La ronde (Max Ophuls, 1950) - 8.5 /10

Con esta película, toda en ligereza y cortesía , Ophuls cuestiona al mismo tiempo el artífice del cine y la superficialidad de las relaciones humanas, tan transitorias y reemplazables. Grandes actores. Hermosas escenografías. Y algo más.

Ficha IMDb

La película es introducida por un personaje extraño (Anton Walbrook) ; vestido de una gabardina, deambula sobre un escenario donde se yuxtaponen sin mucho sentido, un teatro con escena y cortina, una calle, un carrusel. Y nos explica quien es: él lo ve todo, porque ve en círculo, en ronda, y lo ve todo al mismo tiempo. Ve más allá de las apariencias, de los elementos de escenografía, ve la falsedad de los deseos. Es el narrador, omnipresente y omnisciente. Esta en el lugar de Dios. “Soy Usted… Soy la encarnación de su deseo de conocerlo todo) .

Pero este dios es diabólico. Porque él va a poner lugar (Viena), fecha (1900) y sobre todo va a poner los personajes en presencia los unos de los otros. Se quita la gabardina y aparece vestido como elegante vienes de1900. Lleva una joven, la prostituta Leocadie (Simone Signoret) al carrusel y le da instrucciones sobre cual de los paseantes debe seducir, un joven militar, Franz (Serge Reggiani) . Y empieza la ronda.

En un baile donde cada bailarín cambia de pareja en cada pieza, el narrador-maestro del juego aparece cada vez para facilitar los encuentros, cambiando de papel. Será cochero, mesero, paseante, confidente. Y cada vez, nos dará el titulo del nuevo encuentro: la prostituta y el soldado, el joven virgen Alfredo (Daniel Gélin) y la mujer casada (Danielle Darrieux ) . a joven casada y su esposo Charles (Fernand Gravey), el poeta (Jean-Louis Barrault ) y la comediante, la comediante y el conde.(Gérard Philipe).... Hasta que la rueda termine. Y que volvamos a la prostituta del principio. La ronda se cierra. El narrador se vuelve a poner la gabardina.

Bajo la apariencia ligera y azucarada de Viena, con sus restaurantes, fiestas, carruseles y valses, Ophüls nos muestra la falsedad de todos y de los papeles que la sociedad les da y que todos aceptan con gusto. El movimiento en circulo, sea él de la rueda que bailan los niños, o de la ronda que hacen los soldados (hay dos militares en la película, de rango diferente) , recuerda a Lola Montés (1955) con Peter Ustinov, Martine Carol, que presenta la vida de la famosa bailarina amante del duque de Baviera, que acaba su vida como atracción en un circo. Movimientos de ida y vuelta entre el presente y el pasado cuentan la vida de Lola en función de las preguntas del público. De la misma forma, en La Ronde, bajo una superficie agradable, juguetona, se encuentra una desesperación y un pesimismo profundos.

Porque en realidad, la historia es totalmente vacía. Los personajes no tienen ideas, ni sentimientos, solamente deseos, que satisfacen cuando se presenta la oportunidad. Y la película esta hecha solamente del movimiento, del cambio, de la transición del uno al otro. Sin psicología, ni análisis. Porque no tienen ni corazón, ni cabeza, solamente epidermis.

Roger Vadim hizo un remake en 1964, con sus actores habituales, en particular Jane Fonda y a colores. Pero no tiene para nada el mismo encanto. Porque Vadim tiene todo menos sutileza.

La clase ( Laurent Cantet, 2008 ) - 4/10

“Entre les murs” obtuvo la Palma de Oro en Cannes en 2008 , quien sabe porque. Esta pelicula no es un documental ni tampoco una ficción. Y es singularmente inútil y poco interesante.

Ficha IMDb

No es un documental ya que emplea actores y nombres de personajes ficticios. A pesar de una cámara que se mueve mucho para dar al espectador la impresión de que se esta filmando algo real. Si bien es cierto que dichos actores no son profesionales, todos han sido entrenados durante talleres de improvisación.

No se han filmado momentos de una clase auténtica. Además, se pretende mostrar un grupo de tercer año de secundaria francesa, cuando las actividades llevadas por el maestro son en realidad de cuarto año (es una minucia, lo reconozco).

Pero tampoco es un relato de ficción ya que no hay ninguna estructura narrativa. ¿O tenemos que aceptar como estructura narrativa el hecho que la historia empieza con el regreso a clases y termina el último día del año escolar? ¿Y que se presente una selección de escenas de la vida de un maestro? Pero con un solo grupo. Tenemos la lista completita de las situaciones: actividades escritas, orales, en el salón, en el salón de computadoras, junta de final de trimestre, juntas padres-profesores, (escogiendo a los alumnos que son realzados durante las clases) Hay horas de clase que funcionan bien, otras que no, algunas que son violentas verbalmente, una lo es físicamente. Y puestas en orden crescendo. De ahí un consejo de disciplina para decidir de la exclusión del alumno. También vemos el salon de maestros, con una maestra anunciado su embarazo, con uno que explota. También una alusión a la realidad social en Francia en ese momento : la mamá de uno de los alumnos (uno de los mejores de la clase por cierto) está a punto de ser expulsada y enviada de vuelta a sus país. Compasión de todos y decisión de movilizarse. Idea que nunca más se volverá a tocar durante el resto de la película.

¿Por que este titulo? Porque toda la historia pasa dentro de la escuela . No se ve ninguna vida exterior de ninguno de los personajes. Ni el maestro, ni los alumnos, ni el director parece vivir afuera de las horas que pasan juntos.

El maestro, sea la película un documental, sea una ficción, no tiene coherencia: a veces usa un registro de lenguaje demasiado alto, difícil de entender por unos alumnos del nivel que nos pretenden mostra ; después habla con mucha, demasiada familiaridad en un salón de clase. A veces es casi vulgar.

Este pelicular, parece, quiere colocarse como la antítesis de las “películas de escuela” habituales: malos alumnos, rebeldes, flojos, desanimados por su situación social, económica o familiar. Profesor habitado por una energía y una vocación incansables, que llevará el grupo al éxito a través de un proyecto sensacional. Mentes peligrosas, Los coristas, Freedom Writers Al maestro con cariño, y demás. Aquí los alumnos son rebeldes y flojos dentro de los parámetros normales. Y hay buenos alumnos en la clase, y la mayoría conforma un grupo promedio, mudo e invisible. El maestro es normalmente promedio. Los otros maestros también. Todos están llenos de buena voluntad y de buenas intenciones. Ninguno es el malo. Hasta el director hace seriamente su trabajo. No hay drogas, no hay alcohol. Ni siquiera se puede hablar de violencia. Ya que la única sangre que se derrama es por un movimiento torpe. No hay ningún proyecto federativo y salvador.

Talvez, pensándolo bien, se escogieron dos temas del programa de último año de secundaria por eso. Argumentar para convencer, y la autobiografía, son temas que favorecen una expresión personal. Algo que puede tal vez complacer al espectador. (Pero que torpeza la del maestro que obliga a los alumnos a contar sus secretos. pretendiendo que la vida personal y los problemas de sus alumnos le interesante sinceramente.)

Las imagines son sencillas, sin chiste. No hay música para hacernos sentir que todo es autentico.

Ningún análisis. Social o pedagógico si se tratase de un documental. Psicológico si se tratase de una ficción.

Estamos muy lejos de Terminale (Francis Girod -1998) que , en una clase de ultimo año de preparatoria, planteaba el problema del poder, intelectual y afectivo, del maestro sobre sus alumnos. Un maestro de filosofía, joven y seductor. Tal vez responsable del suicidio de una alumna. Y en respuesta, el poder de los alumnos sobre el maestro, con la venganza que llevan a cabo.

¿Entonces? El espectador se queda insatisfecho. Dos horas perdidas. Y una Palma de Oro mal empleada.

Tabou ( Nagisa Ôshima, 1999) - 8/10

Del mismo director que El imperio de los sentidos (1976), esta película, extremadamente bella, es una advertencia sobre los peligrosos de la belleza.

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Estamos en el siglo diecinueve, primavera de 1865, en el mundo muy cerrado de las milicias de samuráis, en Kyoto. Todo empieza con el proceso de selección de los nuevos reclutas, para la milicia de samuráis del Shinsengumi, encargada de proteger al shogun, poniéndolos a pelar con el mejor de la milicia Soji Okita ( Shinji Takeda ) Un joven ,Sōzaburō Kanō (Ryūhei Matsuda) de una belleza extraordinaria, casi femenina, se presenta. El y Hyozo Tashiro ( Tadanobu Asano) , de origen social opuesto, seran aceptados y Tashiro se enamora de Kano inmediatamente A partir de ahí se van a entretejer una serie de deseos, envidias, silencios, sobreentendidos. Y manipulaciones. Amenazas, seducciones, sutiles o no. Crímenes.

