Guillermo del Toro’s Pinocchio (Guillermo del Toro,2022) -10/10

Nueva versión del cuento tan conocido, adaptado e interpretado. En una técnica de animación particularmente exigente. Nostálgico y diferente, con un encanto especial.

Ficha IMDb

En la Italia de la Primera Guerra Mundial, un carpintero viudo, Geppetto (David Bradley) pierde a su hijo de diez años Carlo (Gregory Mann) en el bombardeo absurdo (para liberar peso) de la iglesia en la cual esculpía un crucifijo. Tal injusticia, tal crueldad de parte de Dios lo llena no solo de tristeza sino de rabia, de incomprensión. Se pierde en el alcohol, está dispuesto a renunciar a esta vida sin sentido ni belleza. Si ira lo lleva a cortar el pino que da sombra a la tumba de Carlo pero su oficio es más fuerte y se sorprende a si mismo fabricando como un nuevo Dr Frankenstein un muñeco de madera, recuerdo distante de la presencia de su hijo. Todo eso es muy realista, normal. 

El cuento fantástico empieza cuando una pequeña criatura parlanchina, que vivía en el pino, llega y se mete en la vida de Geppetto. Sebastian J. Cricke (Ewan McGregor) es un grillo escritor decidido a escribir sus memorias, Stridulaciones de mi juventud, se compromete a ser el tutor del muñeco-niño si el espíritu de los bosques (Tilda Swanton) acepta dar a este características humanas. Por cierto, a cada mentira que pronuncie el niño, su nariz crecerá un poco.

Son los años treinta, tiempo del fascismo de Mussolini El nuevo niño entra al mundo con preguntas y curiosidades inocentes, de estas que ponen los adultos a pensar. La escuela, la religión, los sentimientos, todo le parece extraño. Obedecer es para él un comportamiento extraño, hasta incomprensible, al mismo tiempo que desea ser un hijo amado como lo fue Carlo, el hijo perfecto. Sueña con la libertad, incapaz de entender la tristeza que puede causar en personas con sentimientos, el que tiene solamente cuerpo y cabeza de madera. Pero los peligros acechan.

Por un lado, el movimiento fascista necesita carne de canon, Podesta (Ron Perlman) quiere reclutar a Pinocho como recluta a todos los jóvenes, como su hijo Candelwick ( Finn Wolhard) prometiendoles el orgullo de defender a su patria y su Ducce, que Pinocchio confunde con un caramelo, un “Dolce”

Por el otro lado, están las fuerzas del dinero en la persona de un director de circo, el conde Volpe (Christoph Waltz , y su asistente el mono Spazzatura (Cate Blanchett) ve en el muñeco viviente la perfecta atracción para su negocio en casi bancarrota, prometiendo al nuevo artista darle parte de las ganancias, lo que obviamente nunca hace.

Después de búsquedas, persecuciones, viajes, después de escuchar frases reveladoras y conocer gente, cada uno entenderá la importancia de los demás. Después de varias muertes pobladas de conejos negros jugadores de cartas (Tim Blake Nelson) y de encuentros con un ángel de la muerte de cabellos turquesa (Cate Blanchett), muy parecida a la criatura del Laberinto del fauno (2006). Decidirán vivir juntos hasta el final, aceptando las reglas de la vida humana, con sus tristezas y sus felicidades.

Del Toro realizó con la ayuda de Mark Gustafson, quien dirigió la animación de Fantastic Mr Fox (Wes Anderson - 2009) y de muchísimas manos artistas un mundo chiquito lleno de bondad, de nostalgias, de alegrías simples et de penas profundas. No es un mundo feliz, es un mundo que se parece al verdadero, sobre todo en tiempos de tiranías políticas y monetarias. Es un mundo de soledad, de una profunda injusticia, la que ataca a los más pobres y solitarios. La animación stop motion es una técnica artesanal que consiste a mover los personajes y elementos del entorno cuadro por cuadro. Es un poco como cuando jugábamos con nuestras muñecas y muñecos y los poníamos en escena en un guión que nosotros inventábamos. Se necesita mucho tiempo, mucha meticulosidad.

El ritmo de la narración se resiente de la insistencia sobre lo importante que es la muerte, la pérdida, la ausencia de un ser querido. La primera parte de la película, que corresponde a los momentos felices de la vida de Geppetto y Carlo, seguidos de la tristeza inseparable del padre, sumido en sus recuerdos, se siente muy larga, creando una espera no satisfecha. ¿Cuándo aparecerá Pinocchio? Su nacimiento es un momento doloroso, violento, más una revancha contra el destino que un actor creador o artesanal.

En el mundo de Geppetto, la familia es el grupo de los que se aman y se apoyan mutuamente, de la edad que sea, con la apariencia y los talentos, cualidades o defectos que tengan. Los que deciden cuidarse porque saben que el mundo exterior es amenazante y que no hay que esperar mucho de Dios o de cualquier voluntad suprema.

Y cuidado con las figuras paternales, no todas son buenas, un padre fanático políticamente como Podesta lleva a su hijo a la misma obediencia ciega que él mismo ejerce. Un jefe de estado o de partido como El Ducce puede llevar a su pueblo a la muerte. Un empresario abusivo como el conde Volpe lleva a la esclavitud. Frente a todos estos, la desobediencia consciente es la única respuesta válida.

Los actores son perfectos, las voces justas, los acentos impecables. Música y canciones de Alexandre Desplat no intervienen para presentar intermedios musicales. Surgen en forma natural cuando la narración así lo pide. El detalle de los personajes de madera, tela y piel y de todos los elementos diminutos de las casas, los espacios interiores y exteriores es absolutamente extraordinario. La proeza de la animación en stop motion deja al espectador adulto mudo de admiración, lo que tal vez los niños no podrán apreciar. Y finalmente, la historia de Pinocchio es la de un muñeco de madera. Al fabricar sus criaturitas de madera, Del Toro fue el más fiel de los adaptadores. 

¿Película para niños o para adultos? El Pinocho de Del Toro está muy lejos del muñequito dibujado de Walt Disney (Pinocchio -1940). ¿Qué decir de la versión live action que quisieron hacer recientemente con Tom Hanks (Pinocchio - Robert Zemeckis - 2022) que pasó totalmente desaparecida? La novela de Carlo Collodi (1883) ha sido adaptada tantas veces que bien podría ser una buena idea leerla. Por cierto, en italiano Pinocchio significa “ojo de pino”, el muñeco está hecho en pino y del Toro muestra claramente que Geppetto fabrica el muñeco cortando el pino debajo del cual está enterrado su hijo.

Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades (Alejandro González Iñárritu, 2022) - 8.5 /10

 

La última película de Iñárritu se parece mucho a un testamento, una recapitulación casi ordenada de momentos y preocupaciones de toda una vida. Onírica, fantástica, a veces muy realista, una cinta que plantea problemas existenciales pero a veces los resuelve en una forma muy simplista. Todo con una extraordinaria belleza de las imágenes.

Ficha IMDb

Una sombra trata desesperadamente elevarse sobre el desierto de la frontera entre México y Estados-Unidos. Después de varios intentos, por fin lo logra. Un hombre se duerme en el metro de Los Ángeles, en dirección a Santa Bárbara, suelta la bolsita que contiene dos ajolotes, esos extraños animales acuáticos endémicos de la zona de Xochimilco en Ciudad de México. El vagón se llena de agua…

Y empieza el viaje de regreso del periodista y documentalista Silverio Gama (Daniel Giménez cacho) a México para asistir a una celebración que le hacen sus amigos y colegas, examigos, excolegas, o secretos enemigos, para festejar el premio otorgado por la Asociación americana de periodistas, debido a un documental realizado sobre los inmigrantes camino a Estados Unidos. Después de recuerdos del parto fallido de su esposa Lucia (Griselda Siciliani) y discusiones con Lorenzo (Iker Sanchez Solano), el hijo que no quiere hablar español porque se siente estadounidense y vive como estadounidense, una cita en el Castillo de Chapultepec con el embajador Jones de Estados Unidos (Jay O. Sanders) lanza a Silverio en medio de los ensayos para una representación de la batalla de Chapultepec y del episodio mitificado del sacrificio de los Niños Héroes que se lanzaron de lo alto del castillo durante la intervención gringa en 1847. ¿Cómo un país escribe su propia historia? ¿Cómo se han construido México y Estados Unidos a lo largo de siglos vividos juntos? De ahí, el hombre famoso va a una entrevista televisiva con el periodista Luis (Edison Ruiz), que comenzó su carrera al mismo tiempo pero se quedó atrás en el camino al éxito. Silverio, presa de las dudas y del síndrome del impostor no logra hablar: su boca queda literalmente pegada. Una inmensa fiesta en el Fandango Dancing Club reúne a todos los conocidos, hasta su hija Camila (Ximena Lamadrid) que viajó a propósito desde Estados Unidos. Gran discusión intelectual y argumentativa en una terraza con Antonio, llena de falsa buena conciencia sobre las concesiones con el mundo bonito del dinero, el poder, la imagen. Baile loco, poseído, bajo influencia de la felicidad, la nostalgia o la tristeza. En el baño, Silverio se encuentra con su padre, Martin (Andrés Almeida) muerto ya hace varios años y se vuelve más chiquito frente a la inmensa personalidad paterna, sin embargo, según dice él, sometido al amor por la madre del chiquito.

De ahí se vuelve obligatoria una visita a la madre, Lucero (Mar Carrera) sola en su viejo departamento en el centro de la ciudad. Al salir al amanecer, Silverio se encuentra unas calles desérticas que se van poblando poco a poco con gente que cae muerta. El final del caminar es obviamente el Zócalo donde se apilan los muertos en una interminable pirámide humana que escala Silverio, hasta llegar al responsable, Hernán Cortes ( Ivan Massagué) con quien entabla un debate para definir si el aporte del colonizador español fue más benéfico que destructivo, en una repetición de argumentos básicos y simplones. Pero todo era el rodaje de una película para un director “muy chingón”.

Viaje de vacaciones a Los Cabos, estancia en la suntuosa casa de playa prestada por un amigo. Los dos hijos han venido y se puede por fin proceder a una ceremonia de despido de las cenizas del bebe que falleció al nacer.

