Spoiler Alert

Mas que una invitación a ver, o no ver, una cinta, buscamos entablar un dialogo que enriquezca la experiencia cinematográfica. Asumimos que quienes lean un artículo han visto ya la cinta: no podemos discutir sin revelar el final. Si la película te interesa pero no la has visto, mejor para ti, y para todos, que regreses después de verla. Así la discusión es más a gusto.

Sunday, December 26, 2010

Sin rastro alguno (G.Hoblit - 2008) 5.5/10

Un thriller interesante, sobre todo porque la acción se desarrolla en el mundo virtual de la delinquencia por internet. Y nos muestra que esta , por la misma estructura del mundo cibernético, se puede dificilmente rastrear, y más dificilemente eliminar. Y sobre todo que el ser humano es , tal vez por naturaleza, malo, "voyeur" y que no le importan las consecuencias que pueda tener su curiosidad mórbida.

Ficha IMDb

Este thriller presenta el trabajo de los servicios del FBI encargados de rastrear los delitos cibernéticos. Un día como cualquier otro, la agente especial Jennifer Marsh llega a un sitio Internet que presenta la muerte lenta de un gato, filmada en directo. Intuye que este será el primero de una serie. En efecto, al día siguiente aparece un hombre conectado a un anticoagulante que los lleva a desangrarse. El sadismo reside en que, y la página Internet lo menciona en forma muy clara, mas personas entran a la página, mas rápido entra la solución al cuerpo de la victima, y por consecuente mas rápida la muerte….

El desarrollo de la película sigue tres pistas : primero , la batalla tecnológica que se libra al tratar de localizar el autor de la pagina, sabiendo que la red es un sistema complejo de rebote sin fin, haciendo muy difícil el trabajo de rastrearlo. Segundo, la investigación criminal en si: descubrir el móvil, las motivaciones que llevaron el criminal a usar tal tecnología. En este aspecto son las capacidades de profiler, y el razonamiento lógico lo que llevan a identificar el criminal.

Pero lo más interesante es el papel del publico, los “inocentes “usuarios de la Web, que se vuelven todos cómplices del crimen, por su morbo. La película nos muestra nuestro lado negro, sucio. Muy reveladora la ultima escena, cuando, después de un suspenso creciente donde las victimas son cada vez más cercanas a la protagonista, ella misma es prisionera del sádico en su propio sótano. A medida que elle va luchando, sube el número de visitantes, a una velocidad espeluznante. Cuando ella gana, baja en forma instantánea. El público quiere ver sangre, aun si el mismo lo provoca y si lo sabe.

Black Swan, (Darren Aronofsky, 2010) – 8.5/10

Después de habernos impactado con π (1998), Aronofsky nos sorprendió con Requiem for a Dream (2000), solo que mucho de la sorpresa se vio disminuida por lo parecida que fue técnicamente a la anterior. Después The Fountain (2006) estuvo bien, pero anda más así que no me esperaba mucho de Black Swan. Tal vez esas bajas expectativas ayudaron. Pero esta película es una joyita.

La ficha IMDB

Nina (Natalie Portman) es una ballerina tímida que aun vive con su loca madre (Barbara Hershey). Nina tiene la oportunidad de interpretar a la Reina Cisne, si puede convencer al director de la compañía, Thomas (Vincent Cassel) de su capacidad para interpretar al Cisne Negro. Su inmersión en el rol lleva a Nina, de la mano de la rebelde Lily (Mila Kunis), por un viaje de autodescubrimiento, de destrucción y reconstrucción para poder, por fin, alcanzar la perfección en su arte.

Hay veces que menos es mas, hay veces que es la sencillez lo que mejor funciona para transformar una pieza narrativa en una creación de verdad interesante. En el caso de Black Swan, Aronofsky y el equipo de guionistas (Heinz, Heyman y McLaughlin) optaron por eso, tomar un motivo único y explorarlo en cada detalle de la producción, el resultado es una cinta impactante y realmente bien construida.

Desde el inicio queda claro de que se trata esta bonita película. Odette, una hermosa doncella es convertida en cisne, para retomar su forma humana debe encontrar el amor. Pero el príncipe es victima de un engaño y se enamora del cisne negro, quien seduce al príncipe disfrazada de Odette. Por esto, Odette jamás estará libre del hechizo y opta por suicidarse. Mientras Odette es casta y pura, el rol perfecto para Nina, el cisne negro es apasionado e impulsivo, un rol que a Nina le cuesta trabajo interpretar (pero para ser uno, hay que ser ambos); esta oposición rige cada momento de la cinta.

A lo largo de la historia, Nina comienza a perderse en su rol, y poco a poco entra en contacto con partes de su naturaleza que ignoraba antes. Esta transformación es acompañada de una tensión continua, casi permanente, trastornos nerviosos que se manifiestan en alucinaciones y todo tipo de reacciones de locura. Pronto, ya no queda claro que es realidad y que fantasía, pero todo lleva a que Nina se pierda completo en el conflicto entre el cisne blanco y el negro.

Cada detalle de la producción es cuidado para sustentar esta idea. Todos los elementos decorativos se manifiestan como relación de opuestos, como manifestaciones de la personalidad de los personajes. Además, hay un perpetuo juego de reflejos, la presencia constante de espejos y síntomas de transformación física, de cambio de piel. Además de eso, Aronofsky se detiene en los detalles del dolor físico que acompañan al ballet, con impresionantes tomas de los movimientos, y las lesiones de las ballerinas.

Las actuaciones son magnificas y la tensión no disminuye, desde momentos incómodos con las nerviosas de Nina iniciales, pasando por la relación con la madre, hasta momentos casi de terror cuando la realidad empieza a ceder su lugar al mundo interior de Nina.

Ese mundo interior que se manifiesta era claramente lo que ella necesitaba para entrar por completo en su papel (si por momentos es tal vez demasiado explicito). Ese es el sueño del artista, abandonarse por completo, dejar detrás todo lo que estorba para perderse en la obra y alcanzar la perfección.

Children of Men (Alfonso Cuarón, 2006) – 6/10

Un mundo post apocalíptico. Un héroe cínico quien ha perdido todo interés en aquello que alguna vez le pareció importante. Un rayito de esperanza. A pesar de la formula Children of Men resulta interesante sobre todo por su manejo narrativo y el hecho de que, como debe ser, me dejo pensando.

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Theo Faron (Clive Owen) un antiguo activista social se ve involucrado en una complicada situación por su ex esposa ( Julianne Moore). En un mundo donde todas las mujeres son estériles, Theo es ahora responsable de cuidar a la única mujer embarazada. Por supuesto mas que la portadora de vida, a su alrededor se le percibe como un arma política en una batalla polarizadota.

Sin duda la narrativa en Children of Men es interesante, y la tensión mantiene al espectador pegado a la pantalla casi todo el rato. A pesar de eso, debo admitir que me cuesta trabajo identificar el punto de la historia. Estamos en una sociedad que trata a los inmigrantes como basura y por ello ha contribuido al nacimiento de grupos radicales que buscan hacer valer sus derechos, aunque n sean legales. Esta clara advertencia acerca del posible futuro fascista de las sociedades más ricas en el mundo actual es facia de entender. Pero no es el punto de la historia.