Los dos responsables de la guarnición, el vice-comandante Toshizō Hijikata (Takeshi Kitano) y el capitan Sōji Okita Shinji Takeda) como dos figuras paternas ven, suponen, entienden. ¿Que sienten realmente? ¿Cuales son sus motivaciones? ¿Solamente mantener el orden? ¿Mantener la disciplina? ¿Mantener la moral?

La película usa ínter-títulos, caligrafía blanca sobre fondo negro, para recordarnos el código del samurai, y darnos, de esta forma, la posibilidad de juzgar por nosotros mismos en que medida los personajes desobedecen el código y sus obligaciones. En que medida traicionan.

Porque el otro tema que se va hilvanado a lo largo del relato es el de la traición. Ultima palabra que el hermoso Sōzaburō Kanō le dirá a su amante Tashiro , con una sonrisa enigmática, cuando este tendrá que ejecutarlo como se lo han ordenado sus superiores.

Unas escenas de una gran belleza. Unos combates, duelos con espada sobre todo, lejos de las coreografías sofisticadas y acrobáticas de las películas más recientes. (sin que sea crítica para estas).

La ultima secuencia, magnifica, de la ejecución, en la noche, en la niebla, el azul-gris. Y sobre todo la última meditación de Toshizō Hijikata: Kano era demasiado hermoso. Los hombres se aprovechaban de él. También se aprovechaba de los demás.El estaba poseído. El era el mal en medio de nosotros. Por su belleza demasiado grande.

Y, sobre el fondo difuso, gris, se ve de pronto un joven cerezo, Una forma fina, elegante, precisa y llena de color. Y el samurai lo abate de un solo golpe de espada. La belleza no es soportable en la sociedad. Solamente provoca el mal, y la desavenencia. Debe ser destruida.

El tema de la homosexualidad esta difuso en toda la película, Es un mundo casi sin mujeres. Todos los hombres caen en un momento u otro bajo la sospecha, sea por parte del espectador, sea por parte de otro personaje. La sexualidad de nadie parece definida claramente. ¿Este? ¿Será o no homosexual? ¿Porque se interesa tanto el capitán por Kano? ¿Porque el joven Okita adoptado por los dos jefes, disfruta tanto de la lectura de novelas de amor?

Todos los personajes son fríos, serios, parecen llevar mascaras, como en el teatro. Todo pasa bajo la piel. Todo esta implícito. Y es ésta sobriedad lo que le da toda su fuerza expresiva a las imágenes.

El baile de San Juan (Francisco Athié, 2010) - 5/10

Interesante porque pasa en el México de la colonia, entorno que pocas películas enseñan. Pero, a pesar de presentar varios aspectos interesantes, no logra tener coherencia..

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Hay buenas ideas, en particular todo lo referente a las mezclas. De razas, religiones, estatutos sociales. Donde la brujería, la medicina tradicional de los antiguos mexicanos están utilizadas por los sacerdotes, por los ricos., por los españoles, por los criollos. Mezclas religiosas porque se cree que la imagen de San Gonzalo está haciendo milagros a través de un baile comunal organizado por un sacristán indígena durante la fiesta de San Juan. Mezclas sociales, porque Victoria, hija de un aristócrata tiene una relación amorosa con Pedro Giovanni, hijo ilegitimo que tuvo el coreógrafo de la corte con una indígena., y esta relación no parece molestarle demasiado a la madre de la joven .M ezclas de indumentaria: las mujeres nobles usan bordados y rebozos, al mismo tiempo que otras usan vestidos al estilo de Maria Antonieta. Muestra del deseo de imitar las modas de las cortes europeas de la época.


Unas imágenes muy cuidadas, de colores vivos y alegres, que se parecen a las pinturas de la época colonial. Con música de la época. Muy bonitas locaciones. En eso se puede notar la importante investigación histórica y artística que se realizó antes de la realización de la película.

Pero la historia a final de cuentas nunca lograr cuajar completamente. Porque el hilo que se toma al principio, él de la pelea por el puesto de coreógrafo para el día de San Juan se deja de lado. Después se toma él de los amores de Giovanni y Victoria. Después el tema de los cultos a San Gonzalo (con bailes en la catedral, cultos privados) , unido a la impotencia del virrey.

Nada queda muy claro.

Algunos actores conocidos, Pedro Armendariz como el virrey, Arielle Dombasle como la virreina, igual de preciosista que siempre.

La película parece no llegar a ninguna conclusión. Podría haberse acabado mucho antes. O podría seguir todavía más. No esta claro.

Amor eterno (Jean-Pierre Jeunet , 2004 ) - 7/10

Un long dimanche de fiancailles es la producción más cara de toda la historia del cine francés. Que se llevó todos los Cesars . Con la imagen de la francesa para el extranjero (o sea Estados Unidos) : Audrey Tautou. Con tanto dinero y fama, la originalidad e ingenuidad de J-P Jeunet se pierden un poco.

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Adaptada de una novela de Sébastien Japrisot, uno de los maestros franceses del suspenso, la película narra la larga historia de la larga búsqueda (cinco años) de un soldado desaparecido, por su novia Mathilde.

La novela es magnifica, con una estructura en espiral que vuelve siempre a la escena inicial, el fatídico sábado 6 de enero de 1917 cuando cinco soldados, condenados a muerte por auto mutilación, son llevados a través la trinchera Bingo-Crépuscule para que los suelten en el nomansland entre las líneas francesa y alemana. Ejecución de bajo costo ya que permite ahorrar municiones. Esta escena es vista, vuelta a ver, corregida cada vez con las nuevas informaciones que Mathilde va obteniendo, en particular por medio de cartas.

Mathilde, obviamente, es interpretada por Audrey Tautou, coja en la película, paralizada de las piernas en la novela. Ayudada por Sylvain, un sirviente en la novela, un tío en la película. Interpretado por Dominique Pinon, uno de los actores fetiches de J-P Jeunet (Delicatessen,1991 Alien,la resurrección - 1997 ; Le fabuleux destin d’Amélie Poulain - 2000)

La película, como todas las adaptaciones, omite o transforma varios elementos, pero en general se puede considerar que es bastante fiel al espíritu de Japrisot. Sin embargo, el uso de la imagen obliga a sustituir las cartas, muy abundantes en la novela, por las escenas con personajes.

Una escenografía impresionante, con la reconstitución de los Pabellones de Baltard, magnifica estructura metálica construida bajo Napoleon III en las Halles de Paris (fueron destruidos en 1972, cuando se reubicó la central de abasto en Rungis, salvo el Numero ocho, de los huevos y las aves, transportado a las afueras de Paris. Cafés, bibliotecas son llenos de detalles. Hasta las trincheras. Todo explica en parte el alto costo de la producción.

Intervienen actores famosos, como Marion Cotillard (la sulfurosa y vengadora Tina) , Jodie Foster como Elodie Gordes. Obviamente estas actrices le gustan al público estadounidense. Recordemos que la producción esta a cargo de la Warner . También actores queridos de Jeunet : André Dussolier (fue la voz off en Amélie) como el abogado de la familla Pierre-Marie Rouvières y Ticky Holgado como el detective privado Gemain Pire.

¿Que es lo que hace el encanto de esta película a pesar de todo esta dinero exudando? El estilo, la firma Jeunet! La selección de colores : amarillo para Mathilde y el presente, ; azul para las trincheras y el pasado. Claramente esto nos remite a Amélie por una parte y, por el otro lado, a los dibujos de Jacques Tardi, en particular Putain de guerre , completamente en azul, que era, por cierto el color de los uniformes franceses.

Varios detalles recuerdan a Amélie : la caja de los recuerdos, la presentación de los gustos y costumbres de la joven, los trucos de pensamiento mágico : “si puedo contar hasta diez antes de que el tren entre al túnel, Manech (Gaspard Ulliel ) sigue vivo” la malicia y la nariz puntiaguda, una cierta forma de ver el mundo.... Otros vienen de Delicatessen : la mecánica complicada que Tina lleva bajo su vestido, con un sistema ingenioso de cordeles, es del mismo tipo que la maquina de suicidio de una inquilina del edificio loco.

Pero algunas imágenes son absolutamente magnificas, casi hyperrealistas , como las del faro, visto bajo todos los ángulos, hasta los más vertiginosos.

Muy divertido el guiño a Jacques Tati y su cartero de Jour de Fête (1949) , que frena su bicicleta con una vuelta en las piedritas del jardín , a pesar de los repetidos regaños de Sylvain.