Por fin, la familia puede volver a Santa Mónica, después de unos problemas de xenofobia de parte de un oficial latino de Migración. El relato por Lorenzo el hijo de la muerte de los dos ajolotes que llevó en secreto en su maleta cuando la familia se mudó por primera vez, incita a Silverio a ir a comprarle unos nuevos. Y se cierra el circulo : Silverio vive sus ultimas horas en una cama de hospital. Un ataque al cerebro lo mantiene en coma. 

Todo el viaje y los encuentros fueron los últimos pensamientos, perfectamente ordenados cronológicamente, de una mente que recapitula recuerdos, los transforma, antes que el alma pueda emprender su vuelo. Así se explican las extrañezas, los delirios, las transformaciones, el sistema de asociaciones libres como en los sueños.

La mente antes de apagarse necesita dar significado a lo que fue una sucesión de momentos. Necesita contestar la pregunta fundamental de cualquier ser humano : ¿Quien soy? En todos los papeles que se tuvieron que desempeñar : hijo, padre, esposo, profesional. La cuestión de la identidad se vuelve aun más angustiante para los que viven entre dos nacionalidades, cómo se perciben ellos y cómo los perciben los demás. Es también la pegunta de los pueblos que un día fueron colonizados y sometidos a un sistema de valores extranjero, del cual después se liberaron para creer una nueva identidad, independiente en su construcción de una nueva nación pero tan dependiente de sus dos elementos de origen, la “natural” y la impuesta. ¿Qué es un mexicano, entre español y mexica? ¿Qué es un inmigrante, entre su país de origen y su país de vida? ¿Quién es el que se fue a vivir a otro país y regresa?

Pero también quién soy como suma de mis papeles en la vida : ¿Qué padre fui? ¿Qué hijo fui? ¿Qué esposo fui? ¿Qué pensaron los demás de mí? ¿Tengo derecho a hablar en nombre de mis conciudadanos? ¿Los represento o soy otro espectador exterior? 

El alma en su doloroso viaje camino a la luz u oscuridad eterna, busca el alivio . Silverio en su viaje delirante de vuelta a sus orígenes como individuo y como miembro de un pueblo, busca respuestas en encuentros y diálogos. Trata de imponer un orden intelectual de razonamiento. Sus afirmaciones a veces parecen sensatas, otras veces sumamente fáciles y previsibles, repetidas tantas veces que ya son vacías como el dialogo que pretende ser intelectual con Cortes. El incidente en el puesto de Migración nutrido de generalizaciones estúpidas tan frecuentes es un ejemplo de realismo que viene perturbar la llegada onírica de los soldados de Chapultepec. El diálogo con Camila la hija sobre las diferencias entre las percepciones de seguridad entre México y Estados Unidos es tan simplista y lleno de clichés que se perdona solo por la belleza de la imagen.

Lo que salva la película, además de las buenas intenciones de la búsqueda personal, es la belleza de la fotografía, el sabio uso de los colores, de los encuadres, los planos secuencia,  un gran uso del gran angular, por el fotógrafo Darius Khondji quien hizo, entre otras cosas, dos pequeñas joyas: Delicatessen (Marc Caro, Jean-Pierre Jeunet - 1991) y Uncut Gems (Josh y Benny Safdie - 2019). La presencia, simple y sencillamente de la Ciudad de México, tan hermosamente extraña, o tan extrañamente bella, casi siempre llena de gente, fuera del tiempo porque es la superposición de todos los tiempos. Sobre ese fondo barroco, complicado, la actuación de Daniel Giménez Cacho es extraordinaria. Lleva dentro de sí todas las pasiones, los conflictos, las preguntas, los amores y los odios, así como todas las justificaciones de la mala fe. Lo saca todo en un ejercicio digno del Actor’s Studio. Es un gran papel par el actor que sabe entregarse al máximo, sin reservas. 

Fotografía, actuación y diálogos convergen para construir una película larga, grandilocuente, barroca que maneja temas filosóficos en un tono individualista y mayormente de resentimiento y condescendencia. No hay nada zen o budista en esta cinta. Todo lo contrario, esta alma se retuerce y se niega a la acepción y la paz. 

Por cierto, la palabra clave del título “bardo” puede tener dos significados : un poeta ambulante de la antigua Europa, o, en el budismo tibetano, el estado intermedio o transicional del espíritu entre la muerte y la siguiente reencarnación. La primera acepción nos daría a entender que Silverio (o Iñárritu) se ve como un poeta o al menos alguien que cuenta historias. La segunda nos recordaría otra película del director, 21 gramos (2003), el peso que pierde el cuerpo al morir, el peso del alma. 

He nacido, pero… (Yasusjiro Ozu, 1932) - 8.5 /10

De las primeras películas del genio japonés, todavía en blanco y negro y muda. Pero ya con los temas que desarrollará en toda su carrera : familia, nostalgia, expectativas frustradas. Y con la belleza de las imágenes.

Ficha IMDb

La familia Yoshi se muda a una ciudad de provincia para que el padre, Kennosuke (Tatsuo Saito) pueda mantener su empleo. Todos tienen que adaptarse a una nueva vida.

Después de momentos difíciles, los dos niños, Keiji (Tomio Aoki) y Ryoichi (Hideo Sugawara), se hacen de nuevos amigos con quienes comparten bromas, juegos, asistencia irregular a la escuela. Un día, en una reunión con los colegas de su padre y sus familias, descubren en películas de cine doméstico que Kennosuke hace el bufón par divertir a su jefe Iwasaki (Takeshi  Sakamoto) y sus amigos para ser aceptado en el grupo. Eso los perturba mucho, sintiendo que el padre autoritario que conocen es en realidad una persona insignificante y deciden dejar de comer para no provocar gastos a la familia y que el padre se siente libre de perder su trabajo. Su madre Haha (Mitsuko Yoshikawa) sabe como hacerlos cambiar de idea con un platillo dulce. 

La reconciliación de los hijos con el padre culmina cuando los chiquillos lo instan a subirse al coche del jefe, mientras ellos se reconcilian con Taro ((Selichi Kato), hijo del propio Iwawaski y compañero de clase.

En esta película de sus principios, Ozu ya plantea lo que será siempre su línea directriz: la vida cotidiana puede ser tema para una obra de arte. Observar, entender, compadecer, reírse son momentos claves aunque parezcan triviales. Ponerse al nivel de la vida cotidiana significa unas adaptaciones técnicas, como poner su cámara al ras de tierra, a la altura de los tatamis en los cuales se come, se toma el te, se platica, o se duerme. También significa seguir el ritmo de las actividades diarias.

La cinta muestra muy bien los juegos de poder, idénticos a pesar de las edades. Hay abusivos y sumisos en todos los círculos sociales y a todas las etapas de la vida. Hay que luchar para ser reconocido y aceptado. Hay que fingir, hay que soportar, hay que sacrificar. La película lo muestra sin sacar conclusiones pesimistas. Así es la vida. 

A pesar de los avances tecnológicos, que Ozu integrará siempre más tarde que sus colegas, la posición del director siempre será la misma: observar las crisis, contemplar como la gente hace para solucionar con calma los problemas que se presentan y cuando se presentan. Con serenidad, a la dimensión humana. A lo largo de 54 películas, entre 1927 y 1963.

El tono de He nacido pero… es más de comedia, con las travesías de los niños, su impertinencia natural que resuelve a su manera los mismos conflictos que los adultos. Los dos mundos se van desarrollando en paralelo al mismo tempo que se unen por un lazo afectivo muy fuerte aunque no expresado por palabras o gestos. A la usanza japonesa, no se necesitan grandes demostraciones exteriores para transmitir las emociones. 

El par de niños de esta cinta anuncia una serie de hermanos en las películas siguientes (Buenos días – 1959) con las mismas características: caprichosos, exigentes, respondones, desobedientes, egoístas, pero antes que todo solidarios. Merecen cachetadas y castigos, lejos de la imagen que tenemos en occidente del alumno aplicado en su uniforme impecable. 

Ya están presentes los trenes que pasan a lo lejos, marcando el paso del tiempo, las líneas de ropa colgada afuera, secando al ritmo del viento, las puertas que se deslizan, Movimientos suaves, casi en silencio: es la vida que pasa. 

Una familia de tantas (Alejandro Galindo, 1948 ) – 8/10

Considerada como la mejor película mexicana y como una de las mejores en el mundo, la cinta de Galindo denuncia el patriarcado autoritario tal y como se vivía en los años postguerra, cuando la modernidad estadounidense empezaba a hacerse presente en México. Empezaría poco a poco a ser cuestionado, sin, en realidad, desaparecer totalmente. 

Ficha IMDb

La familia Cataño se parece a tantas familias mexicanas de clase media acomodada : viven en una bonita casa de la colonia Juárez, en la capital. La mamá no trabaja, el esposo toma todas las decisiones, administra el dinero y el tiempo de todos. La película no dice nada explícitamente del contexto político ni social, la familia vive en su pequeña caverna confortable. Pero en esos años, bajo la presidencia de Miguel Alemán, del PRI, avanza la industrialización a costa de los trabajadores y de los sindicatos, siguiendo una línea anticomunista impuesta por los Estados Unidos, que imponen también su visión de la modernización de la vida cotidiana, basada sobre la adquisición bienes de consumo.  

Desde la primera escena, a las siete y media de un día de semana, se plantea el ambiente : la palabra más pronunciada en los primeros 10 minutos es “Mi papa” “Papacito”. Las tres chicas deben apresurarse a ocupar el cuarto de baño, apretadas entre el tiempo qué pasa ahí el hermano mayor Héctor (Felipe de Alba) y el momento en que Don Rodrigo, el padre (Fernando Soler), querrá entrar. La mamá, Gracia (Eugenia Galindo), ya está ocupada abajo preparando el desayuno, con la ayuda de la sirvienta Guadalupe (Enriqueta Reza), de edad indeterminada. Ese tiempo en común permite la presentación de todos : Héctor trabaja como contador en la misma empresa que su padre; la hija mayor, Estela (Isabel del Puerto) trabaja en una oficina de su tío y tiene un novio, Leopoldo (Manuel de la Vega), que viene a verla después de la cena, con tiempo limitado; la segunda hija, María Eugenia, “Maru” de cariño (Martha Roth) se queda en casa para ayudar al quehacer; la más pequeña, Lupita (Alma Delia Fuentes), va a la escuela y el más chiquito todavía no está escolarizado. Esta cotidianidad va a ser pronto interrumpida por el aniversario 15 de Maru, evento para el cual ya tiene los zapatos. Fecha sumamente importante para una adolescente mexicana : como se lo repiten todos, a partir de ese día, será una mujer. 