La historia alrededor de este posible nuevo nacimiento, por supuesto la mujer embarazada es de raza negra, el origen de la vida humana, esta historia es pues el punto de la cinta. Las analogías con la virgen María son claras, no solo porque en un momento los personajes bromean al respecto, pero también por la manera en que es mostrada en numerosas ocasiones, y la clara idea de la mujer embarazada que es perseguida y busca un lugar seguro para dar a luz al posible “salvador(a)” de la raza humana.

Además de eso, esta el personaje de Theo, escéptico por naturaleza, que no puede explicarse el milagro evidente frente al cual se encuentra. Una imagen recurrente en la cinta son los pies de Theo, sea que se los ensucia, lastima, calza…etc., constantemente el director nos hace verle los pies. ¿Es acaso una manera de hacer más evidente esta temática “bíblica”? Si es así, de nuevo no me queda claro el propósito final.

Como sea, lo que me queda claro, es que, de acuerdo a la cinta, por encima de las batallas políticas, por encima de las creencias personales y sobre todo, por oposición a la violencia continua y perpetua de la guerra y de nuestros sistemas de gobierno, es la vida, o mas bien la Vida, lo único que importa.

How to Train your Dragon (DeBlois, Sanders, 2010) – 6/10

En una época donde todas las películas usan las mismas formulas una y otra vez y sobreviven solo porque el modelado 3D sigue impresionándonos, nos seguimos riendo del mismo tipo de humor y hay monitos re -simpáticos; How to Train your Dragon sobrevive porque el modelado 3D nos sigue impresionando, nos seguimos riendo de los mismos chistes y hay monitos re-simpáticos. Pero además de eso, sobresalen escenas bien padres y logra mantenerlo a uno más que solamente “entretenido”.

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Hiccup (Jay Baruchel) es miembro de una tribu de vikingos cuyo único propósito en la vida es matar dragones. No solo eso, sino que es el hijo del jefe de la tribu, Stoick (Gerard Butler) y por supuesto es el único muchacho que no ha demostrado su capacidad para matar creaturas voladoras (pero es un muchacho muy inteligente). Finalmente, Hiccup captura y se hace amigo de un dragón de la raza mas temida. Lo que aprende de el lo convierte en un héroe en su aldea, pero ahora debe convencer a todos, y sobre todo a su padre, que los dragones no son sus enemigos.

Me la pase re bien, sobre todo por Toothless, el diseño de la bestia esta a todo dar, pero no me refiero solo a su apariencia, sino su comportamiento, sus movimientos y su interacción con el pequeño Hiccup están muy bien logradas. Claro, la historia es predecible y la hemos visto hartas veces ya, pero no por eso deja de tener momentos emocionantes, como las secuencias de vuelo, y divertidos, como las secuencias de vuelo.

Hay ciertas cosas que a mi parecer carecen de sentido, como la noción de que las bestias salvajes cazaban alimento solamente para el dragón gordo y feo, o que todos los dragones reaccionan de la misma manera que Toothless a todo. Lo otro que resulta muy molesto es que, como comentaba con mis cuates los profesionales de la animación, los humanos ya son genéricos en todas las cintas de animación americana, y definitivamente no pertenecen al mismo universo que los dragones, quienes a su vez no pertenecen al mismo universo que Toothless. Los directores, quienes también diseñaron personalmente al dragón principal) establecieron que Toothless debía ser diferente y mas “mamífero” que los otros, pues debemos sentirnos cercanos a el. Eso esta bien, pero pues básicamente lo diseñaron para otra película.

Pero me la pase bien. También porque Toothless me recordó a la mas increíble película de Disney jamás hecha (y si, ahora se que fue hecha por este par de amigos): Lilo & Stitch (DeBlois, Sanders, 2002)

JCVD ( Mabrouk El Merchi, 2008) – 6.5/10

Sorprendentemente buena. Jean Claude Van Damme interpretándose a si mismo en lo que ha sido sin duda, y a pesar de la ironía, su trabajo actoral mas demandante. El juego de la realidad y la ficción mezclándose para darnos un vistazo al alma de este bonito héroe de acción es de verdad entretenido y, sobre todo, llegador.


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Jean Claude Van Damme (Jean Claude Van Damme) es una estrella de acción venida a menos que se encuentra ahora trabajando en películas de segunda en Asia. Al mismo tiempo, tiene que enfrentar la horrible situación de un juicio de custodia por su hija, quien esta cansada de que todos se burlen de ella por su padre. En todo este relajo, decide regresar a su natal Bélgica, esperando que este regreso a sus orígenes le ayude. Pero se ve envuelto en una toma de rehenes y todos creen que el es el criminal. JCVD no es una película alrededor del héroe de acción, es una película alrededor del hombre.

La idea es interesante, sobre todo porque sigue siendo claramente ficción, y eso permite al director jugar con los planos de realidad y mantenernos todo el tiempo preguntando “¿en que momento se vuelve esto solo una película más de karatazos?”.

No soy un fanático de Van Damme al grado suficiente para poder decir que tan apegada es la situación inicial a la suya (en relación a las películas de dos pesos y la custodia por su hija entre otras); pero no creo que sea de verdad relevante. Es una situación más que creíble, y su comportamiento durante todo el conflicto lo es también.

La exploración de la idea de la fama, de lo que cuesta y lo que deja después (al parecer no mucho) es sin duda suficiente para dar merito a la cinta. Se suma a eso un sentido del humor que se siente autentico, donde queda al descubierto que hay pocas cosas que nos gustan mas que patear a los caídos.

Lo más interesante es sin duda el vistazo a la mente de JCVD particularmente en ese momento en el que se despega, casi literalmente, de la trama para hablar acerca de su acenso a la fama, de sus errores y de lo que pretendía con todo ese relajo. Un discurso que se puede entender como dirigido al director, al publico o inclusive a un Dios medio cruel…en términos de un actor, los tres terminan siendo uno mismo.

¿Qué tan sincero es este discurso? ¿Lo escribieron para Van Damme, o bien del fondo de su coranzocito? Difícil de decir, pero con lo que me quedo es que me la creí. Que se siente honesto. De principio a fin (y el final es buenísimo) esta cinta se siente honesta.

Thursday, December 23, 2010

Snake on the Eagle's Shadow (Woo Ping Yuen, 1978) - 5/10

El debut como director de Woo Ping Yuen (quien después se volvería legendario como coreógrafo en cintas como Once Upon a Time in China y The Matrix ) marco junto con Drunken Master (Yuen, 1978) una nueva dirección para el cine de Hong Kong y lanzo al estrellato a Jackie Chan. En términos concretos, es bien divertida.


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El clan del Águila ha conseguido eliminar casi por completo a sus rivales, los maestros del estilo de la Serpiente. Solo sobrevive el hijo de uno de los maestros y un simpático viejito (Siu Tien Yuen – padre de Woo Ping Yuen). Por otro lado, Chien Fu (Jackie Chan) es un huerfanito que vive en una escuela de kung fu donde todos lo tratan bien mal – nunca queda claro si Chien Fu es el hijo del maestro del estilo de la Serpiente o no; pero en realidad no es importante. Lo importante es que Chien Fu y el viejito se hacen amigos, Chien Fu aprende el estilo de la Serpiente, y le da una lección a esos malosos del clan del Águila.