Y la musica no esta sin recordar a la de Paths of Glory de Stanley Kubrick ( 1957 ) que trata el mismo tema de los juicios por automutilación.

Todos estos aspectos, al mismo tiempo traviesos e inocentes sobre un fondo serio y multireferencial, parecen como una visión de una Francia, romántica, tierna y sincera, al mismo tiempo que culta, fácil de vender .

American psycho ( Mary Harron., 2000) - 7.5/10

La angustiante historia del serial killer escondido atrás del yuppie seductor. Punto común entre los dos: la obsesión por las apariencias. Un thriller espeluznante y divertido. Una gran interpretación, un suspenso perfecto.

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Patrick Bateman, (Christian Bale), 27 años, guapo. Elegante, distinguido. Una imagen de portada de revista o de anuncio para perfume. Trabaja en un lujoso edificio de Wall Street. Rico, inteligente, como todos sus amigos. Inteligente, parece serlo, pero nunca lo vemos trabajando. Relaciones, bares, restaurantes, coche, chicas, es lo que vemos de él. Y sesiones extenuantes de ejercicios.

Pero Patrick es un desequilibrado esquizofrénico, psicópata asesino, torturador, antropófago,...
Sus amigos, tan falsos, y talvez tan inexistentes como sus crímenes. el único personaje que parece real parece ser el policía ,Wiliam Dafoe, y talvez su secretaria, hasta que entra a la vida personal y asesina de Patrick.

Una banda sonora muy interesante y adaptada a los humores del personaje.
Además la música intra-diegética se usa no solamente para definir el ambiente de la escena, sino también como argumento para contribuir a la caracterización de. Es notorio que, en sus encuentros con las chicas, al mismo tiempo que va preparando la escenografía, y les da instrucciones para el desarrollo del juego que plantea, les va dando toda una conferencia sobre el músico, las características de las piezas que están escuchando. Lo que dice es un texto de portada de disco. De la misma forma que, cunado se baña, nos explica que productos usa y sus propiedades.

Otras veces la música es típica de una escena de terror y nos permite identificar desde antes cuales son las intensiones del personaje. Burlándose así de los usos y costumbres de los cineastas. Lo que vuelve a lo mismo: la necesidad de actuar según un código preestablecido.

Belleza de las imágenes que, según las modas actuales, van al minimalismo. Muebles, ropa, comida. Toda la secuencia inicial en el restaurante con los platillos, sobre platos blancos, en porciones diminutas, pero dispuestas con arte. La cocina ya no es comida, es estética.

La yuxtaposición de varios temas en la misma imagen, cuando auditivo y visual se contradicen: gritos de la película porno, con abdominales obsesivos, con un plato de fruta: kiwi, fresas en primer plano. Culto para la imagen y obsesión.

Contraste entre las imágenes muy claras, luminosas de su departamento: grandes ventanales. Muebles blancos, paredes amplias vacías, y lo oscuro de las calles donde levanta sus victimas. Y sobre todo con la escena de confesión. Plano cercano, cara roja sudorosa, movimientos y expresiones descontroladas.

La obsesión por la imagen que uno proyecta: donde comer, como obtener una una mesa, el precio de los trajes, lo impecable del corte de la ropa, del corte de cabello, del rasurado. Y del cuerpo. Por eso la obsesividad de lo ejercicios. Siempre ser perfecto de acuerdo con lo que se espera de uno.

La escena maravillosa de las tarjetas de presentación con el análisis preciso de sus componentes: calidad del papel, tipo de fuente, tinta, disposición. Por que, como su nombre lo indica, la tarjeta presenta a su dueño. Da una imagen, exterior pero que sobrevive a la presencia física, que la transciende, y la vuelve eterna.

Obviamente, uno puede matar por eso.

Lo más divertido de eso siendo que, aparentemente, el hombre no mata a nadie. Todos estos crímenes son alucinaciones, deseos reprimidos. Escape a la presión de ser perfecto.

Por eso, a la secunda visión, la película resulta tan divertida. Ya no asusta. Claro que es una risa un poco particular, un poco torcida.

Breve encuentro (Alan Bridges, 1974) – 7.5/20

Una película lenta y sutil sobre una relación adultera intensa, pero que nunca será realizada. Con dos monstruos sagrados del cine en un papel totalmente inusitado. Toda en delicadeza, miradas y sentimientos retenidos, la película cuenta una historia que la nobleza de los personajes no deja nunca volverse sórdida.

Ficha IMDb

Anna (Sophia Loren) , una mujer de casi cuarenta años, italiana de origen, lleva una vida tranquila en una ciudad pequeña de Inglaterra con su esposo Graham (Jack Hedkey), sus dos hijos y la joven, Else ,que atiende la casa. Volviendo un día de su trabajo benévolo en la oficina de servicios sociales de la gran ciudad mas cercana, Winchester, la ayuda el Doctor Alec Harvey (Richard Burton) cuando una piedrita le entra al ojo. Después de un encuentro imprevisto la semana siguiente, a la hora del lunch, en el parque publico, se volverán a ver cada miércoles en la cafetería de la estación. Y, una plática llevando a la otra, un paseo llevando al otro, terminaran enamorándose. El día en que, finalmente, se encuentran en el departamento de un amigo del doctor, los interrumpe el regreso adelantado del dueño. Y la relación, que hubiera podido volverse habitual, y hasta evolucionar hasta un matrimonio con instalación en Nueva Zelanda, se terminará ahí.

Con la cafetería de la estación como punto focal, o, como lugar de encuentro y de separación los andenes donde se separan vidas y destinos, con largos paseos en el campo, la película nos muestra una pareja que casi nunca se toca, sin ningún abandono físico, que habla finalmente muy poco. Pero el talento del director y de los actores nos hace entender, en los silencios, las miradas y la intensidad de algunos movimientos, toda la fuerza del sentimiento que nace y va creciendo.

Las tomas de los andenes, con planos largos nos introducen a la mirada del que ve alejarse el ser amado. Y, en la escena final del adiós, la desdicha de la mujer, que llega demasiado tarde para ver el tren del que se va para siempre y para intercambiar una ultima mirada, toma vida en el furor de un tren Express que pasa a lo largo del andén a toda velocidad. A tal punto que, durante una fracción de segundo, pensamos en el suicidio de Anna Karenina. Pero solamente el pelo será agitado por la tormenta. Quedará una imagen inclinada del andén. Imagen subjetiva y simbólica de una mente a punto de derrumbarse, habiendo perdido todo punto de referencia.

Una película de la época de antes de las escenas de sexo. Pero tan intensa, si no es que más.

Anticristo (Lars von Trier-, 2009) - 9/10

La película escandalizó, por sus imágenes insoportables de sexo y violencia. Pero las reflexiones que contiene sobre las relaciones hombre-mujer van mucha más allá de simples apariencias escandalosas. Y algunas partes son de una belleza que deja sin aliento.

Ficha IMDb

Si uno se queda en nada más mirar las imágenes, se puede en efecto aceptar que son perturbadoras, intolerables, tal vez inaceptables, chocantes. A causa de todas estas escenas de sexo explicito, o de violencia, también muy explicita. Pero todas esta imágenes están relacionadas con una significación profunda que no remite a la cuestión primordial de la humanidad: la división entre los dos sexos, la separación entre el principio masculino y el femenino. Macho y hembra. Por cierto, los personajes no tienen identidad. Son EL y ELLA.

Y también nos remite a la culpabilidad. Al origen de la culpabilidad. La culpabilidad relacionada con la división de los sexos que constituye la historia del pecado original. Ya que, según la traición, es Eva la que es responsable de todos los males de la humanidad. Estamos ahí en la misma perspectiva que adopta por ejemplo Zola, que hace remontar la culpa original de sus personajes de los Rougon-Macquart hasta la primera mujer del linaje, la tía Dide, alcohólica, y que, en La Bestia humana, historia de este asesino de mujeres, predecesor de los serial-killers, explica la pulsión del personaje por esta culpa primaria de lo femenino.

Entonces, nos encontramos aquí frente al problema del concepto que los sexos, o los generos, tienen el uno del otro, o cada uno de si mismo. Según una división que nos fue transmitida por la tradición judeo-cristiana: lo natural, lo físico, lo sensual y por consecuencia lo sexual, pertenecen a la mujer. Lo intelectual, racional, y espiritual pertenecen al hombre. Así, Satán esta del lado de las mujeres ; Dios del lado de los hombres. En una división del mundo totalmente maniquea.

Esta dimensión femenina y feminista es por cierto reivindicada por algunos grupos feministas que quieren revalorizar lo propiamente femenino: parto, menstruación, amamantamiento….

