es necesario un “algo” sobre natural, que casi siempre es un mostro y eso sobre simplifica las situaciones. Lo mismo pasa con The Mist, pero aun después de la aparición de las creaturas, la tensión continua y el drama humano se acentúa; haciendo la historia muy disfrutable.

La historia conserva los roles habituales en las historias de Stephen King, el padre con su hijo, la dulce y a la vez racional mujer, la (o el) ciudadana madura que es sorprendentemente resistente, el joven (demasiado) intrépido, y por supuesto los escépticos, que acaban muertos tarde o temprano. Esta historia tiene también a la fanática religiosa (Marcia Gay Harden) que es una villana de mayor categoría que los mostros. La tensión que genera dada su postura en tiempos de crisis y su carisma personal da lugar a las más interesantes escenas en la película; sin duda hace que las creaturas rosas sean soportables. Esto no es decir que las secuencias de acción y suspenso en sí mismas no son suficientes para tenerlo a uno pegado a la pantalla, pero eso no es nada nuevo.

El final, por otro lado, es impresionante. Llega el momento en el que uno se pregunta cómo demonios se va a solucionar esto, que deus-ex-machina será utilizado para arreglar la situación. Sorprendentemente el final es inesperado, es ciertamente consecuente y honesto con el resto de la historia; al menos la decisión del padre. Lo de después, eso es lo de verdad sorprendente, es también increíblemente cruel. Sin duda uno de los finales más pasados de lanza con los personajes. Hizo que toda la película valiera la pena.

Waiting... (Rob McKittrick, 2005) – 3.5/10

Por si la cinta, los personajes, y las situaciones no fuesen evidencia suficiente, el director al final agradece a Kevin Smith por su cinta Clerks, sin la cual Waiting... no hubiese sido posible. Al menos no hay la pretensión de ocultar la realidad: Waiting… es una triste copia de Clerks.

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Dean (Justin Long) es uno de los meseros en Shenaniganz un bonito restaurante en alguna ciudad americana. El y sus compañeros de trabajo son felices haciendo su trabajo y jugando un divertido juego que consiste en hacer que otro compañero vea sus genitales. Sana diversión. Pero, como debe ser, Dean tiene un día una crisis y se pregunta si está desperdiciando su vida; sino podría ser más…. El líder de la pandilla, Monty (Ryan Reynolds) está convencido de que esta es la vida y los demás de la tropa están todos lidiando con sus problemas…inclusive hay un par de muchachos drogadictos que están ahí solo para hacernos reír. Así es, como Clerks (K. Smith, 1994)…

La transición de la niñez a la vida del adulto me parece un tema valido que ciertamente tiene profunda resonancia en mi interior. Dicho eso, todo tema puede ser tratado de manera honesta o no, de manera original o no, un mismo tema puede ser explorado de muchas maneras sin por eso dejar de ser relevante. Esa es la función de cualquier medio creativo. Waiting… no es original, ni particularmente honesto, ni realmente interesante.

Si bien el conflicto de Dean es interesante, sonaba mas autentico viniendo de Dante en Clerks, y si bien Monty parece ser un cretino mas allá del nivel de Randal, también es muchísimo más unidimensional. Además de uno que otro chiste gracioso, el personaje de Bishop (Chi McBride), encarnando la calma y la sabiduría de la experiencia, es tal vez lo único interesante. Tristemente cae también en un par de sobre simplificaciones más bien tristes. ¿Y ese relajo de Monty decidiendo no tener relaciones con una menor de edad? ¿Se supone que eso prueba que no es tan mala persona? ¿Qué sus discursos son vacios? ¿Cuál fue el punto de todo eso?

Al final Waiting... no tiene a un Jay and Silent Bob, tampoco tiene las conversaciones absurdas de Clerks y ciertamente carece de la mirada profunda que el tema merece, que sea explorado como comedia o no.

Friday, November 26, 2010

Belleza americana (S. Mendes - 1999) 8.5/10

“Es algo grande cuando te das cuenta que todavía te puedes dar una sorpresa.”
“American Beauty” es el nombre de una rosa, cultivada y mejorada artificialmente para lograr una belleza perfecta. Esta flor es la metáfora de lo artificial, de lo falso que la sociedad moderna nos obliga a enseñar para aparentar que cumplimos con lo que se espera de nosotros .

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Pocas películas resisten a una segunda visión. Muchas veces, en la primera vez, lo que mantiene nuestra atención es la historia, esperando saber que sigue. En la secunda o tercera vez, como ya sabemos lo que va a pasar, todo este interés desparece y lo que queda son los valores de la obra de arte. Y muchas película ya no tienen nada que dar. En el caso de "Belleza americana", aguanta muy bien la segunda visión, y pienso que hasta más.

La historia podría ser simplemente la de un hombre en su crisis de los 40, Lester Burnham, (Kevin Spacey) , atraído por una amiga de su hija, lo que llaman el “demonio del mediodía” (porque, llegados a la mitad de su vida, los señores se dan cuenta de que están dejando atrás la juventud y sus ventajas) . PeroLester lo vive como una rebeldía, salir de lo rutinario y, literalmente, cambiar de vida. Hacer algo. No como lo hacen en general, consumir. De ahí la frase: “es bueno ver que todavía puedes darte sorpresas”. El quiere cambiar las reglas. Empezando por las suyas, por sus propios comportamientos, que ahora le parecen hipócritas.

Vive una nueva adolescencia: rebeldía contra la familia (la esposa), consumo de drogas, berrinches (el coche), angustia de la propia apariencia (se observa en el espejo, no le gusta lo que ve, y se dedica a hacer ejercicio). Lo va a hacer en poco tiempo (el narrador sabe cuanto tiempo, porgue sabe que el personaje va a morir). Nosotros no sabe mos cuanto tiempo tiene para recuperar lo que ha perdido. Se pone a vivir como si fuera el ultimo año de su vida. Y lo es. Pero el no lo sabe en el momento que lo hace.