Snake on the Eagle's Shadow es uno de los primeros intentos por mezclar las cintas de acción y la comedia, después de Spiritual Boxer (Leung, 1975). El resultado es una excelente cinta de kung fu que representa lo que nosotros llamamos “una película de Jackie Chan”: es divertida, buena onda, ligera, con chistes inocentes y acrobacias que no te las crees. Junto con Drunken Master, realizada por el mismo equipo, no solo definió la carrera de dos de los nombres más reconocidos en las cintas de acción a nivel mundial; sino que redefinió el cine en Hong Kong; que después influenciaría las producciones en los otros grandes mercados.

Un detalle interesante es que, en la cinta, los miembros del clan del Águila son fanfarrones y se toman bien en serio (su estilo es bien efectivo, así que posiblemente tengan razón); por otro lado, los únicos representantes del estilo de la Serpiente son más bien unos bufones. Chien Fu logra vencer al final por medio de una combinación de estilos, el de la Serpiente y unos movimientos que aprendió de su gato; pero es evidente que los movimientos de garra se acercan a los del Águila. El nombre del estilo, que da nombre a la cinta, es Serpiente en la Sombra del Águila; una clara referencia a la situación, pero también a ambos estilos. La idea de mezclar comedia y acción no fue bien recibida al principio por los grandes productores de Hong Kong; pero la combinación resulto ganadora. La seriedad del estilo del Águila y la sencillez de la Serpiente terminaron funcionando bien juntas.

A Scanner Darkly (Richard Linklater, 2006) - 7/10

Adaptada de una novela del legendario Philip K. Dick, A Scanner Darkly hace un excelente trabajo representando una sensación general de que algo está profundamente mal. Si bien la elección de hacer la cinta en rotoscopia es lo primero que llama la atención, la decisión es justificada y muy rápido deja de ser importante en sí misma. El trabajo actoral, por otro lado, definitivamente se impone.

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Bob Arctor (Keanu Reeves) es un agente del gobierno encubierto, responsable de una investigación alrededor de una nueva y poderosa droga. También es el sospechoso principal en esa investigación. Los agentes encubiertos usan trajes especiales que impiden que nadie los reconozca mientras están en el cuartel de policía, así su identidad jamás está comprometida. También facilita un juego en el cual Bob es solamente un peón. Más importante que Bob parece ser James Barris (Robert Downey Jr.) un sujeto un poco loco cuyas intenciones nunca quedan claras.

Reeves y Downey Jr. hacen un trabajo impresionante en esta cinta. Definitivamente los animadores tienen merito al haber sido capaces de respetar las sutilezas en las expresiones de estos dos amigos (y de todos los demás actores) y definitivamente las texturas y el movimiento constante en la rotoscopia agrega al nivel de expresión; pero el trabajo inicial de estos dos en dar vida a los personajes es de verdad meritorio.

Woody Harrelson y Rory Cochrane como los amigos porros son también excelentes en sus papeles; Wynona Ryder como la novia y “algo mas” es mucho menos interesante.

Las reflexiones de Philip K. Dick acerca de la droga y sus consecuencias, así como las estructuras de poder alrededor de ella son interesantes y aunque definitivamente se siente el paso del tiempo en algunos de los ángulos de la discusión, no dejan de ser relevantes 30 años después de haber sido escritas.

Pero si, por falta de espacio, nos detenemos solo en la cinta en sí misma, aun hay mucho que decir. La escena inicial es una excelente apertura porque define el estado de ánimo de toda la cinta. Primero establece la animación como la elección narrativa, y lo justifica inmediatamente, pues se asocia con las alucinaciones y la paranoia del personaje interpretado por Cochrane. De ahí en adelante esa sensación persiste en todo momento, aumentada por las alucinaciones de Bob y el flujo constante del traje que usa en el “trabajo”. Quizá esta sensación se relaja un poco al final, cuando parece que las cosas tienen sentido y que puede haber una resolución; aunque ya no un final feliz.

El ritmo y la manera en que suceden las revelaciones es también interesante; pero sobre todo las interacciones entre los personajes y a riesgo de repetir demasiado, en particular los dos principales que son en sí mismos interesantes. Bob Arctor por la situación en la que se encuentra (o en la que fue colocado) y James Barris por quien es. El conflicto es intenso y el trabajo detrás y delante de cámaras (y detrás otra vez) definitivamente lo hace relevante.

The Assasination of Jesse James by the coward Robert Ford (2007, Andrew Dominik) – 6.5/10

Para empezar el titulo esta de 10. Pero no solo eso; a pesar de durar mucho y un final que nunca termina de terminar; la cinta tiene un excelente ritmo que atrapa y sumerge completamente en la historia. La narrativa es excelente, la fotografía muy bien lograda y el personaje de Robert Ford intrigante, por decir lo menos.

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Jesse James (Brad Pitt) es el famosísimo forajido cuya banda ha sido diezmada después de uno que otro atraco. Robert Ford (Casey Affleck) es un nuevo miembro de la banda, hermano de antiguos conocidos, quien idolatra a Jesse al grado del absurdo. Pequeñas aventuras que revelan (o no revelan) la personalidad de ambos culminan en el asesinato de Jesse; y en dudas acerca de qué demonios pretendía el tal Robert Ford.

El ritmo de la cinta es posiblemente su mayor logro. La pasividad con repentinas explosiones que caracterizan los clásicos Western se combinan perfectamente con la narración (Hugh Ross) fría y documental pero también sorprendentemente humana. La inclusión de vez en vez de tomas vistas a través de una lente fotográfica de los 1800 agrega a esa sensación de documental dramático. Supongo que el mismo título juega una parte importante en la capacidad de la cinta de envolvernos. Todos sabemos que va a pasar; todos sabemos quién va hacer que; esta cinta hace evidente que no se trata de “que” sino de “como”.

La fotografía es sin duda fantástica; con paisajes impresionantes, las ya mencionadas tomas a la 1800; pero no solo es, también la manera de fotografiar a los personajes en sus interacciones es harto interesante. Aunque por momentos me pareció que había fotografías que tiraban demasiado al preciosismo y se sienten, después de un rato, mas como patos que otra cosa.

Pero lo más interesante es la interacción entre Jesse James y Robert Ford…no lo más interesante de la cinta es Robert Ford. La dinámica entre ambos llama la atención porque parece claro que James sabe que está pasando; pero lo deja suceder. En particular la teatralidad de sus últimos gestos, justo antes de ser asesinado, sugiere fuertemente que es él quien se entrega a Ford. Es cierto que por momentos parece cansado espiritualmente, listo para que todo termine. El cobarde Robert Ford es todavía más intrigante. Sus motivos nunca son claros, su admiración enfermiza hacia James no se traduce en lealtad, ni siquiera en miedo. Por momentos parece que quiere remplazarlo, por momentos parece que quiere fundirse en el. Un personaje, y una actuación, definitivamente meritorios de atención.