La película remite obviamente a una dimensión histórica y teológica y, al mismo tiempo, con el tema de las brujas, estas mujeres ligadas a la naturaleza, en forma tradicional por el uso de las plantas, los filtros, por algunos cultos a las fuerzas naturales, o simplemente por el conocimiento de la naturaleza . Noches de luna llena, gatos y demás. También nos remite a los juicios que se hicieron a las brujas durante siglos, con todos los suplicios físicos que de ahí se derivaban. De ahí el ultimo tercio de la película cuando Ella le inflige a su esposo unos tormentos dignos de la Edad Media. O de los juicios, como en Dies Irae (1943) de Carl Dreyer, cineasta nórdico como Lars von Trier

Por otra parte, como ese era el tema de investigación de tesis de la mujer,vemos documentos medievales, grabados como los “juicios de Dios” : un individuo a quien se le ata una rueda y se le avienta al agua. Si se ahoga, es prueba de su culpabilidad. Si flota, es prueba de su inocencia y Dios le prestó ayuda y lo salvó.

Así, todos estos juicios en contra de mujeres, que fueron llevados por hombres, pueden ser considerados, en una perspectiva feminista, como un “gynocidio”, neologismo que pone en evidencia una voluntad masculina de deshacerse de toda esta fuerza vital que no entienden y que les escapa. Y, por ende, los asusta. Ya lo decía Simone de Beauvoir en El segundo sexo en 1949, explicitando la relación entre útero y histeria. Por cierto, la ciencia mostró a finales del siglo 19 que muchas de estas mujeres acusadas de brujería presentaban síntomas de histeria. Enfermedad mental después identificada y tratable.

El tema de la culpabilidad esta presente en el prologo con la muerte del niño. El niño muere mientras la pareja se deja llevar por el sexo, por el placer físico, por las pulsiones naturales. La mujer de la pareja, como Eva, sucumbe al pecado. (Por cierto, el bosque adonde se retira la pareja se llama Eden) . Pecado de gula cuando se trata de una manzana, de curiosidad cuando se trata de el fruto del árbol del conocimiento del bien y del mal, por consecuente de orgullo al atreverse a penetrar en el mundo intelectual y espiritual. Campo reservado al hombre.

La película de Lars von Trier tiene una imágenes de una belleza absolutamente extraordinaria, en particular en el prologo y el epilogo. Con slow-motion, blanco y negro, y la musica de Haendel. Y es totalmente sublime. Con la presencia de los tres mendigos, duelo, dolor y desesperación, en forma de pequeños juguetes, como soldaditos de plomo, que anuncian los temas y las partes de la película. Sentimientos negativos y culpabilidades son presencia del diablo. Dolor, angustia son presencia diabólica. Como lo daba a entender El rito, con Anhony Hopkins aunque en forma un poco caricaturesca y superficial.

Después del prologo, la película esta perfectamente bien estructurada en cuatro partes, cada una anunciada por una imagen titulo: duelo, dolor-el caos reina, desesperación – feminicidio, los tres mendigos.

Charlotte Gainsbourg, en una interceptación que la densuda no solo físicamente, sino emocionalmente, y la lleva al extremo del miedo, el odio, la soledad.

Se pueden identificar claramente influencias de Bergman, con este ambiente de naturaleza, de bosque, vivo, habitado un lugar de cuento habitado por poderes, fuerzas que el humano no ha sabido controlar. Por ejemplo, este magnificad escena donde el hombre despierta. Dejó su mano colgando al exterior de la ventana mientras dormía y, al despertarse, la ve cubierta de pequeños hongos que han creciendo sobre su piel. Un poco asquerosos, a decir verdad. O estos momentos donde se ve a los tres animales míticos: el ciervo, el zorro y el cuervo. (Tres : numero mágico, numero de cuento). El ciervo esta pariendo, el zorro se come las entrañas y el cuervo, el hombre no puede matarlo, no puede callarlo y sus gritos van a revelar a su mujer donde esta escondido. También estos momentos en que los ruidos del bosque, y el viento se levantan de repente, o cuando el árbol se llena de brazos y piernas de mujer, y se transforma en una mujer tentacular, que hace el amor con el hombre. Y de la cual no puede escapar. Y a la cual tiene que satisfacer. También vemos a Bergman en la mujer que ya no puede vivir con su naturaleza femenina y se mutila como en Gritos y susurros (1972)

La película esta dedicada a Tarkovski, director ruso del misterio, de la religión, del hechizo. Temas idénticas a los Anticristo.

En la última parte de la película, cuando la mujer recae, se entra a una película de terror. La escena en el cuarto de las herramientas nos hace prepararnos para lo peor como en un Stephen King (Misery por ejemplo) . Nos imaginamos que elle lo va a castrar. Lo que hace no esta mucho mejor. Pero el aumento de la tensión y la lógica interna del relato nos hacen anticipar este final como normal. Claro, la castración sería poco coherente ya que la mujer necesita del sexo del hombre para saciar su naturaleza. Y es su miedo al abandono lo que le hace aplicarle un tormento medieval: le ata la pierna a una piedra de molienda. Todos los objetos y herramientas del sufrimiento físico, del castigo, están presentes, con claras alusiones a las cámaras de tortura de las brujas.

Por cierto, se puede considerar la automutilación de la mujer como la única manera de escapar del poder del sexo sin hacerle daño a su esposo.

Algunos críticos han llegado a considerar la película como misógina. No estoy de acuerdo. Porque el esposo no lo cree nunca y trata sin cesar de detener a su esposa para que no caiga en este concepto de la mujer y de ella misma como un discípulo de Satán.

Para mencionar un aspecto anecdótico y como pista de extrañeza en la película: estas fotografías del niño, tomadas cuando estaba solo en el bosque con su madre. Tiene siempre los zapatos puestos al revés. El contrario, el revés es tradicionalmente signo satánico. Todos los cultos para el diablo eran cultos cristianos efectuados al revés. Fue error o distracción de la madre, provocando una deformación de los pies. Pero talvez, al mismo tiempo, ella estaba inconscientemente consagrando a su hijo al diablo. Lectura satánica de la película también aceptable.

Queda que esta película, con su fotografía ultrajante, excesiva en la belleza, en la fealdad, en el sexo, en la violencia, pone la fuerza de sus imágenes. Al servicio de la fuerza de la reflexión, y de la pregunta planteada. Aquí, no hay culpable, no hay inocente. Hay solamente la naturaleza humana, lugar de conflicto entre el bien y el mal.

Desconocido (Jaume Collet-Serra , 2011)-5.5/10

Unknown es un thriller entretenido, con buen ritmo y algunas vueltas de tuerca. Tantas que tal vez se vuelva inverosímil. Con un mensaje entre lo paranoico y lo ecológico. Basada en una novela de Didier Van Cauwelaert.

Ficha IMDb

El doctor botanista Martin Harris (Liam Neeson) vuela a Berlín con su esposa Liz (January Jones) para participar en un importante congreso donde conocerá al Doctor Leo Bressler (Sebastian Koch), eminente botanista alemán quien va a revelar al mundo un descubrimiento que cambiará la faz del mundo y las relaciones entre estados y grandes empresas. Al subirse al taxi en el aeropuerto, olvida su maletín, con los documentos para su presentación en el congreso y todos sus papeles de identidad. Ya sabemos que los científicos son unos despistados, pero ¿ a este punto? Al darse cuenta de su tontería cuando llegan a l hotel, decide volver, sin avisarle a su esposa. Ya son las ocho de la mañana, embotellamientos, camiones de entrega, accidente. El taxi, manejado por Gina (Diane Kruger) se cae al río y la conductora huye después de asegurarse que su cliente esta en las manos de los paramédicos.

Martin se despierta en el hospital después de cuatro días de coma, y poco a poco, viendo los noticieros, recuerda quién es y porque esta en Berlín. Se precipita al hotel. Pero su esposa no lo reconoce y su lugar esta ocupado por otro Dr Martin Harris. Haciendo como que vuelve al hospital, Martin se dedica a encontrar a la conductora del taxi, Gina, inmigrante ilegal de Bosnia, quien trabaja ahora en una cafetería. Ella, primero, se niega a ayudar. Martín acude a la cita que tenía con el Dr Bressler, y se encuentra otra vez con el otro Martín, que tiene exactamente las mismas informaciones sobre su vida que compartió con el científico alemán..

Ahora, pensamos que se trata de espionaje, que escucharon todas sus conversaciones telefónicas con el investigador. Total, Martín se desmaya, y se encuentra otra vez en el hospital donde una enfermera le da la tarjeta de alguien que lo pueda ayudar. Pero tratan de matarlo. Se salva (la pobre enfermera no corre con tanta suerte).