¿Por que el personaje no es totalmente antipático? ¿'Por que no nos desagrada? ¿Por que no odiamos su egoísmo en su búsqueda de juventud? Tal vez porque percibimos su deseo de que su esposa y su hija lo acompañen en su búsqueda, porque trata de mantener o establecer el contacto con los demás. Sentimos en el una profunda honestidad. En ningún momento se burla, o usa a los demás. O les miente . La expresión de Kevin Spacey se vuelve casi más tierna. Su forma de hablar, de portarse es mas serena.

Se quedan varios aspectos de la película. Primero su forma, como esta filmada. Y tiene algunas escenas memorables. Por ejemplo, la escena del juego de baloncesto, cuando él ve por primera ve a la bella joven. O las imágenes de la cena, con los tres personajes vistos de lejos, en plan abierto y fijo, cuando no tienen nada que decirse. Situación que Lester va a tratar de cambiar.

También las escenas del trabajo. En particular las entrevistas con el jefe. En la primera, se nota una diferencia de nivel, estando el jefe más alto que el empleado desanimado y sin ningún objetivo. En la secunda, los dos están al mismo nivel y los vemos al mismo tiempo en la pantalla. Se enfoca al que habla, pero al mismo tiempo se ve al otro. Ya están a nivel de igualdad.

Y la ultima escena con el padre del vecino. Quien viene a acercarse, en un intento muy torpe, tal vez para conocer que es una relación homosexual, y así acercarse a su hijo. Entender este mundo que supone es el mundo de su hijo. O tal vez porque, en el fondo sabe que él mismo reprimió lo que aparentaba odiar con rabia. Y la forma en que Lester lo aparta sin rechazarlo. Con una expresión muy bondadosa y comprensiva.

También queda la interpretación de los actores, Kevin Spacey principalmente. Al principio nos enseña un personaje totalmente despreciable, con una apariencia muy de los suburbios. Traje promedio, silueta encorvada, nada relevante, torpe y que además se duerme camino al trabajo. Un hombre sin entusiasmo y que no despierta ningún interés en el espectador. Entendemos a su esposa, que llena su vida con el jardín (su especialidad son leas rosas), la cocina y su trabajo. Poco a poco, se va profundizando, humanizando, suavizando, despertando. Se vuelve más tolerante et más receptivo a los demás y a todo su entorno.

La esposa, Carolyn, Annette Benning, con su elegancia tiesa, tiene un objetivo en la vida: el éxito. Considerando que su esposo es un pobre empleado equis, necesita un modelo masculino y lo encuentra en la persona de Buddy Kane (Peter Gallagher) , el “rey” de los vendedores de casas. Sin darse cuenta que es un pobre tipo que la manipula.

El padre del chico de enfrente, el Coronel Frank Fitts (Chris Cooper, muy interesante), militar hasta los huesos, es otro tipo de adulto: autoritario, controlador. Lo que lleva a su esposa y a su hijo a buscar escapatorias. El , en la observación, el asecho de los demás ; ella ,en el orden obsesivo, y la apatía.. Los dos modelos de parejas que tenemos ahí están determinados por cierta dinámica, donde cada uno encuentra su papel, fuerte o débil, y ocupan en forma tacita papeles opuestos. Sin que haya en ninguno de los dos casos, cualquier comunicación al respecto.

El mundo de los adolescentes nos muestra diversas formas de crecer, imitando o rechazando a los adultos. Por un lado, la chica guapa, la porrista Angela Hayes (Mena Suvari).que adopta ropa, actitud y lenguaje para aparentar más adulta y liberada. Que flirtea, juega con los hombres mayores. Por otra parte esta Jane, (Thora Birch ), la hija del matrimonio, que no sabe exactamente donde pertenece, quien y como es ( ahorra para hacer se una operación de busto, a los 16 años) , que rechaza padre y madre, y por eso cae en cualquier modelo. Primero la amiga, después el vecino, Ricky (Wes Bentley), el hijo del coronel, con quien encontró cierta similitud en este sentimiento de soledad. Como él tiene muy claro lo que desea, sentirse vivo espiando la vida de los demás, (necesita captar, tomar posesión de la vida de los demás) filmarlos y coleccionar los videos (lo que es bastante malsano), necesita dinero y sabe como conseguirlos. Es finalmente para padre e hija un ejemplo a seguir. Alguien que sabe lo que quiere y como obtenerlo. Perece ser el más adulto.

Obviamente, hay que hacer hincapié en la fotografía. Muy pocos colores, Mucho en escalas de grises de azules oscuros. Tal vez diciéndonos que tal vida es una vida sombría, sin luz. Lo que nos obliga a mirar con atención. Pero, en todo este gris, aparece el rojo. El rojo de la chica, de los pétalos de rosas. De la pasión, de la vida, de la juventud y del deseo, en escenas de sueño. Escenas de algo inalcanzable. Y se vuelve a ver en el pequeño ramo de rosas en la cocina, lugar del crimen y del final del hombre. Esta escena de la muerte tiene lugar después de una escena con la chica, en un encuentro donde el hombre se vuelve verdaderamente adulto, al renunciar a su deseo egoísta. Y donde la chica por fin se muestra sincera al reconocer que es virgen, lejos de tener ya la colección de amantes que presumía..Su sinceridad final se refleja en la escena en que, frente al espejo del baño de los Burnham, se quita el maquillaje, mientras que, en la cocina, asesinan a Lester.

Cuando lo matan, las proyecciones de su sangre hacen en la pared un ramo de manchas. Y finalmente vemos su cabeza en el piso, en medio de un charco de sangre como él había visto a la niña en varias ocasiones en varias ocasiones a la niña sobre una capa, una cama de pétalos rojos.

En conclusión, una película que denuncia los falsos espejos de la sociedad americana y, los pilares que son el Fast-food, el ejercito, las porristas y los agentes de bienes raíces y que ya mostraba la sensibilidad que Sam Mendez nos enseñará después, en particular en "Revolutionary Road " (2008) , con Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, una cinta que también sostenida en excelentes interpretaciones, llega al fondo de la complejidad de los comportamientos y los sentimientos humanos

Wednesday, November 24, 2010

Hasta el viento tiene miedo (G.Moheno – 2007) 6/10

Con todos los clichés de una película de terror: el castillo de las novelas góticas es aquí una institución para jovencitas con problemas psicológicos. Con la presencia de una ex - interna que se suicidó y busca venganza. Interpretaciones buenas sin más. Pero un excelente trabajo de ambientación, de colores, y musica.