El problema con la cinta es el final. La muerte de Robert Ford se extiende demasiado y aunque nos permite ver a la guapísima Zooey Deschanel, en realidad no tiene sentido. Fuera de eso, una verdadera joyita. (La cinta, no Zooey Deschanel…bueno ambas)

Wednesday, December 22, 2010

Uranus (C. Berry - 1990) 6.5/10

En una pequeña ciudad de Francia, se viven los primeros meses después de la Liberación. Pero un bombardeo ha destruido todo, obligando los habitantes a vivir en una situación de catástrofe, compartiendo departamentos, dando clases en el café. Las nuevas condiciones de vida hacen que aflore lo pero de cada uno. Tragedia o comedia? Adapatada de la novela homónima de Marcel Aymé.

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Cuando la vida parece por fin ser mejor, o al menos normal, y que la felicidad y la alegría han vuelto a las familias francesas, en realidad todo se pone muy feo a pesar de que la guerra haya terminado. Ex-colaboracionistas, Ex-resistentes, resistentes de la ultima hora traficantes de mercado negro, chiquitos y grandes. Y, encima de todos, comunistas. Todos los habitantes pertenecen, al menos, a una de estas categorías….

En esta historias vemos como cada uno esta perseguido por lo que ha hecho, durante la guerra y como tratan de deshacerse de este peso.

Para empezar el maestro de literatura Watrin (Philippe Noiret) quien vive en un mundo un poco aparte. El perdió a su esposa, lo que le hizo un favor, ya que ella lo engañaba. Su hijo ésta prisionero de guerra en Alemania. Por otro lado, tuvo un sueño en el cual se veía en Uranus, el planeta más oscuro, el que rige los sentimientos de desesperanza, de melancolía. Mientras dormía, tuvo lugar el bombardeo que destruyó la ciudad. Y cuando terminó todo, él estaba en su cama, como suspendido en el aire. y su esposa muerta en los brazos de su amante. Desde entonces se dio cuenta de la belleza del mundo y ahora se dedica a ver solo lo positivo de todo. Hasta de la maldad, de las traiciones, de las mezquindades de los hombres. Con un fervor casi religioso. La escena donde Philippe Noiret relata su experiencia es una maravilla de actuación.
Así, Uranus , titulo de la película, es el símbolo de todo lo oscuro, malo, malvado de la especie humana. El profesor encarna el contrario.

El ingeniero, Archambaud (Jean-Pierre Marielle) sigue dudando de la posición a adoptar: denunciar o no a los que colaboraron. No quiere caer de ningún lado. No quiere traicionar a nadie. Da asilo en su casa a un ex colaboracionista. Al mismo tiempo, esta compartiendo su departamento con una familia de obreros (cuyo domicilio fue destruido por el famoso bombardeo) ; el padre, Gaigneux (Michel Blanc) es comunista. Tienen que compartir la cocina y el baño, lo que provoca divertidas peleas domesticas entre las esposas.

Los papeles que llevan más la atención son el de Léopold (Gérard Depardieu), el fortachón, el ex -luchador que se presentaba en los circos, y que ahora es dueño del café. Como es una fuerza de la naturaleza, necesita varios litros de vino blanco al día, sin nunca emborracharse. Y necesita sacar toda su energía. Entonces tiene arranques de violencia. Mejor dicho, de fuerza, porque no es una mala persona. Solamente tiene un temperamento muy fuerte. Y de repente como el maestro de literatura tiene que dar sus clases en el café, porque el colegio ha sido bombardeado, descubre a la poesía, al teatro, Moliere , Racine y … Andromaque. Se sabe de memoria unos pasajes y puede soplar a los alumnos. Y, sobre todo, a partir de este momento, escribe versos. Se tarda mas o menos un día para elaborar cada verso, contando las sílabas sobre sus dedos, mezclando la realidad de su vida con la de los personajes. Andromaque ya es parte de su vida. Y el parte de la tragedia de Andromaque. ¿Ya es poeta! Y feliz de serlo.

Al otro extremo tenemos a Jourdan (Fabrice Lucchini), el jefe de sección del partido comunista. Él ve al partido de una forma totalmente intelectual, con grandes frases, grandes principios, y una misión de reconstrucción de Francia Llevar el mundo al nuevo orden. Y pasa encima de todas las consideraciones personales.

Otro papel interesante es el de Monglat (Michel Galabru,) quien hizo mercado negro a lo grande, y se enriqueció negocios con el ocupante. Y sigue haciéndolo. Comprando todo lo que puede. Almacena en espera de los tiempos en que podrá vender a precio muy alto.

Y todas estas personas con sus maldades, se van a lanzar en un imbroglio de denunciaciones falsas .De ahí escenas muy divertidas, peleas, gritos y grandes momentos de actuación para el lucimiento de los actores.

Y todo termina por la arestación del ex colaboracionista. Que es tal vez, el personaje mas inocente de toda la película.

Los actores : Luchini quien no pertenece al mundo habitual de Claude Berry, pero siendo un actor muy de Rohmer, y teniendo hasta personalmente un talento para la palabra , el juego y el disfrute de las palabras, conviene perfectamente al papel de militante comunista embriagado de fraseología .

Por lo demás, esta la banda acostumbrada de Claude Berry, en particular Depardieu con quien acababa de hacer Jean de Florette. Philippe Noiret y Jean Pierre Marielle con este papel entre serio y cínico, en particular con los consejos que la da a su hija, de hacerse la amante del hijo de Monglat, ya que tiene dinero. Danielle Lebrun (Madame Archambaud) tiene este papel de esposa- niña, crecida. Sigue con una cara de joven con arrugas. Y parece que sigue siendo inocente, cuando ya no tiene la edad para eso. Y entra en competencia con su hija. La sexplicaciones que le da a esta después de acostarse con el colaboracionista son bastante divertidas: fue el esposo quien puso a su esposa y a su hija en peligro moral al hacerlas vivir juntas con el huesped Y que bueno que fue la madre y no la hija la que sucumbió a la tentación.

Finalmente del ambiente de la película, así como de los personajes, no se sabe muy bien si son ridículos, divertidos, trágicos o cínicos. ¿El profesor esta loco?, ¿o sabio? ¿El ingeniero Archambaud es cínico, cobarde o ponderado? Finalmente, el director es fiel al mundo de Marcel Aymé : en las novelas y en los cuentos, no se sabe si es divertido o trágico. Tiene un punto de vista sobre la guerra que no se deja impresionar por las grandes palabras. No cae en las trampas del discurso oficial. No cree en nada de esto. Ésta hurgando más profundo, buscando lo feo de la gente. Y parece no saber que hacer con eso. Es el mismo ambiente de La traversée de Paris. Y la película de Autant Lara se fue a lo cómico. Pero Claude Berry no se deja llevar y mantiene un tono más fiel al autor de la novela que adapta..

Y le toca al espectador decidir si reír o llorar. Y talvez sea esto lo mas fiel a lo que fue la realidad de la guerra y la inmediata post-guerra, lejos de los grandes ideales y simplificaciones. Uranus esta en la línea de grises que abrieron Le Chagrin y la pitié y Lacombe Lucien.

El asesino dentro de mi (M. Winterbottom - 2010) 8.5/10


Un joven asistente de sheriff, guapo, bien educado, y obediente, comete crímenes horribles. Porque, por una razón u otra, lo necesita. En un ambiente conservador, limpio y tranquilo de una pequeña ciudad petrolera de Texas.