Mientras tanto, un día normal empieza. Pero la rutina se ve interrumpida por la visita insistente de un vendedor de aspiradoras, Roberto del Hierro (David Silva): eficiencia, facilidad, la máquina puede transformar la vida de Maru y su mamá. Después de una breve demostración que permite recuperar objetos perdidos en el fondo del sofá, del Hierro deja su aparato y anuncia su visita a las 9 de la noche para hablar con el señor de la casa, el cual es el único que puede tomar una decisión. Tratando la compra de “la máquina” como un asunto de alta política, Don Rodrigo acaba cediendo, “para que lo dejen en paz”. 

La gran fiesta de cumpleaños de Maru tiene por fin lugar, en medio de invitados selectos, escogidos por el padre según las buenas costumbres: Roberto del Hierro no ha sido invitado a pesar de la solicitud de la joven. La velada tiene dos momentos simbólicos : el vals que la quinceañera baila con su padre, primera aparición en público y entrega al mercado matrimonial, seguido por el discurso paterno antes de partir el pastel. Este paso a la adultez le da al padre la oportunidad de expresar públicamente sus principios de educación moral y su concepto del rol femenino : de su hija Maru, espera que sea “pura, pudorosa y cristiana” La reunión es también ocasión de poner en marcha su plan de casamiento para Maru: el primo Ricardo (Carlos Riquelme)  proveniente de un rancho algodonero y con la ventaja de una pequeña fortuna es invitado a la fiesta, recibido con toda deferencia y altamente recomendado a los buenos tratos de la quinceañera. Ricardo no tienen nada para gustarle a un joven soñador, en contraste con la fuerte atracción que Estela y Leopoldo deben esconder y reprimir en todo momento.

Héctor por su parte aprovechó un día de campo para propasarse con su novia Hilda (Nora Verván). Un embarazo no deseado lo hunde en la depresión de la cual lo salva su padre al recibir la joven madre y el recién nacido en su casa. Sin embargo, y mientras se multiplican las ocasiones para que Maru conviva con su primo provinciano, Estela es vigilada de cerca. Sorprendida una noche besándose con su novio, es violentamente golpeada por su padre y decide dejar la casa. Maru, que no quiere seguir el ejemplo ni de su hermana, ni de su cuñada, logra encontrar un camino medio : se casará con Roberto, después de varios encuentros furtivos, con la bendición de su madre, de blanco, en la iglesia, recibida a brazos abiertos por la madre de su novio. Pero sin una mirada ni una palabra de su padre. 

El final de la película, primera escena en exteriores de día, con una luz que bien podría ser la luz de la razón, significa el punto final a la derrota masculina y paternal : Estela se fugó en secreto, Maru se casó sin la bendiciendo su padre, Gracia la madre se queda pero ya no se deja y toma la defensa de los pequeños, con amor, razón y empatía. Se acabó el poder dictatorial masculino. 

Toda la película se desarrolla en un ambiente claustrofóbico, dentro de una casa que no da espacio para moverse. Esta llena de objetos acumulados, signos de la riqueza de esta familia acomodada, todo ganado por el trabajo del padre , y por consecuencia prolongaciones su persona, sus gustos y su poder : relojes para medir las actividades e imponer el ritmo de vida, espejos para observar y observarse , impidiendo cualquier digresión a las buenas apariencias. Las escaleras imponentes permiten escuchar conversaciones pero no establecen ninguna frontera de protección : el padre puede ir adonde quiere, inclusive entrar en los cuartos sin avisar. 

Del Hierro , al demostrar la eficiencia de su aspiradora eléctrica saca a la luz unos objetos perdidos, olvidados en el sofá. Simbólicamente, viene a sacar los deseos reprimidos, pero también las suciedades escondidas. ¿Nunca levantan los cojines ? En realidad, es el polvo del formalismo y conservatismo del padre. Un conservatismo que viene de tiempos de Porfirio Díaz, cuyo retrato domina la sala, como modelo de dictadura. Frente a él, Del Hierro encarnará la modernidad de Miguel Alemán, tiempo de unidades multifamiliares y vacaciones en Acapulco. 

Porque don Rodrigo Cataño es un dictador, disfrazado de caballerosidad y buenas maneras, honestidad al centavo en su trabajo y reglas de conducta perfectas : esposa sumisa, hijas vírgenes y/o encerradas, hijos obedientes. En caso de salirse de la raya, al hijo se le da comprensión y apoyo, a la hija desprecio y golpes. 

El dictador familiar ir a la cama a las 9 y levantarse a las 7 y media, o sea largas noches. Toma en sus manos el destino del hijo inmoral casado a fuerza, de la nuera y del nieto. Decide por ellos y los impone a su familia, sin aparentemente dejar la posibilidad de decidir ni a ellos, ni a la familia de Hilda. O será que sus padres, tan intolerantes con Don Rodrigo no la quieren recibir por deshonrarlos. Pero ya se ve, como en segundo plano , los efectos de la tiranía , de la castración impuesta por el padre : Héctor, que era un ejemplo de elegancia, maniquí de moda, es ahora desaliñado, pelo en batalla y ropa arrugada, pasa por la casa como una sombra borracha. Porque ese cambio tan extremo ? ¿La humillación? 

El imperio del padre no necesita explicarse, justificarse : Don Rodrigo es orgulloso de decir a su esposa que solucionó el problema de su hijo. Que hablaron. En realidad ninguna palabra clara ha sido pronunciada, quedándose en generalidades alusivas que bastan para entenderse entre hombres. Tampoco necesita explicar la urgencia de casar a Maru, de apenas 15 años mientras no se habla de matrimonio para la hija mayor. ¿Por qué la reacción tan violenta en contra de Estela, con golpes que la desfiguran, por un beso en la calle ? ¿Por qué no pedir al novio que repare y se case? El peso de la palabra paterna toma toda su importancia en el otro castigo, considerado por Rodrigo como determinante y, tal vez, mucho más humillante : “No te dirigiré la palabra en un mes .”

La violencia sale de repente porque el padre en realidad no tiene autoridad. Como le explica su esposa al final, el respeto de los hijos hay que ganárselo. “Papacito”, “Mamacita”, beso en la mano y reverencia son puras formas que mantienen una apariencia de amor pero no pueden resistir las verdaderas emociones ni los abusos repetidos. 

Una familia de tantas es la versión burguesa y por lo tanto, llena de buenos modales, del abuso paterno, que lleva al encierro si no físico al menos mental, a los castigos, a la interdicción de opinar que Ripstein enseño en una familia pobre con su Castillo de la pureza (1972). Veinticinco años más tarde, seguía el autoritarismo sin cuestionar del jefe de familia. Y sigue probablemente en las familias más humildes y más alejadas de la capital. 

Dark City (Alex Proyas – 1998) – 9.5/10

Cinta muy oscura, visualmente, en sus personajes, su narración, hasta su trasfondo político. La fotografía es una belleza cautivadora. 

Ficha IMDb

John Murdoch (Rufus Sewell) despierta en una bañera de un hotel . El closet está lleno de ropa nueva. Pero el cadáver de una mujer asesinada y torturada yace en el cuarto. Una llamada telefónica le advierte que debe huir ya que “Los Extraños” vienen por él . Está llamada proviene del Dr Daniel Schreber (Kiefer Sutherland). Poco después llega el inspector Frank Bumstead (William Hurt) cuyo colega el detective Eddie Walenski (Colin Friels) acaba de suicidarse. Bumstead retoma sus casos en particular las muertes de siete mujeres encontradas con marcas en forma de espiral. 

La esposa de Murdoch, Anna (Jennifer Connelly), cantante en un club nocturno viene a reportar la desaparición de su esposo que la dejó tras descubrirla teniendo relaciones sexuales con un desconocido, lo que ella niega. Elle se niega a creer que Murdoch sea el asesino. 

Todo está en su lugar para que empiece una búsqueda en distintos planos : un plano policiaco ¿Quién mata a las mujeres? ¿Qué pasa en la ciudad que la inmoviliza cada noche a las doce en punto ? ¿Por qué Murdoch tiene este fragmento de recuerdo llamado Shell Beach, lugar que nadie conoce o recuerda, no sabe el camino. 

Murdoch que nunca se duerme asiste a las metamorfosis de la ciudad : edificios que desaparecen, otros que surgen del suelo, puertas que se dibujan en las paredes para desaparecer inmediatamente después. Observador escondido y perseguido, logra ver quién jala las cuerdas del mundo cambiante : una comunidad anónima de hombres calvos con sombreros altos y abrigos negros hasta el piso como los personajes del Cabinete del Doctor Caligari (Robert Wiene - 1920 ), un Doctor que elabora mezclas de recuerdos y rasgos de carácter para inocularlas a los humanos dormidos. Poco a poco, Murdoch se da cuenta que tiene poderes mentales para moldear la realidad 

La selección de actores es perfecta : Jennifer Connelly tiene en sus ojos toda la pureza del mundo . Rufus Sewell luce totalmente perdido, sin referencias, tratando desesperadamente de encontrar una realidad tangible de la cual aferrarse. William Hurt es el perfecto inspector lleno de certidumbres que acepta poco a poco soltarlas para dejarse ganar por ese mundo flexible y cambiante, donde nada es seguro. Kiefer Sutherland cojea, su cara está deformada, sus lentes gruesos desequilibran sus expresiones, tiembla, respira fuerte y habla cortado y con voz blanca. 

No se sabe muy bien si estamos en un mundo en blanco y negro, ya que los colores son casi ausentes. Shell Beach resume este deseo de volver a los colores porque significan el mundo de los recuerdos felices, verdaderos o fabricados.

Dark City es un punto de encuentro entre algunos clásicos futuristas como Metrópolis (Fritz Lang - 1927), con rasca cielos, muchedumbres silenciosas, y Matrix (Wachowski - 1999) con la idea de un mundo totalmente virtual donde los humanos son puras formas vacías, animadas por un plan externo que los programa con memorias y comportamientos. Las muertes de las mujeres agregan una dimensión policiaca que impone un ritmo de suspenso y le quita en cierta forma la extrañeza, ya que el espectador está acostumbrado a las narraciones de crímenes, con investigador, culpable que encontrar e inocente que disculpar, así como la mujer falta que podría ser el motivo de los crímenes. Esta intriga previsible permite distraer la atención del fondo filosófico y de las preguntas trascendentes : ¿Quienes somos? ¿De donde viene nuestra personalidad? : programática genética?, ¿experiencias y recuerdos?