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Cuando internan a Claudia (Martha Higareda) en esta amplia mansión, un poco descuidada, aislada lejos de la cuidad, se topa con una directora muy estricta , la Siquiatra Bernarda Alquacira ( Veronica Langer) y una doctora, más joven y mas accesible (Monica Dionne) . Las internas son típicas adolescentes ricas y egoístas. Salvo una, sombría y retraída, que habla siempre de una cierta Andrea, ex interna que se suicidó.

Poco a poco, Andrea toma posesión de Claudia, a quien le dieron el cuarto que ocupaba, hasta llevarla a vengarla de la directora. Por medio de flasback , se nos da , antes de la escena final , la explicación : Andrea tuvo un romance con la doctora Lucia . La directora Bernarda las sorprendió y, atraída por Andrea que la rechazó, accidentalmente, empujó a ésta en la escalera de la torre, provocando su muerte. Disfrazó el accidente en suicidio por ahorcamiento. Obviamente, la malvada directora terminará colgada, y la paz volverá a la institución.

Todo esto nos da una historia bastante banal en el campo de las historias o películas de terror. Las interpretaciones, como ya dijimos, no tienen nada especial. No hay un gran trabajo sobre los personajes. Doctoras y internas se parecen a los personajes que estas actrices interpretan en la televisión mexicana, sea por los diálogos que les dan o por la forma de actuar. Salvo Jose (Danny Perea) qui da de lejos la mejor interpretación de la cinta, con su voz grave y su carácter retraído, su aislamiento y su fijación en la persona (el fantasma) de Andrea.

Pero la historia esta bien llevada y mantiene un buen nivel, si no es de suspenso (sabemos, muy rápidamente desde que se menciona a Andrea, como va a terminar el asunto), al menos de interés. Nunca es aburrida, y se deja ver hasta el final con gusto.

El ambiente de terror, con todo y vientos, puertas que se azotan, largos pasillos, y oscuridad en el parque, esta muy bien cuidado. Se hace un uso interesante de los colores, los azules de las noches, de los diferentes granos de película. Lluvia, tempestad. La presencia de la torre se impone, se siente y hasta se ve habitada.

Y sobre todo, la música de Eduardo Gamboa es excelente en su sencillez y muy bien colocada para contribuir al misterio.

Tuesday, November 23, 2010

La leyenda del tesoro perdido ( John Turteltaub - 2004) 4/10


Es extraño que esta película no haya recibido un apoyo económico de la secretaría de educación estadounidense, ya que en realidad parece ser una película para enseñar a los alumnos de secundaria la historia de los principios de su país.

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Es un juego de pistas sobre la fundación de Estados Unidos y además esta plegada de citas, de hechos históricos anecdóticos. Ve a la historia por el lado pequeño, de detalles. Hace tiempo que ya no se hace, y ni siquiera se enseña, la historia así. No es un una explicación inteligente, ni siquiera adulta de los eventos históricos. Es en realidad muy infantil. (de ahí la producción Walt Disney).

Por lo demás, establece muy claramente la linea divisoria entre buenos y malos. El malo obviamente esta interesado nada más por el dinero. Ben Gates (Nicolas Cage) siendo el bueno, el de las intenciones puras, no puede hacer algo ilegal, como robar la Declaración de Independencia, así que se la “lleva” para evitar que se la robe el malo. Y no puede hacerle daño a nadie. Así que, con su amigo y cómplice, Riley Poole ( Justin Bartha), el hacker genial, idean toda suerte de trucos ingeniosos y no-violentos, mientras el malo golpea, y destruye. Obviamente en escenas alternadas para que el niño (perdón, el público) entienda muy bien la diferencia. Por cierto, el malo, Ian Howe (Sean Bean) tiene claramente un acento…... inglés.

Otras situaciones estereotipadas: la oposición entre padre e hijo que no se hablan desde años, el padre que no reconoce el valor de su hijo. Y finalmente la reconciliación con la admiración del padre hacia el hijo.

Queda un paseo turístico por los lugares conmemorativos de la fundación. Washington, Filadelfia, Boston, Nueva York, con casas antiguas, bibliotecas, relojes y tabiques. Algunas escenas bastante absurdas: ¿que necesitad hay de subirse al mausoleo a Lincoln para idear un plan?

Escenas de acción bastante aceleradas. Una música tipo Indiana Jones. Una chica bonita e inteligente. Pero finalmente, el punto de todo esto es ahorrarles a las escuelas el gasto de llevar a los alumnos en un verdadero viaje sobre las huellas de los padres fundadores.

Sunday, November 21, 2010

Walk the Line (James Manglod, 2005) – 5/10

A pesar de respetar (repetir) todos los requerimientos de una película biográfica, Walk The Line no se siente aburrida ni artificial. Posiblemente ayuden mucho las excelentes actuaciones de Witherspoon y Phoenix, así como la muy excelente música. Además que esta parece ser una verdadera historia de reivindicación y amor… ¿será?


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John Cash (Joaquin Phoenix) creció con un padre (Robert Patrick)…difícil…y las cosas no se hicieron más sencillas cuando su hermano Jack falleció siendo niños. Años después John, casado con la madre futura madre de sus tres hijas, Vivian (Ginnifer Goodwin), intenta hacer realidad su sueño de ser músico, y junto con su banda, los Tennessee Two, firma un contrato con Sun Records que lo lanzara a la fama. De ahí en adelante es una vida de drogas, excesos y todo lo demás. Pero también de June Carter (Resee Witherspoon) que, como es el sueño de todos, lo termina salvando de todo eso. Y vivieron felices harto rato (¿será?)