Llega con Herr Ernst Jurgen (Bruno Ganz) , ex-espía de la Stasi, feo, viejo, arrugado , pero con el ojo chispeante ante de inteligencia. Bajo su batuta experta, Martín encontrará su maletín, la presencia discreta pero recurrente de un príncipe árabe visionario ( Mido Hamada) y los motivos de la persecución: cuando se acabe el petróleo, la riqueza estará en los cultivos genéticamente modificados. Una libreta le da un código secreto para acceder a los documentos del profesor. Muchas complicaciones.

Momentos claves: el reencuentro de Martín con el Dr Rodney Cole (Frank Langella) , colega en la universidad , y conocido de Herr Jurgen. Cole finalmente resulta ser el maestro del juego quien entrenó a Martín, su “esposa” y su doble, porque todos son terroristas: están ahí para robar la invención del doctor alemán. Así que los recuerdos que veíamos de Martín con su esposa, y las fotos, son en realidad elementos de la preparación del gran golpe. Y la "esposa," cuando se vio sin esposo, llamó al de repuesto para poder seguir con el plan.

Ahora, ¿porque Herr Jurgen tiene que tomar el cianuro que tenía escondido en su cocina cuando llega el Dr Rosney? no entendí muy bien la relación con el maíz biológicamente modificado.

En resumidas cuentas, el espectador se deja llevar por el suspenso, una muy buena persecución en coche en las calles de Berlín, la intrusión violenta en el departamento de Gina con sus paredes de cartón, el juego entre las hipótesis : loco, enfermo, robo de identidad . Se disfruta la intervención de Diane Kruger (Bastardos sin gloria, Quentin Tarantino, 2009 ; La leyenda del tesoro perdido, Jon Turteltaub,2007 ) y de Bruno Gantz (La caida , Oliver Hirschbiegel, 2008 ,un inolvidable Hitler ; Der Baader Meinhof Komplex ,Horst Herold , 2004 ; El embajador del miedo, Jonathan Demme, 2004 ; Pan y tulipanes , Silvio Soldini, 2000)

Pero al final, uno recae sobre la tierra y se pregunta que relación había que llevara de una escena a otra, y porque todos hablaban tan bien inglés. Y uno se siente un poco defraudado y burlado en su inteligencia.

El discurso del rey ( Tom Hooper, 2010) - 8/10

Sobre un tema un poco extraño, la incapacidad de un príncipe para hablar en publico, The king’s speech logra captivar gracias a un juego de actores impecable.

Ficha IMDb

Colin Firth hace maravilla en esta papel de príncipe tieso acompañado por su esposa, en un juego de equilibrio entre la necesidad de ayuda, con la inferioridad que esto conlleva, y una postura natural aristócrata, o sea de superioridad. Príncipes antes que todo. O sea, por la voluntad de Dios, encima del resto de los mortales y de sus insignificantes problemas. En ningún momento lo olvidan. Por otra parte, su educación les ha amaestrado para el self control, nunca dejarse llevar o quejarse.

Referente a este tema, la película se deja caer en una explicación demasiado simplista: la elocución del príncipe Albert, futuro George VI, esta bloqueada a causa de la maldad de dos cómplices : el príncipe heredero , su hermano mayor quien, ayudado por la nana de los dos, le hizo la vida de cuadritos. Impedido para decir lo que le pasaba por el peso conjugado del hermano, la nana, los padres ausentes o distantes, la educación demasiado estricta, la joven victima inmovilizó sus cuerdas vocales. Un poco fácil. Y además rápidao . Como si un príncipe tan bien educado, tan reservado, fuera a hacerle confidencias a un plebeyo ,alguien de quien paga los servicios de maestro. Un inferior. Un hombre de baja condición.. Un hombre que ha visto su debilidad. Podíamos prescindir de esta psicología barata y de este momento de pathos, destinado a sacarle lágrimas al publico conmovido por las desgracias del pobre niño rico.

Queda que la observación del comportamiento de los príncipes, él y ella (Sarah Bonham Carter) es excelente, manteniendo perfectamente la distancia con la plebe, al mismo tiempo que dejan ver su deseo de parecer amables, pero sin dejar pensar que se están rebajando. De la misma forma, el príncipe de Galles, después Rey Edward VIII , superficial, mundano, y preocupado más por las fiestas y sus riquezas, y su vida amorosa que por el destino del gobierno y del país. esta interpretado con mucha fineza por Guy Pierce..

Frente a ellos, el profesor Lionel Logue (Geoffrey Rush) no tiene para nada ganas de ser respetuoso, pero sabe perfectamente que no logrará nada si no aparenta serlo. Sabiendo también que no obtendrá ningún resultado si no mantiene su autoridad y su superioridad sobre su alumno. Todo esto lleva a un continuo juego de poder, de gato y ratón, en el cual cada uno es al mismo tiempo dominado y dominador.

No nos olvidemos de los momentos cómicos. payasadas, contorsiones, insultos y groserías que se practican con gozo al mismo tiempo que con elegancia. British antes que todo. Uno se ablanda al mismo tiempo que se queda tieso.

Todo esto nos da una magnifica prestación actoral.

El desarrollo de la historia es sin embargo muy esperado. Lo pronunciará correctamente, este discurso que tanto lo angustia, nuestro rey que lleva a su pueblo a la guerra. Pero que gusto nos da verlo progresar, asistir a la preparación del ceremonial, verlo triunfar. Porque los queremos, a los dos, al maestro y al alumno. Y deseamos que tengan éxito.

El humor se encuentra también en la cámara. Subjetiva en varias escenas: horribles retratos gigantescos de los ancestros que nos miran desde arriba y nos aterrorizan, nos hacen sentir tan chiquitos. O grandes aberturas sobre este salón de clase, de labor, y a que finalmente se trata de una labor de parto, de hacer nacer un rey, una voz que se haga escuchar, donde los dos se agitan. Paredes estropeadas, amplio tapete.

Una película de autosuperación clásica, esperada. Pero tierna y soberbia.

Millenium 2 – La chica que soñaba con un cerillo y un galón de gasolina (Daniel Alfredson, 2009) - 4/10

Lejos de la primera película, esta secuela es un thriller sin consistencia, que no suscita ninguna expectativa en el espectador. Hasta Noomi Rapace ha perdido gran parte de su encanto.

Ficha IMDb

De la primera película, Los hombres que no amaban a las mujeres (Niels Arden Oplev, 2009), y de su ambiente negro frío, cautivante, implacable, ya no queda gran cosa.

La intriga en si ofrece poco interesante. Hay que probar la inocencia de Lisbeth Salander( Noomi Rapace), acusada de una serie de homicidios, y Mikael Blomkvist ( Michael Nyqvist), periodista de Millenium se emplea a esta tarea, más aun porque las victimas estaban de crucial importancia para una serie de artículos explosivos que la revista estaba a punto de publicar sobre unas redes de trata de personas, en las cuales se verían implicados unos políticos de alto nivel.

Cuando Lisbeth reaparece, esta bronceándose en una lujosa villa a la orilla de un mar lejano. Veremos una vez el famoso dragón tatuado sobre su espalda, en todo su esplendor, para darnos a entender que se trata de la misma chica que en el primer episodio. Porque en realidad, podríamos dudarlo. Ayer flaca, negra, cosida de piercings, maquillada en exceso, gótica - punk , aterradora. Hoy, peluca rubia, pelo largo, orejas tapadas, sin piercings. Hasta lleva una sudadera gris de un equipo estadounidense. Como todos. nosotros . Va a la tienda de la esquina para hacer sus compras y vuelve con sus bolsas. Como todos. nosotros . Vive en un magnifico departamento de grandes ventanales que tiene vista sobre Stockolm. Eso no es exactamente como todos nosotros .
Y su talento extraordinario para el hacking se resume ahora a ingresar a los correos de su tutor, y a mandar algunos mails discretos a Mikael.

La intriga acumula persecuciones, incendios, peleas con un hombre alto e insensible (tipo el gran hombre duro de los James Bond) y deducciones que hasta el espectador ya había hecho él solito.

Y nos explican con todas sus letras lo que ya habíamos entendido desde la primera película: el atentado al padre con gasolina y cerillo, las relaciones con el tutor. Por cierto, se incluyen partes del primer episodio, tal cual. Es cierto que vemos la confrontación final con el padre. Y el encuentro con el medio-hermano (la gran bruta insensible)

Ningún ritmo en esta películas. Ninguna imagen realmente interesante.

Solamente queda Naomi Rapace. Y Quien sabe. ¿Será verdaderamente ella?