Willow (Ron Howard, 1988) – 9.5/10

Perfecta en narración, ambientación,interpretación, efectos especiales y música, todo orquestado por la mano firme de George Lukas 

Ficha IMDb

En una tierra y un tiempo lejanos, la malvada reina Baymorda ( Jean Marsh) aprende por una predicción el próximo nacimiento de una niña que le quitará su reino y su poder. Para evitar la realización de la profecía, decide exterminar todas las recién nacidas sospechosas de esa futura acción. Las madres están aprisionadas mientras esperan al final de la gestación. Cuando una madre ve a su niña (Laura Hopkirk) con la marca distintiva, suplica a una sirvienta salvarla. Esta la lleva al río donde la abandona al curso de las aguas en una canasta. Después de un largo viaje, la canasta se detiene en una orilla donde la encuentran dos niños, hijo e hija del campesino aprendiz de hechicero Willow Ufgood (Warwick Davis). 

Este no quiere meterse en problemas al recibir una “daikini” , “gente grande” ya que él, su familia y todo su pueblo son”nelwyns”, enanos. Pero las súplicas de los niños y la determinación de su esposa Kaiya (Julie Peters)  lo obligan a aceptar a la adorable niña. 

La fiesta del pueblo durante la cual Willow espera ser aceptado como ayudante por el gran maestro hechicero de la comarca es interrumpida  por la llegada de soldados “daikinis”que buscan a la niña. La comunidad del pueblo decide confiar a Willow y un pequeño grupo la misión de llevarla a salvo. 

El encuentro con Magmardigan (Val Kilmer) ladrón poco serio encerrado en una jaula colgada de un árbol cambiará el curso del viaje. El secuestro de la niña por unos duendes lleva a Willow a la gran Reina del Bosque, Cherlindrea ( Maria Holvöe) quien le revela que la niña se llama Elora Danan y cuál es su destino. La niña ha escogido a Willow como su protector. Cherlindrea le da a Willow su vara magica y le encomienda buscar a la hechcera Fin Raziel (Patricia Hayes) para ir juntos con los reyes de Tir Asleen que adoptarán a la niña. Los duendes “brownies” Rool (Kevin Pollak) y Franjean ( Rick Overton) serán compañeros de viaje, cómicos y a veces útiles, ademas de tener unos dialogos bastante divertidos con Magmardigan. Por desgracia, la hechicera Fin Raziel ha sido convertida en zarigueya por Baymorda, por lo que trata de enseñar magia a Willow para volver a su forma humana pero se transforma en avestruz, tortuga o tigre, en función del uso más o menos acertado que hace Willow de su vara mágica. Mientras tanto, la fuerza y la habilidad en combate de Magmardigan alejan a los oponentes. 

Mientras el pequeño equipo avanza, los ejércitos de la malvada reina Baymorda, liderados por su hija Sorsha (Joanne Whalley) y el terrorífico general Kael (Pat Roach) los persiguen. El encuentro entre Magmardigan bajo efectos de un hechizo y Sorsha lleva a la realización de una profecía improbable: la princesa traiciona a su madre.

Un combate final épico, con monstruos, llamas, armas y magias, permite que finalmente el bien triunfe del mal, que Elora sea puesta bajo la protección de unos daikinis buenos.

Willow puede volver a su pueblo , reencontrar a su familia, y seguir con su vida,  ahora más sabio y sobre todo con más confianza en sus talentos de hechicero.

La historia sigue al pie de la letra los pasos del Viaje del Héroe de Joseph Campbell, que Lukas ya había utilizado en Star Wars. Madmardigan es el doble de Han Solo, arrogante, de mal humor pero bien simpático, convencido de su superioridad en su campo, que resulta cierta. Willow como Luke Skywalker es un campesino reticente que no está convencido de estar a la altura de la misión que se le confía y que va aprendiendo en el camino que sí puede. Hay una princesa a salvar, paisajes extraños, distancias larguísimas, pruebas peligrosas, ayudas inesperadas. Varias situaciones provienen de fuentes mitológicas o literarias: la eliminación de bebes considerados amenazantes por el gobernante, como Herodes y los Santos Inocentes, el mundo de la gente pequeña como los Hobbits de Tolkien, los encuentros de tamaños diferentes como Los Viajes de Gulliver, La Odisea y Circe con la transformación de los soldados en puercos. 

La música de James Horner acompaña en tono épico las aventuras y los combates. Se distinguen ecos de la Sinfonía Renana de Schumann en el tema de la victoria, y algún parecido con el tema de la Redención de la Tetralogía de los Nibelungos de Wagner, casi esperada en este tipo de relatos. Unos coros de niños encarnan la presencia de la niña “divina” Elora, y la mezcla de inspiraciones étnicas variadas, indoamericana, celta, asiática o búlgara, abre la puerta a un mundo de fantasía heroica, como lo hará años después la de Howard Shore para el Señor de los Anillos ( Peter Jackson – 2001). 

Magmardigan provoca las risas por sus ocurrencias a veces tontas, y la admiración por su determinación bélica. Los efectos especiales, monstruo de dos cabezas y piel de lagarto, minúsculos duendes o hada dorada, así como las sucesivas transformaciones de Raziel, funcionan muy bien aunque los progresos tecnológicos nos hayan acostumbrado ya a niveles más sofisticados.

Todo se conjunta para construir un pequeño relato perfecto, para gusto de pequeños y grandes, con su moraleja de cuento : cree en la fuerza de tus talentos. “La fuerza estará contigo”. 

Corsage (Marie Kreutzer, 2022) – 8/10

La cinta reinterpreta el personaje histórico de Elizabeth de Austria, creando nuevas imágenes de un ser mitológico y romántico 

Ficha IMDb 

Basta con ver al público amontonarse en los salones del palacio de la Hofburg en Viena para darse cuenta que Elizabeth de Austria (1837 - 1898) no fue una emperatriz como cualquiera, ni siquiera la gran María Teresa (1717 – 1780) y realmente determinante en la política europea del siglo XVII tiene el mismo poder de atracción. Todo eso a causa, antes que todo de una trilogía de culto, no por sus cualidades artísticas, la de Ernst Marischka (Sissi - 1955), (Sissi emperatriz - 1956), ( El destino de Sissi - 1957), con Romy Schneider, entonces joven revelación. Esta trilogía impuso a un público subyugado el mito de una imperatriz hermosa, enamorada y amada, madre perfecta y soberana experta en la diplomacia de la seducción.

Sissi pertenece al restringido grupo de las figuras femeninas de la realeza marcadas por un destino funesto : Marie Antoinette (1755-1793), esposa de louis XVI y decapitada por la Revolución Francesa, Grace de Mónaco (1929-1982), fallecida manejando, Diana  de Gales (1961-1997) fallecida en en un accidente en París. Sissi murió asesinada en Ginebra por un anarquista. Las cuatro han sido tema de películas: Marie Antoinette (Sofía Coppola - 2006), Grace de Monaco (Olivier Dahan - 2014), Diana (Olivier Hirschbiegel – 2013), Spencer (Pablo Larrain – 2021). Y ahora esta nueva versión de Sissi, al mismo tiempo que sale la serie de Netflix, La emperatriz. Varias de estas cintas realizadas por directoras mujeres.

La presente versión toma a Elizabeth (Vicky Krieps) en 1877 en su papel de acompañante político : debe presenciar la ejecución de cuatro condenados por traición. Es una forma de introducirnos al contexto histórico difícil que vive Austria en los años 1870 : problemas de inestabilidad social debidos a las terribles condiciones de vida del pueblo, problemas de política externa frente a Prusia y la creación próxima de Alemania, y frente a Hungría y sus deseos de secesión del imperio austro húngaro antes  todopoderoso . En ese contexto, Elizabeth es una figura acompañante, uña figurante obligada.

Cumple cuarenta años y es el principio del fin. Sin papel real en la vida pública, lo único que le queda es su vida personal, confinada en su espacio cerrado : su recámara, su cuarto de baño. Ahí puede dar libre curso a sus obsesiones : antes que todo, su cuerpo. Dominarlo en la gimnasia y las dietas. Controlarlo y registrar su evolución en tomas constantes de medidas : peso y cintura. Lograr mantener 45 cm  obviamente con la ayuda de un corset cada vez más apretado. Comer rebanadas de naranjas. Para mantener ese control, son necesarios escapes: cabalgar locamente, devorar pasteles cremosos, tragar tazas de chocolate que es puro chocolate derretido acompañado con crema montada, hundirse interminablemente en su tina de baño, sesiones de escrima y de gimnasia. Todo hasta el exceso. 

Sus relaciones con los demás son inestables : complicidad con su hijo Rudolf (Aaron Friesz), acercamientos imprevistos con su hija pequeña Gisèle, dolor de la pérdida de su primera hija Sophie, inmortalizada en un perfecto retrato, tiranía con sus camareras y damas de compañía, en particular con Marie Festetics (Katharina Lorenz) ,indiferencia o intentos de acercamiento sexual con su esposo Franz-Joseph (Florian Teichtmeister), coqueteó con su amante Bay Middleton ( Colin Morgan).

Su romanticismo, su desprecio de las obligaciones, su gula la acercan antes que todo a su primo Ludwig de Baviera (1845 - 1886), el “rey loco” , con quien tiene una complicidad de seducción mutua, casi amorosa, sin darse cuenta de la homosexualidad de este. Esta cercanía casi incestuosa interesó a Visconti en Ludwig (1973) con Helmut Berger y Romy Schneider, unos años mayor que en la trilogía. 

Marie Kreutzer jala del hilo de la anorexia, de la obsesión física y de la depresión, estudiados por varios historiadores y biógrafos para construir una nuevo mito y transformar la vida de Elizabeth. En lugar de dejarla vivir hasta 1898 y ser asesinada en Suiza, inventa una viaje a Ancona, en compañía de varias damas  con Marie Festetics vestida como ella y cubierta con un velo negro. La presencia de una Elizabeth falsa le permite desaparecer, saltando al mar desde la proa de un barco, durante un paseo. 