Como toda buena biografía la cinta empieza en un momento que parece importante, pero a falta de contexto no sabemos bien de que se trata. Nos lanzamos entonces a la infancia y la mayoría de la historia es contada en este largo flashback que nos regresa al momento inicial. Y como ahora ya sabemos de que se trata, nos emocionamos muchísimo. La historia salta en el tiempo a momentos significativos; de pronto por instantes breves, otras veces por harto rato; no se siente realmente una estructura establecida en la narrativa…lo cual sucede con frecuencia en estas cintas.

Como es el caso frecuentemente, es mas el trabajo actoral que da merito a la cinta. En este caso Phoenix y Witherspoon (que ahora si se ve guapa) hacen un excelente trabajo dando vida a la pareja de relación complicada. Sobre todo Phoenix que logra de manera convincente pasar del muchacho inseguro, a la estrella de rock a, a tocar fondo y después de regreso.

Es interesante en términos de la dirección que la cinta es de verdad un back-stage, es decir, con frecuencia estando en el escenario, el punto de vista es desde atrás del escenario. Más que para mostrar la emoción de público, pareciera que la intención es dejar claro que estamos viendo algo que la mayoría de las veces es oculto, algo que no todo el mundo puede ver.

En términos de la historia real, pareciera que es una genuina historia de amor. Si, a la primera esposa le va mal; pero si uno le cree a la cinta, y a mis limitados conocimientos sobre el Sr. Cash, no es el caso de un tipo egoísta (o no es solamente eso); sino que lo que había entre Johnny Cash y June Carter era amor de ese bueno… ¿será?

Crouching Tiger, Hidden Dragon - Parte Segunda

Esta es la segunda parte del artículo acerca de una de las más increíbles películas de todos los tiempos. La primera parte está aquí.



La profundidad de las decepciones se hace cada vez más evidente. La Zorra de Jade no solo posa como empleada domestica, sino que también resulta ser una pobre mujer confundida, sola, de quien la gente ha abusado una y otra vez; primero el maestro de Li Mu Bai, y después Jen. Esta historia cobra aun más importancia cuando descubrimos que el maestro de Li Mu Bai era un desgraciado que abusaba de su poder; y es importante recordar que en la tradición oriental, un discípulo rara vez toma un camino diferente al de su maestro.

Li Mu Bai es mostrado superficialmente como un gran guerrero, pero la primera información que obtenemos de él, es que ha fallado en una de las partes cruciales de su entrenamiento. Aunque sus capacidades como guerrero son increíbles; queda claro que su interés en Jen no es el de un maestro. Es el interés de un hombre de edad, frustrado que quiere sentir que su vida tiene sentido. Quiere sublimar su fracaso con la mujer de su vida, al conquistar a una joven talentosa y de buen ver. Queda claro esto en las interacciones entre los personajes; en el antecedente del maestro, en que cada batalla entre ellos comienza con Li Mu Bai persiguiendo a Jen; en que la música para cada una de estas batallas no es de tensión, no son los tambores de pelea. Queda en evidencia cuando Jen finalmente pregunta: “¿Qué es lo que quieres, a mí, o a la espada?” y Li Mu Bai no puede responder…

Al final Li Mu Bai tiene que admitir lo que realmente era importante, aquello a lo cual debió dedicar su vida…pero es el final, es demasiado tarde.

Es a través de toda la cinta y cada uno de sus elementos que el personaje es construido, de manera elegante y precisa. Así como Jen, que termina decepcionando a todo el mundo, a sus padres, a su esposo, a su amante, a su maestra y a la gente que admira. El deseo de Jen al final de la cinta no puede ser más que desaparecer, no existir mas puesto que su existencia es solo decepción.

Una historia honesta que usa los elementos narrativos a su disposición para revelar personajes interesantes y profundos, más allá de todo estereotipo e inclusive de toda estructura pre definida. Hace esto al mismo tiempo que rinde homenaje a un genero clásico del cine Chino, con quizá el más inventivo e interesante coreógrafo y director de secuencias de acción, Yeun Wo Ping (The Matrix, Once upon a Time in China) y la increíble fotografía de Peter Pau y la sublime música de Tan Dun.

Crouching Tiger, Hidden Dragon (Ang Lee, 2000) – 9/10

Una de las mejores cintas que he visto jamás. Posiblemente la que más veces he visto. Una historia de amor, de soledad, del fracaso de un hombre que se equivocó en aquello que más importa. Pero encima de eso, con algunas de las más imaginativas y sensacionales secuencias de kung-fu. Y Yo-Yo Ma en el cello. No hay mas nada que se pueda pedir.


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Li Mu Bai (Chow Yun Fat) es un legendario guerrero que se enfrenta al fracaso en un momento culminante de su entrenamiento, sumándose esto a su incapacidad para vengar a su maestro, y su frustración por no estar con la mujer que ama, Shu Lien (Michelle Yeoh). Jen Yu (Zhang Ziyi) es una aburrida hija de aristócratas que en secreto es entrenada por la temible Zorra de Jade (Cheng Pei-Pei). Cuando Jen roba la espada de Li Mu Bai, Destino Verde, sus caminos se cruzan, y la falta de fortaleza de ambos los lleva a un triste desenlace.

El titulo de la cinta alude a un proverbio chino que quiere decir “las cosas no son lo que parecen”. Es bajo esta premisa que toda la narrativa está construida. Crouching Tiger, Hidden Dragon es una de las pocas obras contemporáneas donde claramente hay una historia que se puede apreciar en términos meramente superficiales; en este caso una “película de kung fu” donde un héroe intenta rescatar a una joven confundida de sí misma y paga con su vida esa intención; pero al mismo tiempo hay claras pistas a través de la historia para llevar a la audiencia, sin jamás decirlo explícitamente, a entender que es una historia mucho más compleja.

La imagen de las apariencias que engañan está presente en todos momentos, a veces de manera obvia y a veces no tanto, de manera a introducir a la audiencia a ese concepto, que entonces revela y explica todo. Es una verdadera obra de arte.