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Con una voz off que relata los hechos, el propio asesino nos cuenta su historia. En un relato impersonal, distante y frío, muy bien servido por la voz monótona que le presta el actor.

Sombrero tejano, ropa impecable, cabello corto (estamos en los 50), y un porte muy recto, el hombre es de fiar, Lou Ford (Casey Affleck) es el hijo que cualquier mujer respetable desearía tener. Limpia la ciudad de los malos, hace los encargos que le piden su jefe, el alcohólico Bob Maples (Tom Bower), o el rico empresario de la ciudad, Chester Conwaay ( Ned Beatty ). Porque hay que sacar de toda la escoria de Central City.

Pero, al hacer eso, aprovecha y se lleva algo de placer: sexo con la chica, después de uno que otro golpe, quemaduras a un indigente. Nada pasó.

¿Porque los gustos sádicos? Algunas fotos encontradas en un libro, y una conversación con el jefe del sindicato, Joe Rothmann (Elias Koteas ) ayudan a entender. Y unos flash backs muy breves: ¿Quien violó a la niña en el coche? ¿Quien tuvo relaciones sadomasoquistas con la madrastra?

Aunado a esto, los gustos del hombre no cuadran con la vida “normal “de la ciudad: musica clásica, Mahler, Donizetti, ecuaciones matemáticas, cafetera italiana…

Y todo el tiempo, estos buenos modales, esta voz monocorde. Un control total frente a los demás. Dando siempre una explicación para todo : Joyce (Jessica Alba), la prostituta herida a muerte, con la cara destrozada, el amante de esta , Elmer ( el hijo del rico empresario quien la pagó para que se vaya de la ciudad) muerto de seis tiros, Johnnie, el adolescente sospechoso suicidado en su celda,( magnifica, la salida de Lou de la celda, con esta sonrisa de satisfacción, de control ) . Y la novia, Amy, (Kate Hudson) cuyo asesinato prepara con mucha calma, justo antes de que llegue el indigente (cuya palma de mano quemó con el puro) que trata de chantajearlo.

Una muerte lleva a la otra, en un juego de dominós. Porque hay que callar a los que han entendido la verdad. Y porque los recuerdos vuelven.

Una fotografía muy sobria, muy controlada, como lo es la actuación impecable de Casey Affleck, a quien ya habíamos visto en El asesinato de Jessie James (A. Dominik - 2007) , donde interpretaba al cobarde Robert Ford y dominaba totalmente a un Brad Pitt muy pobre.

Con una ambientación sureña: casa, coches, ropa, de los 50’, la película recuerda a A sangre fría de Truman Capote. Porque de la misma forma, el horror se estuvo gestando debajo de una apariencia de vida provinciana apacible, donde todos son buena gente, y cada quien respeta su papel, mucho tiempo antes de explotar finalmente , salpicando de sangre toda la ciudad, Capote buscaba la arqueología de un crimen real cometido en Kansas en 1959 y se enamoró del asesino. Este asesino es de ficción pero también produce esta fascinación mórbida. Guapo y peligroso. Bien educado y diabólico. Implacable. Una maquina de matar. Imposible de detener, por su eficiencia, su fuerza interna. Como lo era el asesino de los Hermanos Coen, en No country for old men.

El ojo de Vichy (C. Chabrol - 1993) 6/10

No se conoce a Claude Chabrol por sus documentales ya que ha realizado muy pocos. Este es valioso por la imagen que nos da de lo que el gobierno de Vichy, gobierno francés de colaboración con el ocupante alemán, quería que se tuviera de Francia.

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Consiste de una larga compilación de cortos o partes de los noticieros que se proyectaban en los cines, de 1940 à 1945. En este tiempo se acostumbraba, en una función, presentar antes de la película un noticiero, un documental, y hasta a veces un cortometraje. Estos pedazos de película son entonces lo que veía el público en las salas. Se trata de la versión oficial de los hechos.Hay que recordar que durante la Ocupación todos los medios de información estaban controlados por el gobierno, conforme a los deseos de los alemanes. Radio, cine y prensa escrita estaban totalmente vigilados y dirigidos.

Estos cortos o extractos de películas están presentados el uno después del otro sin ninguna intervención visual de parte del autor de la película. Una voz off (en francés fue la voz de Michel Bouquet, gran actor de Chabrol, en la versión inglesa Brian Cox) interviene a veces para hacer un comentario de ubicación histórica, sobre lo que pasaba al mismo tiempo, y que las películas oficiales no mostraban. Para contradecir los documentos con datos, la mayor parte del tiempo, números. Por ejemplo, cuantos judíos arrestados en tal fecha.

Se puede opinar que falta organización en la película, que fue construida sin un plan previo. El mismo tema se vuelve a presentar varias veces, con el mismo tipo de imágenes. Por ejemplo, los deseos del Maréchal Pétain para Navidad o Año Nuevo. Sin dar una fecha exacta. O imágenes de jóvenes trabajando en el campo. Aunque aparentemente la película sigue una organización cronológica: cada año se anuncia con la misma música, la famosa canción, el himno al Maréchal.

Sin embargo se puede resaltar algunos temas: mensajes de información sobre la actualidad política, propaganda y también mensajes de interés social: como ahorrar luz, gas, información, muchas veces divertida por extraña, sobre invenciones. Pero lo que domina es la información política : viajes e intervenciones en publico del Maréchal, obviamente recibido con gran entusiasmo por las multitudes (con planos cerrados a las caras de hombres, mujeres y niños transportados de amor y felicidad al ver a su ídolo, su inspirador, su padre, su abuelo ,como a el le gustaba considerarse). Y también la ideología de la Revolución Nacional : volver al campo, al trabajo de la tierra, al trabajo manual, importancia del campesino y del obrero. Los valores de la Francia eterna:valor de la familia, con los niños escribiendo a sus padres prisioneros. O los que escriben cartas de amor y admiración al Maréchal. Sus discursos moralizadores sobre el renacimiento que debe tener Francia a nuevos ideales. Volver a la pureza y la grandeza de la Francia de antes (antes del gobierno de izquierda que fue el frente Popular en 1936, y que llevó el pueblo a la pereza, el descuido, la debilidad, y la inmoralidad) Todo los que sufre actualmente Francia es un castigo y al mismo tiempo una prueba para crecer. Sobre el tono de un padre que sermonea al hijo desobediente.

También hay unas imágenes de propaganda, como un dibujado animado muy divertido que anticipa el desembarque de los Aliados con los héroes populares estadounidenses: Popeye, Mickey, Donald. El mensaje de Radio Londres anunciando el desembarque esta pronunciado por un judío: nariz grande, acento… Todo el estereotipo. Hay también un muy notable corto de propaganda antijudía, que empieza con una comparación de los judíos con ratas. Y con las imágenes de ratas y insectos que pululan y vienen a infectar, la comparación se vuelve metáfora: la imagen es solamente de animales dañinos. Y el comentario se aplica de igual forma al la rata y al judío. Es difícil de concebir como un público, con educación y inteligencia podía recibir algo tan nauseabundo, tan infame.