Discretamente, la directora siembra anacronismos en su cinta, que crean un ambiente de incertidumbre, de inseguridad o tal vez de irrealidad : Elizabeth y sus damas entran al palacio por unas puertas de vidrio modernas, con cerraduras metálicas, sillas modernas están apiladas en los pasillos como esperando ser acomodadas para un evento, zonas en los cuartos están divididas por cordones, cuerdas de terciopelo rojo como en un museo. Se manifiesta así una relación brechtiana entre personaje y actor. Además, los espacios interiores están en condiciones de descuido: pinturas destartaladas, manchas de humedad. Símbolo del abandono y de la soledad moral y afectiva en el cual vive la emperatriz, pero también muestra que todo eso es una creación artificial, una intervención de actores que hacen un trabajo teatral  en espacios que no están previstos para eso. Todo eso es voluntariamente falso. La interpretación de Elizabeth es falsa y no pretende dar información histórica . 

Todo eso construye una película extraña, que desestabiliza al espectador, sin línea narrativa, une serie de momentos, a veces repetitivos y anunciados por una fecha para enseñar el transcurrir del tiempo de la aburricion. No aporta certezas históricas o biográficas. Le propone una visión del personaje diciéndole que esta versión no tiene ningún valor, que es pura invención, que no hay que creerle, solamente disfrutarla, o al menos mirarla, como lo que es : una interpretación, en los dos significados de la palabra: opinión y trabajo teatral.

Curiosamente los vestidos corresponden a los años 1900, no a la época mencionada con cuidado al principio de cada episodio, anos de gloria del Tercer Imperio en Francia, del imperio de Maximiliano en México, tiempo de amplias crinolinas. Unos de estos impresionantes vestidos de Elizabeth están expuestos en Viena. 

Extraña película, que corre el riesgo de ser vista como verdad histórica, en la línea de la Marie Antoinette de Sofía Coppola, con sus tenis y sus macarrones, voluntarios anacronismos , confesión abierta de :” esto no es la historia verdadera”. 

OSS 117 se déchaîne (André Hunebelle, 1963) - 6/10

La versión francesa del espía seductor funciona o funcionó en su tiempo. Acción, peleas, suspenso y encanto masculino.

Ficha IMDb

En plena guerra fría, la seguridad del bloque Oeste descansa en parte sobre sus ojivas nucleares, dispuestas para responder a la amenaza soviética. Ojivas que el enemigo trata de detectar y desactivar a distancia. Las costas de Córcega son un buen sitio para llegar a cabo las pruebas. Un agente estadounidense , William Roos (Jacques Harden) , es eliminado por su “maestro de buceo”, Nicolas Renotte (Henri-Jacques Huet) durante una expedición submarina : se acercaba demasiado a la gruta- laboratorio. 

Inmediatamente, el servicio secreto gringo manda a su mejor agente, Hubert Bonisseur de la Bath, OSS 117 (Kerwin Mathews  a investigar sobre la desaparición y encontrar los elementos de información que Roos pudo haber encontrado. En un juego de escondidillas con Renotte y su novia Brigitta (Nadia Sanders), OSS 117 logra remontar a la cabeza de la operación : el abominable Mayan (Roger Dutoit) maneja los hilos de todos con amenazas, sometiendo Brigitta al oscuro y cruel Sacha (Daniel Emilfork) y su sádico ayudante Boris (Henri Guégan). Con engaños y seducciones, Hubert Bonisseur de la Bath sabrá hacer fracasar los planes de los abominables comunistas. 

La cinta no se molesta con las inverosimilitudes e incoherencias : Hubert el seductor puede besar a una chica después de hablar con ella apenas cinco minutos, puede pegar a otra con todas sus fuerzas si piensa que lo ha traicionado para minutos después llevarle un café a la cama. Golpea fuerte, corre rápido, bucea con talento y hasta pelea bajo el agua. Sin embargo, no es siempre muy, muy inteligente. Además, es un agente estadunidense, pero lleva nombre francés y habla un francés perfecto. La explicación sería que su padre era francés. Sus iniciales, aparentemente eco directo al 007 de James Bond son el acrónimo de Office of Strategic Services. En realidad, el personaje fue inventado en 1949 por el escritor francés Jean Bruce, cuatro años antes de la creación del agente británico por Ian Fleming. Su primera aparición en cine ocurre en 1957, bajo la dirección de Jean Sacha (OSS 117 n’est pas mort) con Ivan Desny en el papel protagónico y seguirá recorriendo el mundo a lo largo de seis películas hasta 1968. Jean Bruce escribió 91 aventuras para su héroe; después de su muerte, su esposa Josette escribió 143, seguida por su hijastro François y su hija Martine que escribieron 24 libros. Esta película es la primera de una serie de cinco películas de Hunebelle con el personaje de Hubert Bonisseur de la Bath, el cual caerá después en desgracia, antes de ser resucitado por Michel Hazavicius con Jean Dujardin en 2006 en un tono auto irónico y con nacionalidad francesa. OSS 117 : Le Caire, nid d’espions (2006) y OSS 117 : Rio ne répond plus (2009) son unas parodias irreverentes, homenaje a los primeros James Bond, los de Sean Connery y Roger Moore. Parece que una tercera película está en preparación : OSS 117 : Alerta Roja en África Negra, cuyo título es en sí una burla al lenguaje políticamente correcto. 

De todas formas, todavía le quedan muchas aventuras al guapo Hubert para hacer muchas películas. 

Los caifanes (Juan Ibáñez, 1967) - 9.5/10

Una pequeña obra de arte, donde todo concuerda :espacios, caracterizaciones, interpretaciones. Y unos diálogos insuperables.

Ficha IMDb

Paloma (Julissa) y Jaime de Landa (Enrique Álvarez Félix) se quedan solos cuando todos los asistentes de una fiesta elegantemente bohemia y intelectual se van a otro lugar. Después de un jueguito de provocación coqueta en la calle, quedan a merced de un aguacero repentino. Nada más fácil que refugiarse en un automóvil abierto por ahí y seguir besuqueandose. Hasta que llega el dueño, un tipo un poco amenazante en la oscuridad con quien Jaime trata de manejar la situación, proponiéndole dinero para que les haga de taxi y los lleve a una zona más céntrica de la Ciudad de México, entonces llamada Distrito Federal, pero el señor tiene que esperar a sus amigos . ¿Quienes son ?” “Los caifanes “ . “ ¿Qué es eso?” pregunta Paloma a su novio quien domina la situación . “Unos pachucos”, le contesta él que nunca pierde la compostura.

Los Caifanes son cuatro mecánicos de Querétaro, ciudad un poco atrasada según ellos, que vinieron a la capital a divertirse. El dueño del coche es el " Capitán Gato” (Sergio Jiménez ), el “Azteca” (Ernesto Gómez Cruz) lleva traje negro y lentes, el “Mazacote” (Eduardo López Rojas) , un poco pasado de peso, lleva un sweater tejido de lana de Chiconcuac, el “Estilos” (Oscar Chávez ) viste playera, es tranquilo y tiene talentos musicales. Los cuatro están fascinados por Paloma, su pelo corto, su vestido rosa que deja ver las ligas de las medias cuando cruza las piernas, su impermeable plateado a juego con los zapatos de tacón y el pequeño bolso de mano. Divertida y envalentonada por ese deseo envolvente, Paloma opina que deben quedarse con los jóvenes mientras Jaime el altanero trata de jalarla inclusive con unas palabras en inglés para que no le entiendan los que considera como incultos y subdesarrollados. 

El itinerario de juerga de los cuatro amigos empieza en el cabaret El Génesis en el baño del cual Paloma entabla conversación con una chica sin edad definida pero con pronunciados maquillajes. Las ficheras- prostitutas (Lety Gomez, Socorro Avelar, Martha Zavaleta) son para ella figuras exóticas pero antes que todo son mujeres y todas comparten problemas sentimentales. ¿Dónde está la frontera? La función es interrumpida por una pelea de borrachos que se generaliza, llega la policía y de ahí, alegre y un poco ebrio, el grupo se va al centro de la ciudad a robar una corona mortuoria, a vestir a la estatua de la Diana en plena avenida Reforma, con la ropa que seca colgada de una cuerda alrededor del coche. Después de una cena tardía y callejera en un puesto de tacos donde le roban su guitarra a un cantante ciego, van a depositar las flores a un muerto anónimo en una agencia funeraria. Ahí, el “Gato” decide ponérlos en presencia directa y filosófica de la muerte : para “jugar a morirse un rato”, les ordena escoger cada quien un ataúd y acostarse adentro. Una tapa se cierra : el Azteca queda encerrado. Respirara todavía. Sacudir la caja, extraer el medio muerto y huir corriendo ante los policías que el temeroso Jaime fue a avisar. La huida no puede ser en otro coche que una carroza fúnebre , de la cual hay que deshacerse. ¡Qué mejor lugar que el medio del Zócalo, frente a Palacio Nacional!

A esas alturas de la noche, Jaime en su impecable blazer oscuro y su camisa blanca  se está volviendo muy agresivo, angustiado, perturbado, celoso, amenazado en su situación sentimental, personal y social. Paloma está cada vez más a gusto, entiende mejor el vocabulario "caifaniano", y se lanza a utilizarlo . Sobre todo, la complicidad y la ternura entre ella y él estilos se va revelando, a pesar de la distancia social y cultural.

Al alba, los Caifanes volverán a su vida dejando en la banqueta a Jaime hirviendo de rabia impotente y Paloma con un caballito de carrusel, ya bastante fuerte para dejar a su novio aburrido y pretencioso.

La película, recientemente renovada en los laboratorios de la Cineteca Nacional, tiene un encanto especial a sus 55 años. Algo de nostalgia en sus vistas de una Ciudad de México nocturna cuyos espacios y costumbres han cambiado pero siguen reconocibles. Los puestos de tacos callejeros y los velatorios siguen iguales. La locuacidad popular sigue siendo la misma joya. Los diálogos escritos por Carlos Fuentes son una maravilla de creatividad : juegos de palabras, albures, metáforas, asociaciones sonoras., y también frases de pura poesía. Pura poesía popular inimitable, empezando por el título y nombre de los cuatro amigos : “caifan” es un mexicanismo de la Ciudad de México, que proviene de los mexicanos instalados en California, conocidos como “pachucos” que acostumbran mezclar las palabras inglesas y españolas : alguien que “cae bien”, cae ”fine”. Es una persona agradable, de buen humor, sin complicaciones, al borde de la ley pero respetado en su barrio. 

¿Qué decir de los actores? Todos eran actores de teatro entonces desconocidos en los círculos profesionales. En papeles que podrían muy fácilmente caer en la comicidad fácil y payasa, mantienen una seriedad sencilla y natural irresistible. 