Todos los personajes, menos Li Mu Bai, tienen ese momento en el que se hace obvio que las apariencias engañan. Jen es a todas luces más que solo una niña mimada. Shu Lien deja en claro que la vida de aventuras no es lo que la gente imagina. La zorra de Jade hace explicita la noción del disfraz, y Lo explica claramente que su persona de “Nube Oscura” es solo una apariencia. El sigue siendo el niño que busca las estrellas.

Hay mas que decir; en la segunda parte

Thursday, November 18, 2010

Sepultado (R. Cortes - 2010) 8/10


Es una película de desafió, por las limitaciones, de tiempo, espacio, actores y narración que se impone. Pero todo esta resuelto con mucha eficiencia El suspenso se instala poco a poco y crece hasta el final, manteniendo al espectador en un estado de alerta y de interés sin descanso.

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La película vuelve a tomar , seguramente sin saberlo las reglas del teatro clásico, que eran la unidad de tiempo, que la acción pase en máximo veinticuatro horas, la unidad de espacio, que todo se desarrolle en un solo lugar, y la unidad de acción, que haya un solo tema en la intriga . La cinta respeta magníficamente estas exigencias. Un solo lugar: no se puede hacer más reducido que un ataúd. Un tiempo limitado : dos horas; la historia se desarrolla prácticamente en tiempo real. Una sola acción; encontrar la forma de salir, y de vivir.

Se parece a un reality-show donde se deja al concursante en un lugar inhóspito, con la misión de llegar hasta cierta meta, teniendo en su poder unos pocos objetos. Y el debe improvisar usándolos con la mayor sabiduría y eficiencia posibles. En este caso, un teléfono celular, un encendedor y un lápiz. De paso, que buena publicidad para Zippo!

Todo reposa sobre un solo personaje, Paul Conroy (Ryan Reynolds), secuestrado en alguna parte en Irak, que esta todo, todo el tiempo a cuadro. Para mantener el interés, la película usa de recursos técnicos: las distintas formas de encuadrar la acción, dándose como interdicción el salir de la caja que es el ataúd. Los únicos momentos en que la cámara se ubica afuera, son las llamadas del terrorista que le indica las condiciones de su salvación, y que nos hacen ver el prisionero a través de una rendija entre las tablas. Otra toma que rebasa el ámbito limitado de la caja es la toma, totalmente simbólica, del hombre desde arriba, con una cama que sube y sube hasta salirse de un ataúd sin tapa, y nos muestra la profundidad del entierro, de la situación sin esperanza en que se encuentra la victima. Un hoyo irrealistamente profundo.

También recurren a las luces, diferentes según su origen. Anaranjada cuando proviene del encendedor, blanca de la linterna, azul del teléfono celular, y amarilla del tubo fluorescente.

En lo que es del desarrollo de la narrativa, cada escena nos da una nueva información: quien es el hombre, que hace ahí, que pasó antes, que esta pasando en su vida personal. Es una película muy completa, pero a la vez sin nada superfluo. Nada se ve forzado.

La película esta estructurada como en actos, separados por momentos a negros. Cabe recalcar que no le da miedo al director dejar al espectador en la más total oscuridad. Inclusive al principio, estamos en negro, y poco a poco suben ruidos, de respiración, que se transforman en jadeos, gemidos y después en gritos. Y así, cada vez que termina una escena, volvemos al negro total.

También un excelente uso del sonido, música o voces. Diferentes voces, muy fáciles de distinguir. Pero que todos se resumen al mismo contenido. Nadie lo escucha. Cada uno este encerrado en su propio sistema de valores y de información. Nadie lo entiende. Nadie lo oye. Se topa con contestadoras telefónicas o con personas que están programadas dentro de un sistema administrativo que no les deja ningún margen de personalidad. Se toman su tiempo, formulan la lista de preguntas que tienen que hacer, en el orden previsto. O se obsesionan con reglas de cortesía, totalmente fuera de situación. Situación que no conocen obviamente, pero nosotros sí. Y eso nos hace vivir la misma angustia que el protagonista.

También irrumpen los videos, de una violencia muy explicita, mandados por los terroristas para asustarlo. La película recalca ciertamente el papel de los terroristas. Pero también denuncia el papel del gobierno estadounidense con la célula de rescate, y de la empresa que se apresura en de despedir al hombre, calculando unas horas antes del secuestro, para no tener que pagar indemnización y seguro de vida a la familia.

Las tomas muy cercanas, de la cara, el mentón con la barba que va creciendo, las gotas de sudor, nos hacen sentir de forma muy física, el paso del tiempo y el sufrimiento del prisionero.

La cinta tiene mucho que ver con el absurdo. Absurdo de la situación de un hombre que acepta un trabajo en tierras peligrosas para ganar dinero para su familia. Un hombre que no tiene nada que ver con los políticos o los militares y, sin embargo, cae en la trampa de la guerra Y el absurdo de las palabras preparadas, falsas, vacías, bajo su apariencia de bondad, comprensión y compasión. Absurdo de las reglas de civilidad en una situación que esta mucho más allá de cualquier civilidad.

El final de la cinta es un doble absurdo. Primero porque el secuestrado se corta el dedo para satisfacer las exigencias de sus secuestradores. Y se da cuenta que ya están llegando los que lo van a sacar, y su dolor y su sacrificó fueron innecesarios. Pero luego, el segundo absurdo es que…. no es su tumba la que están abriendo. Y en medio de todo este sin-sentido, el hombre termina con una gran dignidad, como asumiendo su destino.en tierras peligrosas para ganar dinero para su familia. Un hombre que no tiene nada que ver con los políticos o los militares y, sin embargo, cae en la trampa de la guerra Y el absurdo de las palabras preparadas, falsas, vacías, bajo su apariencia de bondad, comprensión y compasión. Absurdo de las reglas de civilidad en una situación que esta mucho más allá de cualquier civilidad.

Wednesday, November 17, 2010

La travesía de Paris (C. Autant-Lara - 1956) 5.5/10

Una de estas películas cómicas, un poco sarcásticas sin serlo demasiado, que dan una visión de la guerra un tanto chusca y ligera. Con actores famosos o que se volvieron famosos después, con escenas divertidas y un final feliz. Y una moraleja : los ricos siempre seran ricos, y los pobres se quedarán pobres. Como dice uno de los personajes "¡Malditos pobres!"