Así, El ojo de Vichy nos enseña muy bien lo que Francia oía y veía. Como estaba adoctrinada. Pero también nos enseña como gran parte de Francia estuvo del lado de Pétain . Obviamente las películas del poder no iban a enseñar el otro lado. Pero es un hecho que sí hubo gente, y mucha, favorable al gobierno de Vichy.

La última secuencia es, sin ninguna transición, la liberación de Paris. Y ahora vemos el otro lado de la propaganda, lo que fue la nueva visión de Francia. Paris liberada, obviamente de Gaulle bajando los Campos Eliseos. Y su discurso histórico: "Paris ultrajada, Paris martirizada, pero Paris liberada….con el apoyo de toda Francia, de Francia única, Francia verdadera, Francia eterna.” Discurso “improvisado” donde se puede notar perfectamente el talento retórico del general, y como las palabras utilizadas llevan a la constitución del nuevo mito: el pueblo francés, unido, se liberó. De ahí el mito que sobrevivirá durante veinte años, de un país unido en la resistencia en contra de los alemanes y conducidos por De Gaulle. Esta imagen monolítica será poco a poco destruida al final de los años sesenta, al mismo tiempo que el movimiento popular de 68 llevará a la caída de De Gaulle, quien deberá renunciar. Y con una película muy importante Le Chagrin et la Pitié de Ophuls (1969) , muy mal recibida por la televisión francesa, entonces gobernamental, por lo que deberá buscar una distribución independiente. Y será gracias al director Louis Malle que podrá ser vista. Seguirá una película de Louis Malle de la que hablaremos en enero: Lacombe Lucien.

En conclusión, L’oeil de Vichy es un documental muy aburrido en su forma, pero muy interesante por lo que nos muestra, y que entra en el movimiento de re-lectura de la historia al que se llamó” el espejo roto”, porque a los franceses no les gustó que les enseñaran sus lealtades pasadas.

Friday, December 17, 2010

Mujeres perfectas ( F. Oz - 2004) 5/10

Remake de una pelicula de Bryan Forbes (1975) con Katherine Ross , que se inclinaba más a la ciencia ficcion, esta es una divertida comedia, con lindos vestidos y jardines, todo limpio y bien arreglado, tanto que se antoja ser perfecto. La vida que soñaba la esposa de “American Beauty”. Aquí también se nos enseña cuan tramposo es el deseo de perfección, pero sobre un tono alegre, y con un final feliz.

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Cuando una exitosa mujer, Joanna Eberhart (Nicole Kidman) se encuentra en la depresión después de ser despedida de su trabajo en televisión (produciendo reality shows, que enseñan una realidad inventada) , su esposo Walter (Matthew Broderick) le propone un cambio total de vida .

Su independencia y su ropa negra se ven desplazadas en el fraccionamiento idilio de Stepford en Connecticud : hermosas casas, jardines maravillosamente cuidados, mujeres elegantes, vestidas peinadas, maquilladas, listas para satisfacer en cualquier momento cualquier deseo de sus esposos : comida, sexo, dinero. Obedientes, con cabezas vacías, vestidos floreados, zapatos del color del vestido del color de la cinta en el pelo, que obviamente es rubio.

Joanna, la mujer exitosa de negro, la escritora gordita judía y alcohólica en recuperación Bobbie Markowitz (Bette Midler) y Roger Bannister (Roger Bart) un homosexual seductor, inteligente y delicado (estereotipo del gay) no cuadran con la sociedad de Stepford, pero caerán en las garras del mundo masculino. Primero el gay, después la escritora. Hasta que la pareja (Joanna y Walter) que se ama encima de las luchas de poder de genero, se une para descomponer la empresa de robotizacion de mujeres. Que aparentemente, era invención del científico loco, o genial Mike (Christopher Walken) . Ahí, sorpresa! El aparente jefe de todo el asunto es en realidad.... un robot. Manipulado por su esposa, Claire (Glenn Close), la mujer-modelo del suburbio, ex neurocirujana, o algo por el estilo, decepcionada por los hombres (su esposo la engañaba), y que decidió crear un mundo hermoso y perfecto, donde todo es amor y belleza.

Todo acabará por el éxito de los tres defectuosos, la liberación de las mujeres y la robotizacion de los esposos malvados.

Algunas escenas son hilarantes y delirantes : las mujeres perfectas reunidas en el Club de lectura, inspiradas y apasionadas por un catalogo de manualidades para Navidad y/o Hanukah, frente al humor destructor de Bobbie , y que rebotan con toda inocencia sobre las propuestas de esta para los diferentes usos posibles de las piñas (del pino) . O la misma Bobbie ,ya robotizada, despidiendo a sus hijos en la mañana, cada uno son su lunch-box lleno de todo lo que desea : parece un vendedor de Starbucks anunciando la formula especial de café solicitada por un cliente exigente. O Joanna (ahora vestida de colores) llenando su estancia de muffins en sus moldes….

Nada transcendental pero un filme muy divertido, con bien ritmo, bonitas ambientaciones, bonita música, bonitos colores. Todo perfecto. Para decirnos que la aparente perfección es una trampa. Tal vez una esclavisación.

Thursday, December 16, 2010

El ocaso de un asesino (A. Corbijn – 2000) 8/10

Acción y suspenso. Pero con lentitud, pausada, contemplativa, muy depurada. Con un George Clooney que, con el paso de los años, se vuelve más interior en sus interpretaciones. Más concentrado. Y se inscribe en la larga tradición del asesino solitario.

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Desde la primera secuencia se muestra a Jack (George Clooney) como un asesino a sangre fría, desprovisto de sentimientos. En una escena en un escenario helado, vacío y totalmente blanco, y durante la cual casi no habla, mata a tres personas, incluyendo la mujer con quien, aparentemente, tiene una relación amorosa. Sin tocarse el corazón y sin fallar.

Después, en unos diálogos limitados a lo imprescindible, acuerda su próximo trabajo. Y se retira aun pueblo italiano. El lugar, gris en el invierno, todo de piedra, podría parecer, visto de lejos, idílico. Pero esta totalmente despoblado como un pueblo-fantasma. Callecitas angostas suben, bajan, se tuercen. Pasajes cubiertos, ideales para esconderse o para espiar. El único lugar que parece vivir es el café donde algunos hombres van a jugar y a ver televisión. Único espacio con algo de luz y vida.

El asesino perfecto vive solo, casi no come, apenas habla. Con el extraño sacerdote del pueblo. el padre Benedetto (Paolo Bonacelli) . Sacerdote sin feligreses, que lo obliga y se obliga a confesar. Tiene una relación de negocios con una extraña mujer, rubia, morena o pelirroja según los días.(Thekla Reuten) Cliente muy exigente y conocedora de armas. Que obviamente tiene por misión eliminar a alguien importante. O la misión importante de eliminar a alguien.

El asesino perfecto tiene también una relación sexual con una hermosa joven prostituta, Clara (Violante Placido) de quien más o menos se va enamorando.

Todo su tiempo pasa en la preparación meticulosa del arma perfecta Sin hablar, repitiendo los mismos movimientos, buscando la precisión exacta.

Una película muy encerrada, salvo las escenas en el campo, a la orilla del río, para probar el arma, para un falso día de campo con la clienta, después para un verdadero día de campo con la amante. Y finalmente para morir.