Al contrario de los filmes acostumbrados de la época, en sus géneros bien delimitados de comedias, dramas familiares, aventuras rancheras cantadas, mujeres víctimas de sus pecados o abnegadas a sus familias, Los Caifanes se plantea como una road-movie urbana y nocturna, una incursión al borde de dos mundos que normalmente nunca se cruzan aunque se codeen, pero nunca se ven el uno al otro. 

Algo de Buñuel se deja adivinar : noctambulismo sin rumbo que se burla de las instituciones, de la propiedad privada o pública, de la moralidad acartonada, de los símbolos culturales, de la policía, de Santa Claus (Carlos Monsiváis) y de la Diana Cazadora, de los rituales sociales. Hasta de la muerte. Pero también ( consciencia, ojos abiertos ) resignada a que cada quien debe quedarse en su lugar. Un "Estilos" por muy poeta que sea no puede soñar con compartir un amor con una “niña bien”. Y, por parte de los de arriba, reforzamiento de su orgullo de clase : tener nombre, trabajo, cultura, traje impecable. Aún más efectivo el discurso final de Jaime interpretado por Enrique Álvarez Félix, hijo de María Félix, la “Doña,” la orgullosa. En eso años, México estaba sumiso al poder omnipresente del presidente de la República, y del PRI desde los legisladores, jueces, empresarios, medios de comunicación hasta, obviamente, los trabajadores y los estudiantes.

Pero la respuesta del “Gato” anuncia lo que pasaría un año después : los sin nombre bien podrían, si se atreven, quitarles a los orgullosos su tranquilidad. Porque un “caifan” es el que las puede todas”, incluso enamorar la novia del niño rico. 

Vemos a los caifanes con ojos avisados de post 68. Pero las diferencias permanecen, los choques culturales se mantienen a pesar de la aparente uniformización ofrecida por las redes sociales. La riqueza cultural, los juegos de confrontaciones lúdicos o violentos no han desaparecido.

A Boy and His Dog (L. Q. Jones, 1975) – 6/10

 Película post apocalíptica, fantasía. Una mezcla de géneros que no logra centrarse y resulta un poco tediosa.

Ficha IMDb

Año 2024, no queda gran cosa de la tierra.  Después de la Cuarta Guerra Mundial, que duró apenas unos días, se ha convertido en un desierto rocoso con poca agua, pocos alimentos, nada de plantas y picos humanos. El joven Vic (Don Johnson), de unos 18 años, deambula sin rumbo acompañado de su perro Blood quien le habla telepáticamente. Este chico sin ocupación parece tener como único objetivo encontrar comida y mujeres para violarlas. Su nivel de educación es de lo más bajo, lo que el perro Blood trata de mejorar dándole algo de información histórica o geográfica o lingüística,  sin mucho éxito. En cuanto a principios morales, son más bien inexistentes. El gran deseo de Vic es encontrar un lugar maravilloso que llama “Over the Hill” donde supone que existe una utopía. Una noche en el campamento donde vive un puñado de hombres, pasando el tiempo viendo viejas películas teóricas, Blood olfatea una presencia femenina en un sótano. Noche romántica para Vic y Quilla June Holmes (Susanne Benton), pero esta convence a Vic de volver con ella a su pueblo que sobrevive abajo del mundo conocido. Blood trata de detener a su amo fuertemente atraído por la perspectiva de conocer a muchas chicas con quienes tener sexo.

El mundo de abajo, “Downunder”,  es una gran sorpresa : un triunvirato llamado “el Comité” impone sus leyes a unos campesinos de caras pintadas de blanco como payasos. Tienen conceptos de moralidad muy estrechos y buscan establecer un” mundo perfecto” según las reglas del mundo rural gringo antes de la Segunda Guerra Mundial. En realidad, Quilla ha sido enviada a la superficie por su padre Lou Craddock (Jason Robards) para reclutar donadores de esperma. Vic será muy útil para contribuir a la fertilidad del pequeño pueblo de Topeka.  Sin embargo ,el método de reproducción no es exactamente lo que imaginaba el joven. Al ver como piensan sacarle su esperma para fertilizar a 35 jóvenes, decide huir, acompañado por Quilla decidida a empezar una revolución.

Al salir del mundo de abajo y volver al desierto de la superficie, se encuentran con Blood medio muerto de hambre. Dividido entre su perro y su chica, Vic escoge: hay que alimentar al perro para poder seguir deambulando libremente en el mundo en compañía de un amigo fiel e inteligente., que además le proporciona alimento y sexo, las dos condiciones básicas de supervivencia. Su razonamiento es bastante de sentido común: lo necesario para sobrevivir.

La cinta, de 1990, lo que explica que 2024 sea un lejano futuro catastrófico, juega con diferentes temáticas : la soledad del personaje, su falta de propósito y valores. Vic es vacío como el mundo alrededor de él. Tan vacío y falto de identidad que su perro a veces lo llama “Albert”. El mundo es lugar de aburrimiento. No hay nada que hacer salvo pelearse por alimentos, violar, ver películas sin sentido. 

Otra temática, y otro género, es la fantasía : un perro inteligente y que habla. Aunque sea resultado de manipulaciones genéticas, mas aparentadas a la ciencia ficción que al cuento de hadas. 

Tercera pista : un mundo escondido, preservado ecológicamente pero transformado en una distopía política. Este género es presentado en un modo de comedia negra, de farsa que no logra hacer reír, ni asustar, solamente perturbar. 

La muerte del perro intérprete Tiger impidió la realización de una secuela que pensaba presentar la situación post apolíptica en ojos de una mujer, ya que Un muchacho y su perro fue muy criticada por su misoginia. 

La interpretación de Ben Johnson, entonces muy joven,  antes de su éxito en la serie Miami Vice (1984-1990) no convence y no genera empatía o interés alguno, tal vez porque aparenta demasiada edad para un personaje adolescente. La fotografía no tiene belleza ni originalidad. 

Lo que queda es la nueva interpretación de la pareja amo-perro, donde los valores se invierten : el animal. es el padre, educador y protector del humano. Sin embargo, se necesitan el uno al otro y el afecto logra expresarse de manera muy sutil en la escena de despedida cuando Blood trata de convencer a Vic de quedarse en la superficie. El último diálogo en la novela de Harlan Ellison (1969) es : ¿Qué es el amor? “a lo que Blood contesta :”Es lo que sucede entre un muchacho y su perro.”  .El director lo cambió a una ultima opinión de Blood sobre Quilla : “Tenía buen semblante pero le faltaba gusto.” Después de comérsela rostizada. 

En realidad, esta frase final nos lleva a una cuarta pista de interpretación : una historia surrealista en forma de aventura juvenil para muchachos, como lo aparenta el titulo de cuento. Todo esto es denuncia satírica, en segundo grado, de la misoginia de la sociedad, de su doble moralidad, de su violencia disimulada o justificada con pretextos morales. Lo que le da a la cinta una tonalidad de misantropía, de rechazo a una sociedad que se dirige a su propia perdición, sin necesidad de bombas nucleares. 

De una forma u otra, una película sin esperanzas. 

Ready Player One (Steven Spielberg, 2018) – 8.5/10

Realidad virtual dentro de una narración futurista, pero finalmente una historia de caballero en búsqueda de su Grial, luchando contra los malvados ayudado por unos cuantos amigos. Un esquema muy viejo en una forma muy tecnológica.

Ficha IMDb

El adolescente huérfano Wade Owen Watts (Tyde Sheridan) vive en 2045 en Columbus -Ohio. Como casi toda la humanidad, pasa la mayor parte de su tiempo conectado a los juegos video. El meta-universo es para él preferible a un mundo de pobreza, de desempleo y de violencia. OASIS (Ontologically Anthropocentric Sensory Immersive Simulation ) es el mundo virtual que contiene todos los juegos, ha sido creado por James Donovan Halliday (Mark Rylance) quien, antes de morir, escondió adentro las piezas de un rompecabezas cuya resolución dará a su ganador una fortuna de medio billón de dólares y el control total de la compañía. Wade no es el único en jugar por ganar, miles de jugadores son sus adversarios sin contar una empresa rival, IOI (Innovative Onlive Industries) cuyo CEO Nolan Sorrento (Ben Mendelsohn ) quien busca el control de OASIS para insertar publicidad en los juegos. El objeto por ganar en el mundo virtual es un huevo de Pascua dorado. Para llegar a él se necesitado abrir una puerta con tres llaves. Cada una se puede conseguir al ganar tres retos. 

Parzival es el avatar de Wade Watts, compañero de juego de Hache, Art3mis, Daito y Sho a quien nunca conoció en la vida real. Juntos forman el equipo llamado “High 5”. Acostumbra consultar los archivos simulados, suerte de diarios y pasatiempos de Halliday, vigilados por el Curador, suerte de avatar bibliotecario. 

Frente a ellos, Sorrento dirige un ejército de empleados jugadores, los Sixers. El mismo se une a veces a la competencia con su avatar o lanza a su mejor guerrera F’Nale Zandor ( Hannah John-Kamen). Esta secuestra durante un juego a Samantha Cook (Olivia Cooke), humana de Art3mis, y de quien Wade se está enamorando, pero esta logrará escapar con la ayuda de Helen Harris (Lena (Waithe), humana de Hache, Toshiro (Yoshiaki (Win Morisaki), humano de Daito y Akihide Karatsu (Philip Zhao), humano de Sho que se han finalmente encontrado en la vida real. 

Cuando finalmente Wade logra conseguir el huevo de pascua y entender quién era el Curador, Ogden Morrow (Simon Pegg), amigo de Halliday, puede tomar el control de la compañía y decidir cerrar el OASIS dos días a la semana para que las personas puedan convivir en la vida real. 

La cinta sigue una trama totalmente tradicional : el héroe busca una recompensa, viajando en un mundo adverso, enfrentando adversarios malvados, ayudando gente que en un momento dado lo van a devolver la ayuda, permitiéndole vencer todos los obstáculos. Las referencias culturales abundan, la mayoría provenientes de la cultura popular de los años 70 a 90: películas, series de televisión, músicas, novelas gráficas, y, sobretodo, juegos video. Spielberg evitó sabiamente referencias que podrían causar problemas de derechos, y, modestamente, referencias a sus propias películas. El libro de origen, escrito por Ernest Cline, está lleno de referencias al cine de Spielberg, entre otros, pero ponerlo en manos de otro realizador hubiera sido un poco extraño. Así que Spielberg supo hace un homenaje a varios (muchos) elementos de lo que fue su universo como él de muchos nostálgicos, mezclarlos y producir algo muy auténticamente “Spielberg”.