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Es la adaptación de una novela corta de Marcel Aymé, quien ubica varios de sus textos en ese contexto de la ocupación, sobre todo en Paris, y los usa para enseñar las verdades profundas del ser humano cuando se encuentra en una situación difícil. En este caso, atravesar Paris de noche para transportar en maletas un cerdo de 40 kilos hasta la tienda de un carnicero, para que sea vendido sin tickets de racionamiento, al precio alto. Obviamente, hay toque de queda, policías y alemanes en las calles.

El texto es mucho menos optimista y divertido que la película, llevando la oposición entre Martin y Grangil al extremo de la frustración, y terminando por el asesinato del pintor por el hombre del pueblo, que se siente burlado en su concepción del bien.

La película nos pone claramente en el ambiente de la época desde las primeras imágenes : a ocupación con las largas filas afuera de los comercios, donde finalmente no hay nada, el mercado negro, la presencia de los alemanes. Pero también nos presenta una forma tranquila y bonachona que tuvieron los franceses de resistir. Como por ejemplo el músico que toca la Marsellesa en las escaleras del metro y a quien el oficial alemán le da una moneda, casi pacifico. Pero la forma dominante de “salirse con la suya” en las ciudades donde faltaba todo, empezando por la comida, fue el mercado negro.

Además de recordar a cada uno anécdotas todavía presentes en la memoria de los espectadores cuando salió, la película tuvo mucho éxito también porque cuenta con la participación de artistas ya afamados, salvo el caso de Louis de Funes que estaba empezando. Pero ya se deja ver como el actor cómico que será toda su vida, a base de gestos, mímicas, ruidos y gesticulaciones. Muy nervioso y que se deja llevar por los sentimientos, por ejemplo aquí la angustia y el miedo de que Grangil (Jean Gabin ) lo denuncie.

Bourvil interpreta el papel de Martin como los papeles que le darán a lo largo de su carrera, el francés promedio, un poco valiente, un poco temeroso que tiene el ingenio para salirse improvisando de cualquier situación difícil. Con las mujeres bravucón, macho pero también débil y enamorado.

Jean Gabin es Grandgil, el pintor, ya rico y famoso, hasta en Alemania, que se da el gusto de una aventura en el mundo real, para conocer a la realidad de los comportamientos humanos,. Pero no corresponde al personaje de la novela. Demasiado viejo, demasiado pesado físicamente. El personaje tiene unos veinte años, lo que hace el contraste con Martin, de unos cuarenta y tantos. Gabin , cuando hace la película , tiene ya más de cuarenta. Pero tiene una gama de entonaciones, de actitudes que le permiten dominar la película.

La película cae en un registro muy cómico, demasiado, con el gag , repetido, de los perros que siguen las maletas, atraídos por el olor a sangre de puerco.

Una película que entretiene, pero no nos deja con tantas ganas de volverla a ver.

La princesa de Cleves (J. Delannoy - 1961) 7/10


La película, en su época, deslumbró a los espectadores. Con el seductor del momento, Jean Marais, en un papel trágico de esposo enamorado asin ser amadoc, con un “jeune premier” desabrido sin ser tonto, con la maravillosa Marina Vlady, que lucha contra su pasión, con trajes deslumbrantes y locaciones de ensueño.

Ficha IMDb

Es la adaptación de una novela del siglo XVII, escrita por una mujer, Madame de Lafayette, que mucho tiempo se escondió detrás del nombre de un amigo y escritor reconocido, La Rochefoucault. Trata de una joven, de una belleza absolutamente extraordinaria, (Marina Vlady en la pelicula) casada con un príncipe mayor que ella, (Jean Marais) y profundamente enamorado. Situación totalmente anormal en estos tiempos, en esta sociedad y en este tipo de novela. Un duque, joven y el más hermoso de la corte (Jean-Francois Poron), y además prometido a la reina Isabel de Inglaterra, se enamora de ella y ella de él . Pero la Princesa no se deja llevar, como se usaba en esta corte donde amor y matrimonio eran cosas totalmente separadas, porque lo más importante para ella es su reputación, que no hablen mal de ella. Pone más alto su fama que el amor, a pesar de ser tan joven e ilusionada. Y sobre todo, su propio sentido del honor. Trata de evadir al Conde de Nemours. Pero, finalmente, ve como ultimo recurso el hecho de confesar a su esposo lo que esta pasando para que él la proteja de si misma. La historia terminará mal ya que el esposo se enfermará de celos y se morirá de tristeza. Y ella se considerará culpable de esta muerte. Una vez viuda, no aceptará nunca casarse con el hermoso duque, porque, además de la culpabilidad, sabe que él tiene mucho éxito con las mujeres, y piensa que un día u otro la engañara. Y no se puede exigir el amor de un esposo, solamente de un amante.

Estos juegos sentimentales y de conciencia son un poco difíciles de entender en nuestra época, cuando el amor es la base del matrimonio. El sentido de la nobleza del alma que lleva a la Princesa no es el juicio de los demás, sino el juicio de si mismo Los valores son los que inspiran el clasicismo: controlarse, medir gestos y palabras, nunca dejarse llevar , nunca dejar ver los sentimientos por mas apasionados que sean. La Princesa de Cleves es considerada coma el prototipo de la novela sicológica.

Siguen maravillando los trajes hechos por Marcel Escoffier, el mismo que hizo todos los trajes de La Bella y la Bestia, esta película de cuento de Jean Cocteau con el mismo Jean Marais. Los trajes de la Princesa de Cleves y de las dos reinas, Catherine de Médicis y Marie Stuart fueron hechos nada menos que por el mismísimo Pierre Cardin. Y son absolutamente maravillosos, encajes, perlas, sedas….Trajes pesados, con las gorgueras que aprisionan los cuellos e impiden mover la cabeza, imponiendo a los actores un porte tieso, manifestación física de la rigidez de los valores.

Cabe notar que Jean Cocteau participó en la escriture del guión, y que el compositor fue el gran Georges Auric, igual que el La Bella y la bestia. O sea, un equipo de los mejores de la época.