El mundo parece limitarse al entorno inmediato del hombre. Los personajes que no estén en contacto directo con el han sido eliminados. Por eso, el hermoso pueblo esta vacío. Y se poblará solamente para una procesión el día preciso en que lo matarán.

El personaje, interpretado a la perfección por George Clooney, es el heredero del Samourai de Melville (1967), quien inspiró también a Ghost Dog (J. Jarmush -1999) con Forrest Whitaker o El perfecto asesino ( Leon L. Besson -1994) con Jean Reno . Solitarios, rígidos, concentrados sobre su objetivo. Cada uno acompañado por un animal: los canarios encerrados en una jaula en el departamento de Delon, las palomas en jaulas sobre el techo de Whitaker, que se vuelven planta con Reno, colocada con amor en la ventana de cada nuevo departamento al que se cambia. Con Clooney se trata de mariposas: tatuaje en la espalda, libro de entomología ; la bella prostituta Clara lo llama, a veces, el Signore Farfalla o Señor Butterfly (y el sacerdote que lo invita a cenar escucha Madame Butterfly de Puccini) . Mariposas blancas aletean en el paraíso que es la orilla del río, en los momentos de felicidad. Y, al momento de la muerte, una mariposa blanca, ¿El alma del samurai? , se eleva.

Muerte del héroe que, por cierto, esta llena de dramatismo, como en las antiguas películas: mortalmente herido, se arrastra (manejando) hasta su amada para morir en su presencia.

Monday, December 13, 2010

El Laberinto del Fauno (Guillermo del Toro, 2006) – 5.5/10

Lo más emocionante en las cintas de del Toro es siempre la dirección de arte, en especial las criaturas que habitan su imaginación. Aunque en esta bonita película la historia es sin duda emocional, no deja de sentirse como solo un pretexto para dar vida a algunas de estas criaturas. Y para mostrar algo de violencia altamente explicita que no me parece del todo necesaria…

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Ofelia (Ivana Baquero) es una simpática niña cuya madre está ahora casada con un sádico capitán franquista (Sergi López) en tiempos de la guerra civil española. Ofelia escapa a un mundo de fantasía resguardado por un fauno (Doug Jones) quien le da ciertas tareas para poder ocupar su lugar como princesa. Al mismo tiempo, Mercedes (Maribel Verdú), el ama de llaves del capitán, ayuda a un grupo de disidentes de la zona.

La historia es bonita, sin duda, y emocional. Sin embargo, la manera en que el todo es presentado parece de verdad que las consideraciones sobre qué historia contar eran secundarias a que personajes introducir como parte de ella. No es necesariamente que eso este mal, simplemente que hace que ciertos puntos se sientan flojos.

Mientras al final parece presentarse (y responderse) la pregunta sobre si todo esto no es más que una fantasía de Ofelia para escapar a la realidad que vive; no hay indicios de esto al inicio – no se siente como si este sumergirse al mundo de fantasía sea algo realmente orgánico en la situación que vive Ofelia. Por otro lado – pero igual soy solo yo – la naturaleza de las pruebas tampoco parecen tener una conexión con el mundo exterior, que ciertamente debería influenciar al fantástico.

Por otro lado, la historia en torno al capitán y su lucha contra un grupo de republicanos, es interesante solamente por el capitán en sí mismo. Si, la lucha de Mercedes y del doctor tienen merito, pero es realmente el maloso el que (como es el caso frecuentemente) tiene mayor interés. Su carácter es atractivo, como lo es también su total congruencia con su discurso; el conflicto interno para alcanzar la imagen ideal de su padre; esa lucha que pierde al final por no poder dejar un legado a nadie, lleva al personaje más allá de la uni-dimensionalidad que hubiese podido tener.

Dicho eso, la explicita violencia que lo rodea no me parece necesaria. Ni siquiera para justificar la existencia del mundo del fauno, pues no parece que Ofelia tenga demasiado contacto con esta violencia.

Otra cosa que cabe mencionar es que la música no parece estar a la altura de las elaboradas imágenes, que como siempre con del Toro, son altamente interesantes y hacen de la cinta algo que definitivamente hay que ver.

Tuesday, December 7, 2010

Materia blanca (C. Denis - 2009) 4/10

Esta película con Isabelle Huppert "White material”, es poco convincente: es la historia, ya muy banal, de una mujer francesa que se quiere quedar en su propiedad en algun país de Africa para hacer la ultima cosecha de café antes de irse en medio de los combates entre rebeldes y ejercito regular.

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La historia tiene una estructura bastante simple, con un flash back . Empieza con esta mujer sola, y sin nada, que se sube a un camión en medio de la nada, única mujer blanca en medio de pasajeros negros. Y no sabe bien a donde ir. Lo perdió todo. Estamos al final de la historia. De ahí se nos manda a algunos días antes, con sus recuerdos que nos permiten reconstruir la razón de su presencia en este camión.

El ejército francés deja el país. La siguen en helicóptero para tratar de convencerla de irse también. En ningún momento se menciona el nombre de dicho estado. Pero se puede ver una alusión a los eventos en Costa de Marfil hace algunos años.

A nivel familiar también estalla una crisis, acelerada por les sucesos políticos: el ex esposo va a vender la propiedad al sheriff, y el hijo pierde literalmente la razón, y se une a los niños soldados de la rebeldía.

De ahí la película sigue cronológicamente hasta el final, la escena del autobús.

Maria tiene que luchar para conseguir trabajadores, ya que todos huyeron antes los rebeldes y el ejército que los persigue. Tiene que luchar contra su ex esposo (Christophe Lambert) que quiere vender la propiedad de su padre pero que ella trabaja. Tiene que luchar contra un hijo adolescente apático que se vuelve medio loco y tiene que luchar contra los soldados, enfrente de los rebeldes y mantenerse en su lugar. Es una mujer sola, fuerte y decidida, talvez testaruda e inconsciente de la gravedad de la situación.

Por lo demás, no hay un análisis sicológico, no hay un análisis político, o económico de la situación. Simplemente se nos muestran imágenes ya bastante vistas: el pequeño colono que trabaja en el campo codo a codo con sus empleados locales, los paga sin explotarlos, les da comida y techo mientras trabajan. Imagen de la mujer que trabaja personalmente su tierra como ya vimos a Isabelle Huppert en “Un dique contra el Pacifico”). No se trata de del colono rico y abusivo, viviendo en su mansión. Se trata de una visión de la colonización más apegada a la realidad. Aunque hay que notar que la historia pasa después de la descolonización.

Las relaciones de familia no se entienden bien al principio. Es un poco complicado ubicarse con el nuevo hijo del ex esposo, el cual vive con su esposa africana, en la casa del abuelo dueño de la propiedad. Y la mujer que vive con su hijo (del primer matrimonio) en una pequeña casa sobre la plantación. Pero el ex esposo siempre esta metido por ahí.

También esta el cliché, obligado, de los niños-soldados. El de la estación de radio haciendo propaganda a favor de los rebeldes y en contra de los blancos, con todos los estereotipos usados en todas las guerras. Todo visto muy superficialmente, filmado de una forma muy sin chiste. Isabelle Huppert parece no saber muy bien que hace ahí.