Considerando entonces que el contenido no es tan innovador, la envoltura es totalmente moderna. Para empezar, toda la narración se construye sobre la yuxtaposición de dos mundos: el real, con las relaciones entre humanos: Wade y sus cuatro compañeros de juego, su tía Reb (Letitia Wright) con su novio, los jugadores competidores, la empresa enemiga; y el mundo virtual, mundo de avatares que evolucionan en el mundo intelectualmente inventado por los desarrolladores de juegos. El mundo real es una visión futurista, post apocalíptica, con una ciudad y unas zonas de suburbios miserables, parecidas a los mundos de Matrix, Blade Runner o Elysium (Neill Blomkamp – 2013). El mundo virtual es una fiesta de colores, de movimiento, de velocidad, de cosas imposibles . 

Los miedos provocados por el desarrollo del mundo virtual están presentes. Spielberg plantea, en una forma de diversión, las cuestiones importantes : ¿Qué vida nos espera si seguimos cayendo en las trampas de la evasión? ¿Que pasará si el mundo virtual inventado para distraer invade la vida cotidiana? ¿Qué pasará cuando dueños de compañías visualicen en las posibilidades de la tecnología la oportunidad de ganar dinero al convertir a los utilizadores en consumidores adictos a una falsa realidad que, al menos, les da placer y satisface su necesidad de reconocimiento? 

Pero como siempre, Spielberg acaba, como en un cuento, con una nota esperanzadora: Wade impone limitaciones a la frecuentación del mundo virtual. Sin embargo, no propone nada para solucionar la miseria del mundo “exterior”. 

Cuento moderno, Ready Player One es una buena introducción a la realidad virtual para los que no la practican y un juego de referencias probablemente muy divertido para los fans. Los convencidos seguirán convencidos , los escépticos seguirán escépticos. 

The Courier (Dominic Cooke, 2020 ) – 8.5/10

Otra película inglesa para explicar la historia Del mundo moderno y enseñar el papel determinante que jugó Inglaterra. Otra vez con un actor excelente que se lleva gran parte de la película.

Ficha IMDb

En 1960 la Guerra Fría está en su momento álgido : Kruschov contra Kennedy. La sociedad occidental está viviendo sus mejores años en cuestión de desarrollo comercial. La sociedad de consumo está floreciendo .Quién en el oeste podría siquiera imaginar que los ideales socialistas sean deseables? 

En Moscú, el coronel Oleg Penkovsky (Merab Ninidze) quien trabaja en el servicio de inteligencia militar del ejército soviético, el GRU, tiene acceso a información mostrando que Kruschov (Vladimir Chuprikov) tiene intenciones de instalar misiles en Cuba, aliado político con buena situación geográfica frente al enemigo mayor : Estados Unidos. De ser efectivamente utilizados, buena parte del territorio estaría destruido. Buen argumento para asustar a Estados Unidos, pero los misiles son en realidad de capacidad inferior a lo que la Unión Soviética presume. Penkovsky logra pasar una nota a unos jóvenes que trabajan en la embajada estadounidense, en la cual pide que le indiquen a alguien con quien podría comunicarse.

Una enviada de la CIA, Emily Donovan (Rachel Brosnahan) viaja a Londres donde, con Dickie Franks (Angus Wright) de MI6, logran convencer a un hombre de negocios que ya tiene contactos en Rusia Greville Wynne (Benedict Cumberbatch) entablar negociaciones comerciales con Penkovsky .

Primer viaje a Moscú. Primer contacto, espectáculo de danza clásica en el Bolshoi. De ahí seguirán varios viajes, el ruso y una pequeña delegación obtienen permiso de viajar a Londres . El inglés conoce a la esposa y la hija del ruso. El ruso conoce a la esposa, Sheila ( Jessie Buckley) y al hijo del inglés. Se emborrachan juntos, caminan juntos, platican mucho. Pero sobre todo, Penkovski saca muchas fotos de documentos secretos y Wynne transporta. La crisis se acerca. Estados Unidos pone en marcha su respuesta. Wynne es cada vez más comprometido con su misión, lo que lleva a su esposa a sospechar una infidelidad, sobre todo que él se niega a hablar de lo que realmente está haciendo. De agosto 1961 a octubre de 1962, los dos logran pasar miles de hojas de documentos- 

Pero el KGB no es por nada una de las agencias secretas más eficientes del mundo. Se sabe que el agente ruso está en peligro y Wynne insiste repetidamente para que se organice su extracción. El 22 de octubre de 1962, cuando todo está listo para que salga por Finlandia con su familia, llegan a su domicilio para arrestarlo mientras es bajado de su avión de vuelta a Londres. 

Empieza para él un encarcelamiento en condiciones abominables y que va a durar 6 largos años, ya que los occidentales se niegan a reclamarlo, lo que equivaldría a reconocer su importancia como espía. Es fundamental que se mantenga su fachada de simple “ Salesman”. Sin embargo, Donovan y Franks tienen la decencia de informar a la esposa de la realidad de la situación y que van a mantenerla económicamente mientras se solucione el asunto .

Penkovsky fue condenado en un juicio espectacular y ejecutado el 16 de mayo de 1963. Wynne fue condenado a 8 años de prisión pero finalmente fue liberado en 1964 en un intercambio de espías. La crisis de los misiles terminó pacíficamente ya que Kennedy, bien informado, no cayó en la trampa del chantaje. 

Tercera ocasión en que el cine británico nos enseña con grandes actores el papel determinante del Reino Unido en la historia mundial. Como si sintieran la necesidad de probar que sin ellos, la historia de occidente hubiera sido peor. Será un sentimiento de culpabilidad, una auto condenación por haber dejado la Comunidad Europea y percibirse como traidores a un proyecto común. Lo interesante en las tres películas, The Courier, Múnich: Edge of War (Christian Schwochow - 2021) y Operation: Mincemeat (John Madden - 2022, es que las une el uso de actores mundialmente reconocidos :Colin Firth, Jeremy Irons y Benedict Cumberbatch, una dirección de actores muy clásica, una producción de arte con una reconstitución de época muy cuidada. Son películas de excelente calidad que logran contarnos la Historia, con un margen de fidelidad variable, e interesarnos en ella. The Courier es probablemente la más fidedigna históricamente al mismo tiempo que sus actores son más convincentes Cumberbatch logra a la perfección mantener el equilibrio entre la modestia de su posición social, su insignificancia, y lo trascendente de lo que está haciendo . Ser y hacer son aparentemente incompatibles. A eso se suma la transformación humana en el desarrollo progresivo de una amistad que nunca dice su nombre a causa de las distancias culturales, unas educaciones poco demostrativas, y en el contexto de un ambiente de miedo. Cumberbatch es maestro en el manejo de su cuerpo y su cara para transmitir las emociones.

La cinta vale mucho la pena, tal vez no tanto por la crisis política que cuenta sino por el impacto en las vidas individuales que tuvieron estos años fríos. Las guerras no son solo el choque entre naciones, son transformaciones profundas en los individuos. Y los del “otro lado“ también tienen vidas personales y sentimientos. Se nos olvida demasiado seguido. 

Ce cher Victor (Robin Davis, 1975) – 8.5/10

Un memorable duelo de actores en un historia dramática y cómica al mismo tiempo. Parece superficial pero dice mucho del comportamiento humano y de las motivaciones

Ficha IMDb

Anselme Maillard (Bernard Blier) y Victor Lasalle (Jacques Dufilho) viven juntos. Para ser más precisos, Victor vino a instalarse en el departamento de Anselme hace 8 años cuando falleció su esposa Louise ya que su pensión no le permite pagarse una renta. Desde entonces, impone sus voluntades y sus gustos. Anselme tiene mal carácter, siempre de mal humor, desprecia ostensiblemente a Anselme, y lo disfruta más si es en público.

Anselme es un apasionado de música, así como Anna (Alida Valli), quien se presenta como es cantante de ópera. Juntos, preparan la fiesta de la música, bajo la dirección tiránica de Victor. Cuando Victor rebasa los límites y provoca las lágrimas de Anna, Anselme decide pasar a la acción. Sabiendo que el viudo va regularmente al cementerio visitar la tumba de Louise, se organiza para llegar antes y dejar un ramo y una nota que da a entender que la muerta tuvo un amante y que este está decidido a vengar los malos tratos que sufrió a manos de su esposo. El sufrimiento empieza para Victor que se deja consumir por los celos bajo la sutil conducción de Anselme quien multiplica notas, cartas anónimas, siempre firmadas con la enigmática letra S. Su golpe magistral es comprar un canario amarillo, matarlo y dejarlo en el alféizar : presagio claro para Victor que el cornudo (el amarillo es el color de los esposos engañados), o sea él, será aniquilado.

Conforme progresan los preparativos de la fiesta de la música y los amores de Anselme y Anne, Victor se va descomponiendo, deja de comer y de dormir, pierde toda su arrogancia. Su familia, que Anselme ha llamado, piensa que se ha vuelto loco. Cuando Victor trata de estrangular a Anna, su destino está sellado: lo trasladan un hospital psiquiátrico. Victor ha recuperado su departamento y su libertad. Está feliz. ¿Está feliz?

Dos monstruos sagrados del cine francés, cada uno con sus características de interpretación: Bernard Blier redondo, tranquilo, al borde de la apatía, Jacques Dufilho nervioso, gesticulante. Entre los dos se juega un duelo, una relación de codependencia enfermiza. Se odian pero, finalmente, no pueden vivir el uno sin el otro. Anselme lo entiende demasiado tarde. La historia está llena de odio, de crueldad, tanto que los comportamientos se vuelven cómicos. Pero bajo las seguridades está escondida la soledad, la dependencia, la necesidad de alguien más. En una ciudad, una calle, un barrio, un departamento grises, feos, sucios, pobres. La miseria ambiente impregna los caracteres. 

En realidad, cada uno vive y vivirá siempre un infierno. Sólo dos grandes actores como estos saben provocar compasión y repulsión al mismo tiempo. La película es casi desconocida pero bien podría ser un caso de análisis para unas clases de psicología. 