Otra prueba del alto nivel al que se quiso colocar la película son las escenas filmadas en el castillo de Chambord, la más bella de las construcciones ordenadas por el rey Francois 1er, y que data exactamente del siglo donde Madame de Lafayette ubica su novela: el Renacimiento. En los años 50, no se acostumbraba rodar en escenarios naturales. Todo se hacía en los estudios. De ahí una recreación de Paris, de una sala de baile en el Louvre, de un Juego de Pelota, o del patio de torneo, que nos parecen de cartón, como de juguetes.. Por eso sorprende tanto ver el castillo, sus terrazas y su escalera monumental.

Una cámara por lo general fija, que casi no se desplaza al interior de una escena, enfocando al mismo o a los mismos personajes durante largos momentos. Pero esto no daña al ambiente, a la intención del texto original, ya que de esto se trataba: la reserva, la discreción, el saber esconder sus sentimientos en público para que nadie pueda aprovecharse de la intimidad de alguien, divulgar rumores, y destruir reputaciones.

La película, muy difícil de conseguir durante mucho tiempo, quedó en las memorias de los que la vieron tiempo atrás como un sueño, un cuento, algo mágico. Y dejó el lugar libre para otras adaptaciones de la novela. Así, en 1999, el portugués Manuel de Oliveira, filmó La Carta con Chiara Mastroiani, modernizando la trama, y tomando muchas libertades con el espíritu de Madame de Lafayette, sin lograr la poesía y el encanto que todavía emana de la cinta de Delannoy.

Thursday, November 11, 2010

8 1/2 (Federico Fellini, 1963) – 6/10

Con una increíble fotografía, Fellini cuenta la historia de un creador que de pronto no sabe bien porque, para que, o que crear. Ciertamente auto referencial,(el titulo hace alusión al numero de cintas en que Fellini había participado – como director y productor) 8 ½ toca fibras harto sensibles. Me recuerda mucho, aunque evidentemente es al revés, a la excelente Synecdoche, New York

La ficha IMDB

Guido Anselmi (Marcello Mastroianni) es un afamado director que se encuentra trabajando en una nueva, ambiciosísima, cinta. Solo que, a pesar de lo que la gente alrededor de él cree, no tiene idea de qué diablos está haciendo. No solo con relación a la cinta, sino a todo, a su relación con su(s) mujer(es); a sus relaciones profesionales, al mismo acto de crear. Guido se pierde en fantasías y recuerdos intentando encontrar una respuesta.

Más de 40 años después Charlie Kaufman tuvo el valor de decir que no hay tal; Fellini parece indicar que podría haberla.

Como Match Point (W.Allen, 2005) ; 81/2 cae en el truco de deletrear la intención de la cinta; lo cual no es divertido. Aunque en una historia donde sin transición pasamos de las fantasías a los recuerdos a la realidad; entiendo que resulta útil. Cuando Guido finalmente explica su situación tiene frases bastante atinadas para describir la desesperación del individuo que busca sentido; se describe a sí mismo como un tipo que quiere todo, que busca en mil direcciones y que cuando elige una, no se involucra por completo, por temor a no haber elegido la más conveniente; un tipo que quiere tomar todo y no dar nada, pero al mismo tiempo no puede verse a sí mismo como egoísta. Harto atinada la descripción.

La ansiedad y estas diferentes facetas de su persona están bien representadas en los saltos a memorias y fantasías. La pueril misoginia en su fantasía de harem, la angustia en el sueño inicial. La realidad también está bien construida, para comunicar este estado de fluido, poco real en el que se encuentra Guido. Sus relaciones, con sus actrices, con el escritor, con su amante y su esposa…todas ellas muestran la inseguridad e infantilismo del “niño rey” el hombre que tiene el poder pero no sabe realmente que hacer con él. Que dirige en una dirección, que parecía ser la correcta…pero que necesita validación.

El final de la cinta…Primer, parece que Fellini tiene un problema para terminar sus cintas. En 8 ½ y La Dolce Vita (F. Fellini, 1962) el final parece extenderse sin fin. Sobre todo en esta, me parece que es porque el autor reciente que no ha dicho todo, que es imposible terminar de una manera honesta un discurso así y no encuentra la imagen que debe cerrar el discurso. El final pues, parece dar a Guido la respuesta en la gente a su alrededor, es solo cuestión de esperar y confiar; pero se resiente la duda, se resiente el aislamiento.

Ahí es donde Synecdoche, New York hace un mejor trabajo con su final sin tintes románticos. Cuestión de época. Cuestión de crecimiento también; pues queda claro que en esta obra Fellini marco muchas de las líneas que seguiría Kaufman.

Saturday, November 6, 2010

Match Point (Woddy Allen, 2005) – 6.5/10

No soy el mayor fanatico de Woody Allen. Sus comedias me parecen como que la misma comedia varias veces; pero debo reconocer que el señor sabe lo que hace. Match Point es una excelente puesta en escena, con muy bien logradas actuaciones y sobre todo una tensión que envuelve de principio a fin.

La ficha IMDB

Chris (Jonathan Rhys Meyers) es tenista profesional retirado que se incorpora (por accidente o intencionalmente…) a una familia muy poderosa. Inicia una relación con Emily (Chloe Hewett Wilton) y se casan y toda la cosa; pero al mismo tiempo tiene una aventura con la primero novia luego ex novia de su cuñado, la guapisisisisima Nola Rica (Scarlett Johansson). Su aburrido matrimonio viene con ventajas a las cuales no está dispuesto a renunciar, ni siquiera por la guapisisisisisima Nola, así que cuando ella lo presiona para que abandone a su mujer, tiene que tomar una decisión radical. Que, como todo lo demás, depende completamente de la suerte.

Nunca me han gustado las obras que dicen de que se tratan, así deletreándolo. Mi más grande problema con Match Point es que hace eso; demasiadas veces; demasiado explicito. Hubiese sido posible integrar más pistas sutiles que comunicaran la idea sin tener que decirlo abiertamente al principio y al final (la pesadilla después del crimen, todavía la puedo aceptar).