El rito (Mikael Håfström, 2011) - 5 /10

Ni religiosa, ni de terror, sin interpretaciones que llamen la intención. Una tonta película de exorcismo.

Ficha IMDb

En la línea de Anthony Hopkins el terrorífico, muy lejos de Anthony Hopkins el inglés (The Remains of the Day (James Ivory – 1993), Howard’s end (James Ivory - 1992 ) o el magnifico Titus (Julie Taymor - 1999 ) cuyo ultimo avatar es la película de Woody Allen , You will meet a tall dark stranger, siguiendo a los Hanibal, , tenemos aquí una clásica película de exorcismo. Las alusiones al diablo hacen esperar escenas de terror con cuerpos torciéndose, con ojos en blanco, gritos, voces alteradas. Y nos las dan.

Por lo demás, se cuenta a manera de introducción la historia del personaje. Nos dicen que está inspirada de un hecho real: Michael Kovak( Colin O'Donoghue). un sacerdote que es ahora exorcista en Estados Unidos conoció a este exorcista en Roma. Su juventud, alusiones a su niñez, la muerte de su madre, la practica del embasamiento por su padre, la trampa que hace al inscribirse al seminario para escapar de la tradición familiar.

Con el personaje del profesor que piensa descubrir en él talentos para el sacerdocio y lo manda a Roma en un ultimo intento de conservarlo en el clérigo. Esperando que va a ser contagiado por el ambiente religioso de la capital italiana, rellena de sacerdotes y religiosas de todo el mundo que se agrupan alrededor del Vaticano. Que gravitan alrededor.

Con obviamente una tentativa- tentación de historia de amor. Con una linda periodista italiana..., Angeline (Alicia Braga)....

Y el aspecto teórico, teológico del exorcismo y el tema del diablo, presentado en un curso por el Padre Javier ( Ciarán Hinds ), en un anfiteatro moderno con micrófono , power-point, luces, teléfonos celulares.

Así , armado con algunos conocimientos teóricos, sobre los diversos demonios que asechan a los humanos, sobre lo que se debe o no hacer durante un exorcismo, sobre la meta final del exorcismo : obtener del demonio que revele su nombre , el joven futuro sacerdote va a ver al padre Lucas que vive en una casa medio abandonada, llena de gatos hambrientos . Asistimos a una primera sesión de exorcismo con una joven embarazada. A partir de ese momento, la historia de la joven será uno de los temas que se desarrollan durante la película.

De ahi en adelante, el futuro Padre a asistir a varias sesiones de exorcismo, con ella, también con un niño capaz de ver el porvenir….

Con caracteres de personajes muy sencillos, hasta simplistas. A excepción del propio padre Lucas, fino psicólogo, que sabe como actuar con sus pacientes. Pero el joven futuro sacerdote seguirá siendo un poco tontin, y la periodista es como se espera: joven bella, inteligente y un poco enamorada.

Unas bellas vistas de Roma, de lejos, toda color de rosa. Y sobre todo dentro del Vaticano, sus pasillos, escaleras, magnificas bibliotecas. Y la presentación de la casa del padre, deteriorada, húmeda, chorreante de agua, oscura, con decenas de gatos, la vieja moto desvencijada, la fuente casi viscosa. Y el interior de la casa, con las puertas que se azotan obviamente, bajo el soplo del demonio . Todo esto se transformará después del gran exorcismo , (casi al final de la película claro) , el exorcismo del padre Lucas mismo, que ha sido poseído después de la muerte de su paciente, y que el futuro-sacerdote-que-no-cree-en -los-demonios-pero-tiene - alucinaciones- va a exorcizar. Con éxito, no podía ser de otra forma. Después de esta gran escena, toda la casa amanecerá con flores, casi limpia, casi nueva, bajo un sol resplandeciente.

Una película casi sin diálogos, pero con muchos gritos. Con unas escenas de alucinaciones, algunas poéticas, como la nieve en el patio del hotel con el caballo. Con recuerdos de la infancia, de la madre muerta y embalsamada por el padre, del entierro de la madre bajo la nieve.

Pero, en resumidas cuentas, todo eso no da una verdadera película de terror, que nos asuste de verdad y nos haga agarrarnos de la butaca, ni una película con tema, o reflexión religiosa.

No queda gran cosa. Ni siquiera la interpretación de Anthony Hopkins.

Un despertar glorioso ( Roger Michell, 2010) - 3/10

Nada glorioso en Morning Glory , que presenta en segundo plano dos veteranos del cine, Harrison Ford y Diane Keaton, muy disminuidos ya , frente a una jovencita hiperactiva. Lleno de clichés.

Ficha IMDb

Todo es previsible en esta película, historia de una joven que quiere a fuerza hacerse un lugar en el mundo cerrado de la producción televisiva. Más precisamente en la televisión matutina, estas emisiones que mezclan información y distracción. Pensando probablemente que hay que llenar el tiempo de las señoras que no trabajan, y que, para que se quedan en casa, hay que idiotizarlas un poco.

Total, esta joven, bonita y llena de ambición Becky Fuller (Rachel Mc Adams) para mantener el rating, y por consiguiente, su puesto, va a acomodar de todas las formas posibles a la conductora estelar, Colleen Peck ( Diana Keaton) , y va a obligar al viejo Mike Pomeroy (¡como ha envejecido Harrison Ford , que lejos quedó Indiana Jones!) a volver y a trabajar las horas que le debe a la compañía. El viejo esta cansado, amargado, siempre de malas y no quiere rebajarse a hacer televisión de entretenimiento después de haber sido anfitrión de una emisión de informativa seria

Finalmente, pero eso ya lo sabíamos desde el principio, él se dejará ganar por el entusiasmo (es cierto que es comunicativo) de la jovencita, cooperará y hará, por su éxito, que la jovencita se quede con su trabajo. Volverá a caer a los brazos de Diane Keaton, con quien, ya lo habíamos adivinado, tuvo un romance en sus hermosos años (los de Harrisson Ford, porque Diane Keaton se mantiene hermosa).

Único punto agradable, el estilo de la jovencita: apenas maquillada, mal peinada, con vestuario practico, totalmente verosímil en este tipo de trabajo. Y su energía y buen humor, absolutamente incansables.

Los niños estan bien (Lisa Chodolenko , 2010) – 6.5/10

The kids are all right tiene como única originalidad, enorme por cierto, el hecho de que la pareja de padres de los nuños mencionados es una pareja homosexual. Por lo demás, es exactamente la misma historia que cualquier pareja que empieza a envejecer y cansarse.

Ficha IMDb

El interés de la película es meramente intelectual, hastad idactico Hasta se podría decir que es exterior a la propia narración. Se trata de probar que una pareja de lesbiana funciona exactamente igual que otra pareja y que los niños no sufren más que los que tienen padres heterosexuales.

Una vez dicho eso, se olvida muy rápido cualquier tipo de inventividad. Annette Benning est Nic, la más alta, pelo corto, la que tiene una profesión sólida. La otra, Jules (Julianne Moore) , lleva el pelo largo, es más frágil emocionalmente, y trata de reanudar una actividad profesional después de algunos años cuidando a los niños. Por cierto, escoge una actividad relacionada con el trabajo domestico: arreglo de jardines.

Según un esquema narrativo muy clásico, primero todo va bien en la familia. Papa (mama) trabaja mucho y bebe un poco. Un día llega la perturbación, introducida por la curiosidad del hijo, Laser ( Josh Hutcherson) hacia la identidad del donador de esperma que le sirvió de padre. Este padre biológico Paul (Mark Ruffalo) aparece y empieza una relación con cada uno: moto con la hija, Joni (Mia Wasilowska) , salidas de cuates con el hijo y consejo sobre como dejar a un amigo poco recomendable, jardinería y un poco más con la madre. De ahí adulterio, de ahí crisis matrimonial, noche sobre el sofá. Explicaciones . Rectificaciones. Perdón. Aceptación tal vez. No olvidemos lágrimas y gritos y recriminaciones.

Y cuando la hija mayor va a la universidad, reconciliación. ¡Que banal y esperado esta todo eso!

Amenizado con algunas palabras altisonantes y recuerdos nostálgicos de los años setenta. Ambiente californiano por supuesto: disfrutemos la buena comida, el vino , acordémonos de nuestra juventud baba-cool, o hippie, o lo que sea de cuando éramos jóvenes, hermosos, libres , rebeldes y sin obligaciones, y de las canciones que acompañaron nuestras noches felices.

Buenos actores, es cierto. Actrices sobre todo. Pero que no logran hacer de esta telenovela algo verdaderamente especial.