Munich: The Edge of War (Christian Schwochow, 2021) - 7.5/10

Una versión inglesa de cómo se hubiera podido cambiar el curso de la historia. Locaciones y actuaciones interesantes. Pero no deja de sonar un poco artificial.

Ficha IMDb

1932, tiempos felices antes dela Segunda Guerra Mundial, cuando los pueblos soñaban con vivir juntos y amigos. Dos jóvenes alemanes estudian en Oxford y hacen amigos. Paul von Hartmann (Jannis Niewöhner) y Lenya (Liv Lisa Fries) provienen de Múnich. Hugh Legat ( George MacKay) es inglés, de una vieja familia. Se enamora de Lenya. La vida y la juventud parecen prometer mañanas felices pero los alemanes tienen que volver a su país y cada uno empieza su vida profesional. 

Años después, Legat es ahora secretario particular del primer ministro, Neville Chamberlain (Jeremy Irons), tiene que satisfacer sus manías pero sirve a veces de confidente. Von Hartmann trabaja en los servicios diplomáticos alemanes. Curiosamente, ya no se sabe nada de Leyna.

Estamos en septiembre 1938 : Hitler está ganando más y más poder. Ya ha llegado, por las vías legales, al puesto supremo de Canciller, equivalente a Primer Ministro. Se está preparando para  anexar a los Sudetes, región de Checoslovaquia con el pretexto de que se trata de poblaciones germanohablantes, pero sobre todo porque son una zona de potentes industrias de armamento. Asegura que no anexará ningún otro territorio de Europa. Un encuentro de jefes de estado se organiza en Múnich, ciudad de origen de Hitler y de su partido. Acuden el inglés Chamberlain, el francés Edouard Daladier (Stéphane Boucher), el italiano Benito Mussolini (Domenico Fortunato) y Adolf Hitler (Ulrich Matthes) como anfitrión, acompañado de su fiel ministro Himmler (Martin Kiefer). 

Von Hartmann pertenece a un movimiento de izquierda que se opone a la progresión de partido nazi que ya enseñó algo de su ideología y la demostró en acciones callejeras violentas. Un complot se está organizando para derribar a Hitler : la conspiración Oster. Su secretaria roba un documento que pone en claro las verdaderas intenciones de Hitler en relación a Europa. Hay que hacérselo llegar al gobierno inglés para impedir la firma del acuerdo. Por las vias diplomaticas, Von Hartmann logra pedir que su amigo el asistente de Chamberlain participe al viaje para que sirva de intérprete.

Después de algunos contratiempos, el reporte secreto llega a manos de Legat, quien se mantiene incrédulo, como los grandes jefes. No sin antes que su amigo lo lleve a un hospital psiquiátrico para que vea en que se ha convertido su amor de juventud. Mejor dicho, en que la han convertido los partidarios de Hitler al saber que era judía. 

La cumbre de los grandes jefes terminará por un acuerdo del cual todos están muy orgullosos, convencidos que han garantizado la paz a Europa para muchos años, que han sabido cómo tratar al monstruo y subyugarlo.

La cinta está perfectamente realizada, con el ritmo perfecto, las locaciones perfectas (se filmó en el edificio mismo donde tuvo lugar el encuentro histórico en 1938), una dirección de actores sóbria y unos colores fríos que le quedan a un tema tan grave. Se apoya en interpretaciones de excelente nivel, obviamente Jeremy irons, veterano actor, y todavía seductor, imagen perfecta de la elegancia british hasta en su forma de comer un huevo . Los jóvenes cumplen con sus papeles tal como debe ser. Pero el que se roba la atención es Ulrich Matthes quien interpreta a Hitler, a pesar de no parecerse. Sus ojos pequeños, profundamente hundidos, fijos, parecen taladros. Fascina, asusta, aterroríza. Hace temblar. Tal vez porque sabemos quien fue, de que era capaz. Definitivamente el es el protagonista de la historia. 

Después de Operation : Mincemeat (John Madden – 2021), esta cinta es otro intento inglés de revivir la historia, mostrando cómo estuvo a punto de ser otra, utilizando grandes actores. Casi ciencia ficción, casi ucronía. No existió realmente  tal reporte secreto y revelador. No existieron ni Von Hartmann ni Legat. La cinta da a entender que Chamberlain fue el origen y el cerebro del encuentro de Munich : en realidad, fue Mussolini, opuesto a la guerra a pesar de ser aliado del Führer. Lo presentan aquí como simple acompañante, al igual que el francés Daladier. Cierto es que Chamberlain y Daladier se equivocaron completamente. Lo cierto es que Churchill tenía razón, lo cierto es que la conferencia de Munich resultó en una aceptación cobarde de parte de los europeos, el sacrificio de una pequeña nación para salvar a las grandes potencias. Sacrificio inútil. Pero es fácil juzgar a posteriori. 

Se disfruta la película porque saber mantener un suspenso alrededor de la transmisión del documento secreto, porque sus actores son excelentes.  Eso no quita un cierto aburrimiento : otra vez lo mismo, otra vez la misma buena consciencia de : “te lo dije, no había que confiar en este tipo, este zorro fanático”. Es un buen intento para hacer la historia más cercana a las actuales generaciones, mostrarles que los jefes de estado tienen sus agendas y que la imagen que proyectan no son para nada fiables. Sin embargo, le falta a la cinta profundidad de análisis para aportar realmente conocimiento histórico. 

Amsterdam (David O. Russell, 2022) – 9/10

Una versión divertida de Historia alterna : como un grupito de amigos logró evitar la implantación de los nazis en Estados Unidos. Totalmente barroca, excesiva, Con actores excelentes y una fotografía admirable.

Ficha IMDb

En 1933 en Nueva York, el doctor Burt Berendsen (Christian Bale ) se dedica a reconstruir caras destrozadas, las “ gueules cassées” de la Primera Guerra Mundial : perdieron un ojo, la nariz, las mandíbulas se juntaron con las orejas, los cráneos están destrozados. El  dolor es insoportable, dolor físico y dolor mental porque los demás no soportan verlos. La puerta está abierta para experimentar algunas sustancias, algunas de fabricación casera.  El mismo doctor lleva un ojo de vidrio y camina torcido, doblado por dolores de espalda. Su amigo negro Harold Woodman (John David Washington ) es abogado, se dedica a defender las causas perdidas de los que no tienen dinero. Un buen día, cuando están muy ocupados en la preparación de la gala de veteranos, Liz Meekins (Taylor Swift) acude a pedirles que hagan la autopsia de su padre, el general  Bill Meekins, que acaba de llegar muerto de Ámsterdam.Tienen un plazo de dos horas ya que la funeraria está esperando para hacer la cremación. Después, tienen que reunirse con ella para darle sus conclusiones. La autopsia confirma las sospechas: el general ha sido envenenado. Al llegar al lugar de la cita, la joven no está y los dos amigos ven cómo cae muerta en la calle. Sobre denuncia de paseante, en realidad el asesino,  los dos amigos son perseguidos por la policía como culpables.  En el desorden de la policía, logran escapar. 

Un flashback nos lleva al pasado para explicar su relación con el muerto : el frente de la Meuse durante la Primera Guerra Mundial, el general Meekins ( Ed Begley Jr) fue el único en tenerles confianza a los soldados de color. Empezó la amistad entre Burt y Harold. Heridos, fueron atendidos por una enfermera “francesa”, Valérie Voze (Margot Robbie) que sacaba los pedazos de metralla de los cuerpos de sus pacientes para utilizarlos en extrañas objetos de arte. Empezó una complicidad un poco loca entre los tres.

Vuelta a Nueva York …

LA encuestra sobre el envenenamiento lleva a los tres comparsas a un grupo esotérico, a unos espías, a un productor de radio, el  hermano lejano de Valérie, Tom Voze (Rami Malek) con su esposa excesivamente rubia Libby (Taylor-Joy) y con vestidos rojos resplandecientes, snobs y arribistas. Entre muchas complicaciones, se le pide al general veterano Gil Dillenbeck (Robert de Niro), amigo del difunto,  que les ayude, fingiendo aceptar el dinero que un grupo político le ofrece para pronunciar un discurso a favor de Hitler durante la gala. 

La cinta es excesiva, su humor se antoja a veces pesado pero la fotografía a cargo de Lubezki (Cuarón, Gravity - 2013; Iñárritu, Birdman - 2014 ; Iñárritu, The Revenant - 2015) es una obra de arte. Crea un mundo a veces muy colorido, a veces expresionista, a veces onírico. La reconstitución de época está perfecta, a todo  lujo. Los personajes son muy originales: Christian Bale sabe, como siempre, transformarse, torcerse, distorsionarse, parece muñeco de trapo para súbitamente enderezarse 

Margot Robbie pone su belleza al servicio de un personaje lleno de vida, de locura, de inventividad, probablemente inspirado en Lee Miller quien fue una gran fotógrafa a parte de ser la musa de Man Ray (una toma en Amsterdam es una cita casi exacta de la famosa fotografía Le violon d’Ingres, espalda femenina desnuda con  los oídos de un violín) y varias obras de Valérie recuerdan el surrealismo imperante en tiempos de Ray en París. Recordemos que Lee Miller acompañó a los Aliados cuando liberaron campos de exterminio y cuando entraron a Viena. David E. Sherman, corresponsal de la revista Life, la fotografió en la bañera del apartamento de Adolf Hitler. Así de locamente libre y creativa es la Valérie de Robbie, en total contraste con la belleza fría, rígida de Anya Taylor Joy, la joven revelación de la serie The Queen's Gambit (2020).

La película está loca, su historia parece totalmente fantasiosa aunque sea verídica. La línea narrativa, sumamente sencilla y casi policíaca : ¿quién mató al General y por qué?, es acompañada, multiplicada por extensiones, derivaciones totalmente barrocas, que sirven de explicaciones. Y, milagro, el espectador no se pierde. Al contrario, se divierte en esos paseos a veces sin sentido a los cuales lo llevan. Pierde la noción del tiempo y de la Historia. Es cierto que hubo intentos de este lado del océano para instalar a los partidarios del movimiento nazi, en Estados Unidos, en México y en otros países latino-americanos. Algunos triunfaron durante un tiempo. Sin embargo, la entrada en guerra estadounidense después de Pearl Harbor  los calló .

Pero en realidad, ¿qué importa la Historia?. Queda la historia de una extraordinaria amistad y una producción muy trabajada. Amsterdam, que tiene poco que ver con su título, es antes que todo un divertimento muy loco con actores que se divierten tanto o más que el espectador.