Aun así, la película es realmente emocionante, la tensión se establece desde el principio, y aunque por momentos parece que no pasa nada, la dinámica entre los personajes hace que todo sea siempre interesante, que exista la sospecha de que esto, en algún momento, va a explotar.

Es interesante no solo las cosas que se muestran, sino también las que no. Mientras vemos momentos del romance entre el cuñado (Matthew Goode) y la gupisisisisima Nola, vemos muy poco de la mujer que se convertirá en su esposa. Porque su función es solamente la de mostrar las cosas como deberían ser en el mundo en el que Chris vive ahora, para aumentar la tensión en sus propias relaciones. Lo mismo pasa con su desempeño laboral. Solo lo vemos salir de su oficina, escuchamos por aquí y por allá que no es demasiado malo en lo que hace; pero es importante para la cinta que quede claro que le debe todo a su esposa, no a su grande o pequeño talento.

Por supuesto el paralelo entre la pelota de tenis pegando en la red y el anillo pegando en el barandal funciona bien; y así como no sabemos si la pelota de tenis dio la victoria o la derrota; tampoco queda claro si el accidente con el anillo significa la victoria o la derrota para Chris. Finalmente significa que no hay control alguno. Que todo es absurdo. Si eso es bueno o malo, es otra cosa…


Run, Fat Boy, Run (David Shwimmer, 2007) – 6/10

Perfectamente dentro de la formula de la película de la auto superación con todos los clichés necesarios, Run, Fat Boy, Run se siente de todos modos sincera en su mayoría. Si es predecible de principio a fin, pero no me sentí estafado. Igual la bonita fotografía ayudo, o fue el mood muy británico.

La ficha IMDB

Dennis (Simon Pegg) y Libby (Thandie Newton) estaban a punto de matrimoniarse, pero Dennis salió corriendo. Literalmente. A pesar de que Libby estaba embarazada. Eso dice mucho del personaje. Cinco años después, Libby ha encontrado un nuevo amor en el casi perfecto Whit (Hank Azaria); pero Dennis demostrara su amor y madurez al correr un maratón y reconquistar a Libby.

La cinta sigue todos los estereotipos necesarios: Denis es un perdedor que de alguna manera inexplicable conquisto a una súper mujer; pero después cometió un error. Que aquí hay un ligero twist en que el “error” de Denis es de proporciones bíblicas comparado con las tradicionales comedias románticas: no solo le da un ataque de pánico el día de la boda, sino que ella está embarazada, y no tantito, muy embarazada. Después, claro, Denis se da cuenta que cometió un error pero, es demasiado tarde: hay otro hombre. Aquí de nuevo el estereotipo, Whit parece perfecto pero termina siendo un desgraciado. ¿Por qué? ¿Por qué el personaje principal debe brillar solo por los defectos del rival? ¿Acaso no existe un ganador que no sea un cretino?

Después el final es predecible: Denis aprende el valor de esfuerzo, hace algo por sí mismo al mismo tiempo que el rival demuestra su verdadera naturaleza y así, Denis se convierte en mejor persona y tal vez, ciertamente, recuperará a la chica de sus sueños.

Los personajes secundarios, como en toda comedia romántica, son interesantes. El muy brit Gordon (Dylan Moran) y el gordito simpático Mr. Goshdashtidar (Harish Patel) tienen algunos de los mejores momentos en la película; incluida la increíble pelea entre Deni y Gordon.

Además de eso, la fotografía de Richard Greatrex, particularmente las tomas en exterior, funciona realmente bien para capturar el ambiente de la cinta, y estéticamente, está muy bien lograda.

Y el bonito detalle de la libre y la tortuga atrás de Whit y Denis respectivamente el día del maratón, bien logrado.

Cruel Intentions (Roger Kumble, 1999) – 5.5/10

Un titulo altamente apropiado para esta historia de seducción, engaños egos inflados; ósea de manipulación. Una adaptación de Les Liaisons Dangereuses que resulta si, muy gringa, pero también muy efectiva y respetuosa del material original, así como del contexto en él que se desarrolla.

La ficha IMDB

Kathryn (Sarah Michelle Gellar) y Sebastian (Ryan Phillippe) son hermanastros acostumbrados, cada uno, a obtener todo lo que quieren, gracias a su impresionante poder de seducción. La llegada de Anette (Reese Witherspoon), una muchachita casta y pura, los hace pactar una apuesta: si Sebastian no logra seducirla, Kathryn se obtiene el flamante automóvil de Sebastian; pero si Anette cae ante los encantos de Sebastian, el obtiene a (la flamante) Kathryn. Por supuesto, el que termina cayendo es Sebastian.

El espíritu de la novela original se siente definitivamente a gusto en el New York de los jóvenes y poderosos. Desde el inicio el guion impone un tono que tiene su ancla en la actitud de Kathryn y Sebastian; quienes juntos cargan el peso de toda la cinta. Es sin duda una dinámica interesante la que hay entre ellos no solo en términos de sus personajes, sino también la repartición del tiempo en pantalla. Mientras Sebastian tiene más tiempo para lucirse, su cambio de actitud a través de la historia hace que Kathryn sobresalga mas cuando está presente.

Hay algo que decir acerca de las actuaciones: si, por momentos se siente plásticas, los jóvenes actores son más jóvenes que actores, definitivo. Pero esto no perjudica a la cinta en lo más mínimo. Los momentos en que las actuaciones se sienten forzadas, artificiales o ver incluso caricaturales; podrían también ser descritos como…teatrales. Por supuesto uno puede discutir si esto es intencional o no, pero al final resulta que no es importante; porque esos desplantes infantiles funcionan a la perfección en el contexto de los niños ricos de New York. En particular Sebastian tiene momentos brillantes, donde sus muecas de niño mimado se conjugan con sus gestos de adulto seductor. Intencional o no, el resultado es interesante.

El final es altamente moralista en todos los sentidos, y políticamente correcto como corresponde a la época de realización de la película; pero en general es un esfuerzo que se disfruta y da buenos resultados.