Dicen que la directora pasó parte de su infancia en África. Parece que quiso darse el gusto de hablar de algo que conoció, talvez motivada por la evocación de algo que en un momento vivió, talvez donde fue feliz o al contrario, pero se queda en eso. En realidad ni evoca la belleza del país. No hay ningún plano que sobresalga, que inspire algo al pobre espectador. Esta película no deja nada, ni admiración, ni coraje, ni siquiera ganas de ir a África.

De dioses y hombres ( X. Beauvois - 2010) 9/10

Faltan las palabras para expresar la intensidad, la fuerza de esta obra de arte, realizada con medios tan modestos y sobrios. Al igual que la vida de estos monjes en un pueblo perdido en Argelia. Basada sobre un hecho real: los siete monjes franceses de Tibhirine decapitados en 1996 por los rebeldes durante la guerra civil.

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Relata la historia de una comunidad de monjes cistercienses instalados en un pueblo en el Atlas. Viven integrados a la comunidad local. Cultivan su pequeña tierra y venden sus productos en el mercado del pueblo, según la regla de San Bernardo Tienen un dispensario para los enfermos del lugar, principalmente mujeres, ancianos y niños. Están invitados a las fiestas familiares, les piden consejos. Llevan a cabo todas las actividades fuera del monasterio en ropa de civil y sería muy difícil identificarlos como religiosos.

El ambiente de la película esta dominado por la serenidad de estos hombres, que han renunciado al mundo y sus lujos, y saben que su lugar esta ahí, con sus hermanos, y con esta gente del Atlas. Los días pasan entre rituales, cantos, lecturas, tareas manuales sencillas. Cada cierto tiempo, el capitulo, alrededor de una mesa, para tomar en común las decisiones. La cinta por momentos parece ser un documental.

Todos son diferentes por la edad, la forma de actuar, de hablar, por la vida que se siente llevan atrás. No se nos dice nada de la vida anterior de estos hombres: como llegaron ahí, cuando, porque. Desde cuando la comunidad esta conformada por estos mismos hombres. Tampoco se nos habla de relaciones personales entre ellos. Son antes que todo, Hermanos en Dios. El medico hace alusión a la guerra, a amores que tuvo en su juventud. Uno alude a un viaje que hizo a Francia, durante el cual, en medio de su familia, sintió que su lugar esta con sus Hermanos. Toda esta vida, a parte de la vida religiosa parece muy alejada, como otra existencia, sin verdadera realidad.

Dentro del monasterio, revisten el hábito blanco con mangas largas, y, a veces el escapulario negro encima. Tienen la voz clara y parca de los que han reflexionado para encontrar sus respuestas, y no necesitan explayarse. En las reuniones para opinar sobre una salida del lugar, cuando las amenazas de los rebeldes se vuelven más cercanas, nadie tiene que hacer un discurso para que los otros entiendan su posición.

Sus cantos son el equivalente moderno del canto gregoriano, solo con las voces, en líneas melódicas muy puras, con repeticiones, como incautaciones. También a veces, cantan solos, para acompañar sus tareas. Y no sufren de la soledad. Porque saben que no están solos. Que siempre hay un Hermano que entiende. Las felicidades, las crisis, las dudas, los sufrimientos físicos (uno tiene asma, otro tiene mas de ochenta años).Cuando el Hermano Christian va al cuarto del hermano Luc, el doctor, exhausto por sus más de ciento cincuenta consultas al día, le quita el libro abierto y los lentes con mucha suavidad, apaga la luz. Simplemente porque sabe las dificultades y esta ahí cuando se le necesita.

En la forma de filmar, vemos siempre las ceremonias desde el mismo punto de vista. Por lo general los vemos cantando de espalda. La única en que se les ve de frente, es cuando están bajo la amenaza de un helicóptero que se mueve encima del monasterio, con la capilla en la mira, en la punta de la ametralladora. En este momento, ellos, sin dejar de cantar, se acercan el uno al otro, se toman por los hombros, para darse la fuerza necesaria para abstraerse de la amenaza. Pero no es todavía el momento de la muerte.

La escena mas impactante es la de la ultima cena. Desobedeciendo la regla, el hermano Luc llega con dos botellas de vino tinto, color de sangre, y pone la musica del Lago de los cisnes. La escena se vuelve muda atrás de esta musica. Los Hermanos, disfrutan de la comida, degustan el vino, charlan, ríen. La cámara voltea a verlos de dos en dos. Pero empieza a acercarse . Y ellos a callarse, a volverse serios. Y a medida que la cámara se hace más cercana, la interioridad sale a la superficie, con el miedo, la tristeza, y las lagrimas. Es un momento como hay pocos en el cine.

Después, otra escena bíblica es la subida en la montaña. Después del secuestro y de grabar los mensajes que los rebeldes prepararon para pedir al gobierno francés la liberación de unos prisioneros, sin que se sepa exactamente cuanto tiempo ha pasado, los vemos subir . En esta escena, es el movimiento inverso. La cámara primero nos muestra planos cerrados de las caras, poco a poco se va alejando para mostrar grupos, y poco a poco se aleja más hasta que veamos toda la procesión que sube con dificultad. Cuando han pasado todos, la cámara se queda fija, y se van alejando bajo la nieve hasta, suavemente y lentamente , desaparecer. ¿Suben a su ejecución? ¿Van a quedar mas tiempo en algún lugar arriba? Simplemente desaparecen. Ninguna imagen clara y cruda de su muerte. Ni sangre, ni violencia. Nada más suben y se funden en el gris de la nieve. Serenidad y silencio. Como lo fue su vida.

Ningún mensaje proselítico a favor de la religión. Ninguna mención de cualquier intención de ser mártir, de ganar el cielo, o la admiración por su sacrificio. Ni siquiera la idea de sacrificarse. Solamente hacer lo que uno piense que debe hacer, quedarse donde uno piensa que debe estar. Su actitud es un testimonio de que uno puede, por sus elecciones de cada momento, darle un sentido a su vida. De que uno, en cada momento, puede escoger, decidir, y, en cada momento, mantener estas elecciones. Es una película sobre la libertad interior y la dignidad.

El tema del uso, o de la interpretación, de las religiones esta presente en toda la película, pero finalmente secundario en comparación con el anterior.

La película no lograría tal intensidad sin la interpretación de grandes actores, en particular Lambert Wilson, ( el merovingio de Matrix,) como el Hermano Christian, y Michel Lonsdale como el Hermano Luc, el medico. Con siluetas y estilos opuestos, pero con la misma fuerza y la misma convicción.

La película ha tenido un éxito inmenso en Francia. Resultado seguramente de un cansancio de la sociedad de consumo en la que vivimos. Como un interés por otra forma de vida. Con otras metas, ya no materiales. Testigo de esta búsqueda del lado de lo espiritual, esta la gran simpatía que inspira el Dalai Lama, o el aumento de la población Amish en Estados Unidos (ha casi duplicado en los últimos 16 años), no solo por reproducción natural, sino también por los nuevos adeptos de esa forma de vida natural y lejos de los falsos valores de la ciudad.

Se puede vivir y ser feliz, sin tantos objetos, sin tanta comida, sin tanto ruido ni tanta gente.