LOL (Lisa Azuelos, 2009) - 4/10

Tenemos ahí una película muy poco convincente. Sobre unos adolescentes de barrios ricos, cuyas únicas preocupaciones son ellos mismos, otra vez ellos mismos y nada más ellos mismos. A la pobreza de los caracteres corresponde la pobreza del guión, y hasta la de las interpretaciones.

Ficha IMDb

Aún el titulo, que quiere parecer moderno e inteligente (LOL es el acrónimo de Laughting Out Loud = muerto de la risa) no tiene mucho que ver que el contenido de la historia. Ya que ningún personaje se ríe realmente. Sin hablar del espectador, que tiene más bien una tendencia a dormirse.

Ni siquiera es el apodo que sus cuates le dan a Lola, el personaje central. La Lola en cuestión esta interpretada por Christa Theret, quien se ve un poco grande para cursar primer año de prepa. Pero, a decir verdad, con su entusiasmo para los estudios y su ritmo de trabajo, todo es posible.

Estamos entonces en la gratuidad total. Nada esta justificado en la historia contada. La representatividad de la película es bastante discutible: XVI a zona de Paris, o sea la más adinerada, Hermoso liceo con hermosas rejas doradas, departamento o casa de dos pisos. ¡En Paris! Una pequeña sociedad muy privilegiada. Mama , divorciada, es arquitecta y, visiblemente, se gana bien la vida.

Por otra parte, Mama (Sophie Marceau) se ve un poco jovencita para ser la madre de tal adolescente. Su comportamiento tampoco se ve muy responsable. Y al mismo tiempo un poco estúpido: fuma marihuana con sus amigos, cuando prohíbe a su hija tocar cualquier tipo de droga. Claro, puede haber un buen número de padres con la misma incoherencia. Pero ésta lo hace en su departamento, mientras su hija esta en su cuarto en el piso de arriba (haciendo lo mismo) ¿Nunca pensó que su queridísima hija podía bajar en cualquier momento y arruinarle la fiesta? Por cierto, papa viene cada noche a escondidas dormir con ella.

Ni siquiera mencionaremos la pobreza de las conversaciones y hasta de los intereses de estos jóvenes. Lo peor que le puede pasar a una película, no el la falta de interés demostrada por los personajes. Es la falta de interés que suscita en el espectador hacia los personajes, aún si son unos débiles mentales. Aquí, ningún sentido del humor, ni siquiera hablamos de ironía, o de critica. O de ternura. Todo esta enseñado en forma insípida, sin relieve, al primer nivel. Todas las escenas, la repartición de los papeles dentro del grupo de los jóvenes, en las interacciones entre jóvenes y adultos, todo ésta convenido, esperado.

El viaje a Inglaterra esta relleno con escenas triviales y casi estereotipadas. Un montaje paralelo para llorar entre la primera noche de amor de la hija, y, para la madre, la primera noche con un hombre que no sea el esposo.

Y un final acaramelado: el concierto en el cual el guitarrista genial toca para que su novia sea identificada por toda la bola (después de que el amigo de él, exnovio de ella, le haya dado su bendición a la nueva pareja, y así, ya no tengan que esconderse) y donde el padre del artista, llegado por azar, descubre el inmenso talento de su hijito. Sin olvidar, obviamente, el paseo idílico de la madre con su nuevo amante policía sobre el Sena iluminado, en un barco de la policía.

Se llora por menos.

Coco antes de Chanel (Anne Fontaine , 2009) -3.5/10

Una película totalmente inútil, poco interesante. Solamente unas lindas imágenes.

Ficha IMDb

Esta película retoma una idea que ya hemos visto: contar los orígenes de una persona famosa. Contar lo que pasó antes que esta persona se vuelva interesante. Tal vez para mostrarnos que la niñez de los famosos se parece a la de cualquiera. Y que cada espectador hubiera podido volverse tan importante como la persona de quien nos cuentan la vida. Es decir, para hacernos soñar por un momento, o hacernos entender que todos somos unos incapaces ya que nunca logramos que nos distingan.

Para acabar pronto, el relato de las infancias se ha vuelto imprescindible. ¿Será un azar ? pero todos han tenida infancias infelices. Y el principio de Coco se parece mucho a los principios de Piaf en La Môme (O. Dahan – 2007) : el campo, principios del siglo, pobreza y abandono. Educadas lejos de una familia. Después de la secuencia de introducción: abandono, infancia en el convento, vemos la secuencia de explicación del sobrenombre, Coco: titulo de una canción que Gabrielle y su hermana cantaban en una taberna para ganarse algo de dinero. Es también la introducción al sueño de las señoritas Chanel: trabajar en el music-hall.

Después de eso, tendremos la vida en un castillo con el primer amante. Y una relación de desprecio-estima-rebelión. Después, la relación sentimental con el adinerado hombre de negocios inglés. (¿Será coincidencia?, pero todos son ricos.) Y los primeros sombreros y los primeros intentos, fracasados, como cantante. Y terminaremos con la imagen clásica de “Mademoiselle” : telas lisas, líneas sencillas, cadenas doradas y vueltas de perlas. Para culminar en el traje sastre.

Un cúmulo de clichés, de trajes extraños que quieren enseñarnos la creatividad y audacia de Chanel desde su juventud, la mueca persistente de Audrey Tautou, que no nos ha probado hasta la fecha su talento como actriz y quien ha podido imponerse solamente gracias a la originalidad y frescura de las imágenes de Le fabuleux destin d’Amélie Poulain (Jean-Pierre Jeunet – 2000) .Talvez se pueda rescartar del desastre a Emmanuelle Devos y los magníficos sombreros anteriores a Chanel. Pero, ahí también, es muy difícil olvidar la fabulosa secuencia de las carreras en Ascot en My fair Lady (George Cukor – 1964)

Más allá de la vida (Clint Eastwood, 2011) - 8/10

Hereafter es una película aparentemente muy sencilla sobre una cuestión sensible. No impone ninguna respuesta, pone en escena a personajes que buscan con toda sinceridad y honestidad una respuesta a la pegunta crucial: ¿Hay algo después? Con un cuidado en los detalles y las permanentes referencias a la realidad de una vida normal. Sin valerse del patetismo.

Ficha IMDb

La película nos presenta las trayectorias de tres personajes solitarios. Probablemente porque se sienten en todo momento acompañados por la muerte. Uno es victima: Marie Lelay (Cécile de France), ya que estuvo muerta un momento durante un tsunami. El secundo, Georg Lonegan (Matt Damon) no acaba de entender a que puede ser útil su talento para hablar con los muertos, a parte de hacerle la vida imposible. El tercero, el pequeño inglés Marcus (FrankieMc Laren/ George Mc Laren) quiere ser amigo de la muerte para volver a encontrar a su hermano Jason, el alter ego que tomaba las decisiones en su lugar, en su juego de niños responsables de su madre.

Eastwood utiliza la actualidad en lo que tiene de dramático. Y como, en un instante, uno puede codearse con la muerte, la suya propia o la de los demás. Ser testigo o actor: el tsunami, las bombas en el metro de Londres. Por primera vez, una película estadounidenses en Francia esta hecha como una película francesa: actores, lugares (las instalaciones de France-Televisión), lengua, referencias y puntos de interés (Mitterrand con todas las alusiones que tal vez el ciudadano estadounidense promedio no entenderá).

Los personajes son gente como todos nosotros, sobre todo los papeles secundarios, con una naturaleza cotidiana, sin romantizarlos. Didier, el productor de televisión (Thierry Neuvic) es solo un poco sinvergüenza y padre poco convencido. Billy, el hermano de George, (Jay Mohr) solo un poco aprovechado. Los tutores de los niños, ni heroicos, ni malos. Los charlatanes son un poco deshonestos pero sin ser ostensiblemente ladrones. Todos los personajes están dentro de la normalidad. Salvo tal vez Melanie (Bryce Dallas Howard) cuya falta de fineza y delicadeza da miedo.

La película muestra una observación fina, pero como sin insistir, de una realidad social. Cena solitaria, relaciones patronato-sindicatos con el deseo de negociar para preservar a los que tienen obligaciones familiares, la clase nocturna de cocina a la cual asisten los solteros.

Un punto común a las tres historias puede ser la referencia a Dickens: el texto que George escucha cada noche, su retrato en su departamento como si fuera un miembro de la familia y son felicidad maravillada, casi infantil, cuando visita la casa del escritor en Londres. El pequeño Marcus es un personaje de Dickens, aun si las condiciones que denunciaba el autor del siglo diecinueve han cambiado mucho, y para mejor. Pero, como Oliver Twist, Marcus ha perdido a su familia y es colocado con una familia de tutores. Y los hijos de Didier el productor son la causa del accidente de Marie ya que ella había salido para comprarles los regalos en lugar de su padre quien prefería seguir durmiendo en el hotel.

También volvemos a encontrar unas constantes de la mano de Clint Eastwood: una musica muy discreta, una iluminación tenue, con una fuente de luz atrás de los personajes y que los deja en la sombra.

En esta película, la discreción es lo que impera: cada uno hace sus preguntas y trata, con sus humildes medios, de encontrar respuestas. Que le sirven a él. En ningún momento, Clint Eastwood nos obliga a creer en nada.

La gran juerga (Gérard Oury, 1966) - 6.5/10

La grande vadrouille es probablemente la película cómica la más famosa en Francia. Mantiene al espectador en la punta de la butaca durante más de dos horas con todos los tipos de cómico y un juego de oposición- complicidad entre dos grandes actores. La ocupación alemana vista con gracia.

Ficha IMDb

La película esta construida sobre un esquema muy sencillo: como hacer pasar a la zona libre tres aviadores que han bajado en paracaídas sobre Paris. en plena ocupación alemana. El relato nos lleva siguiendo a Mac Intosh (Mike Marshall, con los mismos ojos de un azul intenso de sus madre Michele Morgan), del bigotón rasurado Sir Reginald Brook (Terry Thomas) y del canadiense Peter Cunningham (Claudio Brook, actor mexicano que participó en varias películas de Buñuel), ayudados por Stanislas Lefort, conductor de orquestra en la Opera de paris (Louis de Funès) , de Augustin Bouvet , pintor de brocha gorda (Bourvil) y de la rubia Juliette (Marie Dubois) de quien Augustin se enamora obviamente. Con algunas complicidades a lo largó del camino, empezando por el grupo de la resistencia en la Opera, llevado por la voz profunda de Mephisto, ya que la obra en representación es el Fausto de Gounod.

Detrás de ellos, recorrimos Paris: Jardín de las Plantas, Baños turcos de la Mesquita, techos, sala, camerinos ,pasillos, escalera principal de la Opera, desagües, barrios de prostitución, estación de trenes Lyon, Guiñol de los Campos Elíseos. Hasta la Borgoña, con sus viñedos y los Hospicios de Beaune. Ahí tienen los aspectos turísticos de la Gran Juerga.

Obviamente, para hacer reír a todos los tipos de público, la película usa de un registro de cómico ligero: juegos de palabras sencillos, repeticiones, mímicas de Louis de Funès, escenas de quiproquo como la noche en el hotel. Pero lo que mejor funciona es la yuxtaposición de Bourvil y de Funès. Dos tipos diferentes de actores cómicos. Pero también dos representaciones sociales opuestas: el pequeño nervioso aristócrata egoísta, frente al alto, bondadoso, servicial hombre del pueblo, lleno de sentido común. Uno aprovechándose del otro, obviamente siempre el mismo.

No es necesario decir que, en este sentido de comedia, que busca todo salvo dramatizar las situaciones, todos los franceses son resistentes en el alma, y solidarios con los aviadores. Los alemanes están ridiculizados, cubiertos con pintura o con tierra, sus llantas son ponchadas y sus ojos son bizcos. Pero nada con maldad excesiva. Y el espíritu de la Francia inmortal se encarna en la persona de una joven religiosa, Sor Marie Odile (Andréa Parisy), bonita, inteligente, fuerte y audaz.

Ninguna segunda intención, ninguna critica, ninguna escarnio. Todo esta sencillo, límpido y hasta inocente. Una película de niños y para niños. O para adultos sencillos. Una buena película que se puede ver y volver a ver sin aburrirse nunca.

Mr. Klein (Joseph Losey, 1976) - 7/10

Una película muy angustiante. Por sus aspectos de misterio. Pero también por la angustia que destila. Sobre el horror que se esta preparando, a la escala de una nación, y hasta de un continente, como de un individuo. Esta película no esta sin recordar, guardando proporciones El huevo de la serpiente, (1977) de Ingmar Bergman. Se le otorgó el Cesar a la mejor película en 1977

Ficha IMDb

La película empieza por una escena al limite de lo insostenible (con la cual tal vez se inspiró Stanley Kubrick para su escena inicial de Full Metal Jacket (1987) : una mujer esta siendo examinada por un médico. Su cabeza en plano cercano esta siendo medida,tocada, volteada una y otra vez, manoseada, sin ningún cuidado ni respeto, como si fuera vulgar trozo de carne, por las dos manos del galeno, quien dicta su reporte al mismo tiempo. En vista de sus características físicas, esta mujer pertenece al grupo semita, y podrían por consecuencia ser armenia , judía o árabe. Las conclusiones del examen médico serán enviadas al la prefectura de policía. Y la sala de espera esta llena.

Esta escena nos pone inmediatamente en el ambiente del Paris de 1942. Ambiente que se nos presenta con fidelidad a todo lo largo de la película, con las colas de espera fuera de las tiendas, los cabarets, y la preparación de un estadio para lo que va a ser muy probablemente una gran concentración de personas.

El Señor Klein, coleccionista rico (Alain Delon) es visto por primera vez en forma indirecta mientras vemos a su novia ocupada en la recamara y en el cuarto de baño. Lo oímos en voz off llevar una negociación sin piedad para comprarle a un hombre (Jean Bouise) ,que se ve en la obligación de irse, una pintura al más bajo precio. Al despedirse del hombre, encuentra sobre el tapete de la entrada un periodico judío.

A partir de ese momento, Robert Klein se verá arrastrado sobre las huellas del otro Señor Klein, él que le hizo la broma de dar su dirección a una publicación judía. Para quedar en la sombra para seguir haciendo sus opraciones turbias., necesita deshacer de esta sombra molesta,.Klein va a quejarse a las oficinas del periódico, donde se le informa que la liste de los suscriptores esta en manos de la policía. Obstinado en su miedo y su buena consciencia de no-judío, comete un error fatal: se va a quejar a la prefectura de policía. Y de ahí, la maquina se pone en marcha, en el universo kafkaiano de la administración de Vichy que esta a la búsqueda de cualquier dato sospechoso. Klein se ha vuelto una mancha que debe desaparecer.

Pero él también, como en una película fantástica, o policiaca, se obsesiona con esta doble cuya existencia ignoraba. Al día siguiente, encontrará el domicilio sórdido del otro y, llamado por una carta misteriosa, llegará a un castillo en medio del campo, cuyos habitantes, entre los cuales Florence, la amante del otro Klein (Jeanne Moreau) parecen vivir en una época pasada, o en un sueño . Notable visión en cámara subjetiva siguiendo la miada de Klein, miradas al mayordomo a quien sigue en los pasillos, sobre las paredes donde las manchas revelan las pinturas vendidas.

Y, poco a poco, Klein el magnifico, el rico, el superior, el seductor, el implacable en los negocios, va a verse atrapado en una telaraña abominable, siguiendo una progresión irreversible, en imágenes cada vez más grises. Su apellido alsaciano es propicio al error y la dificultad para encontrar el acta de nacimiento de su segundo abuelo (ya tiene de sus dos abuelas y de un abuelo) lo pone en una situación muy delicada. (Ahí, un error de Losey lo lleva a enseñar los viajes entre Paris y Estrasburgo como fáciles cuando en la realidad Alsacia era territorio anexado por Alemania).

Perseguido por la policía, él persigue al otro Monsieur Klein y las personas que talvez estén o hayan estado en contacto con él. Pero todos se esconden, todos usan nombres falsos. Él también llega a hacerlo. Y, para huir de Paris, usa documentos falsos. Pero, en el ultimo momento, vuelve, como empujado por una fuerza interior, por la necesidad apremiante de conocer la verdad sobre el otro aspecto de si mismo. O sobre si mismo. ¿El día en que un misterioso perro lo sigue como si fuera su amo cuando vuelve a su casa vaciada por la policía, no se ha ya transformado en el otro?

Y, con toda la lógica que él mismo ha puesto en marcha, acabará en la gran redada del Velódromo de Invierno, el 16 de julio de 1942, (otro error de Losey que viste sus personajes con abrigos) cuyas etapas de la meticulosa preparación el director nos sembró a lo largo de la película. Cumbre de lo absurdo, él que lleva un nombre que podría ser judío pero no lo es, se verá embarcado, empujado por la multitud, o dejándose empujar por la multitud. Mientras su abogado (Michel Lonsdale) está parado sobre las gradas, con el famoso acta de nacimiento del segundo abuelo. Y El señor Klein subirá al tren. No muy lejos del hombre a quien le había comprado su pintura a muy bajo precio. Y probablemente no esta muy lejos tampoco del resistente que había utilizado su nombre apara esconderse y que fue arrestado después de un atentado.