Hellboy II: The Golden Army (Guillermo del Toro, 2008) – 6.5/10

Mucho más interesante que su predecesora; Hellboy II deja de lado el estudio de los personajes para enfocarse en el humor y el agasajo visual que permite el universo creado por Mignola. Queda claro que del Toro está ahora en su elemento, y todos salimos ganando.

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Hellboy (Ron Perlman) debe ahora detener la venganza de un príncipe elfo (Luke Goss) quien intentara revivir al legendario e invencible ejercito dorado. De su lado está la hermana gemela del príncipe, Nuala (Anna Walton), de quien Abe Sapien se enamora (John Alexander). Al mismo tiempo, Hellboy decide hacer su existencia pública, por lo que aparece un nuevo líder para el B.P.R.D.; el interesantísimo Johan Krauss (John Alexander, James Dodd y Seth MacFarlane – para la voz).

Una rápida mirada a la cinta llevaría a la conclusión de que es más superficial que la primera parte. Es difícil negar eso, puesto que Hellboy II es mucho más ligera y se concentra más en el aspecto visual y el cotorreo que la primera. En realidad lo correcto sería decir que pretende ser más superficial de lo que la primera pretendía ser. Ahí, en las pretensiones, radica que sea una cinta mucho mejor lograda.

Mientras las primeras partes cargan con el peso de tener que presentar a los personajes, las continuaciones pueden ahorrarse eso. Afortunadamente, los creadores decidieron que también podían ahorrarse las pretensiones innecesarias y dedicarse a crear una cinta entretenida y solida, sin por tanto caer en lo estúpido.

El humor, ahora no solo de Hellboy sino de la producción en general, se disfruta mucho más, y pone el infantilismo del personaje principal en una más adecuada perspectiva. Hay tensión y drama como debe ser, pero nunca se vuelve un lastre para regodearse en una historia entretenida. O para ser más precisos, en el hecho de contar una historia de manera entretenida. Porque una vez más la historia es lo de menos; pero en esta ocasión, ese hecho no es molesto, porque el transcurso se disfruta.

La película entera es como la cantina de Mos Eisley en Star Wars, con personajes mas extraños cada uno que el anterior, y pequeños indicios de que hay todo un universo con vida mas allá de las aventuras que narra la cinta. Todo el diseño de producción, pero en particular los personajes (como el ángel de la muerte), está muy bien logrado. Queda claro que del Toro encontró aquí el ángulo para hacer de Hellboy algo suyo.

Además de todo, el personaje de Johan Krauss esta de 10 y Liz Sherman se ve más guapa que en la primera parte.

Biutiful (A. Gonzalez Iñarritu – 2010) 7/10

Primera película de González Iñárritu sin su alter ego y guionista Guillermo Arriaga, esta cinta no tiene el rigor en la construcción y la mesura de las anteriores. Es una película que nos habla del dolor, del sufrimiento, personal y social. Es el fin de algo y el intento de corregir. Pero lo que domina es Javier Bardem, que se muestra, de cinta en cinta, como uno de los mejores, y más potentes, actores actuales.

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En una construcción casi lineal, a parte de las dos primeras secuencias, antes de los créditos, que se vuelven a ver al final, la cinta nos cuenta los últimos días de vida de un hombre que se muere de cáncer. Paralelamente, nos muestra el mal de una sociedad, invadida por inmigrantes ilegales, que viven y trabajan en condiciones infrahumanas que los llevaran a la muerte , y la destrucción de una familia por culpa de una mujer bipolar.

Uxbal (Javier Bardem) vive de los otros, explotándolos en cierta forma: ayuda a los muertos a pasar del otro lado, escuchando lo que tienen que decir a los vivos. Y cobra por eso. En las banquetas de Barcelona, pone jóvenes africanos a vender los productos piratas fabricados por ilegales chinos. Y paga a un policía corrupto para que cierre los ojos a todas estas actividades ilícitas. Nada muy honesto en todo esto. Este modus vivendi nos lleva a sótanos, patios, calles, llenos de gente, de suciedad. Como un inframundo, como un infierno. Cuando nos enseñan la grandiosa Plaza de Cataluña, es como escenario de una persecución de los vendedores ambulantes por la policía. Y cuando nos muestran la elegante Plaza Real y sus pórticos, la persecución se volvió masacre. No es una Barcelona muy bella ni culta.

Pero Uxbal vive para y por sus hijos. Numerosas escenas de comidas, como la primera escena durante el desayuno, con una complicidad tangible entre padre e hijos. Otras con la presencia de la madre. Y, según los estados de ánimo de esta, son apacibles o furiosas.

A medida que avanza la enfermedad (orina sangrienta e incontinencia), Uxban trata de compensar el mal que los otros o el mismo han hecho. Volver con la madre, comprar calentadores para el cuarto donde duermen, encerrados, los chinos. Pero nada funciona.

Y el deambular de Barden se vuelve mas angustiante, cabeza baja, manos en los bolsillos, arrugas, bolsas bajo los ojos, pelo sucio. ¿Como una cara tan fea puede volverse tan bella, en el sentido de una belleza más allá de los criterios tradicionales? Bardem esta habitado por su personaje, lo transpira. No se mide, no se reserva. En realidad, él hace la película.

Esta casi todo el tiempo en pantalla, y es el hilo conductor entre las diferentes intrigas: los chinos, los africanos, los niños, el padre muerto y el hermano, la esposa. Pero Iñarritu se da demasiado el gusto de tomarse su tiempo. Se alarga demasiado. Como los lugares en donde filma (muy buen trabajo de ambientación en estos departamentos pobres, desordenados, miserables), se deja invadir por su propia historia sin saber ponerle límites. Hay escenas innecesarias: la larga escena en el antro, que además recuerda mucho la de la discoteca en Babel (2006), los encuentros amorosos homosexuales de los chinos. Demasiadas escenas filmadas cámara en mano, que agregan más impresión de desorden.

Ya quisiera ver a Javier Bardem en una película de Arriaga.

Agora (A. Amenabar-2009) 8/10

¡Un peplum ! Genero muy apreciado en el Hollywood de los años 50, despreciado actualmente, salvo en grandes producciones tipo “Gladiator” o “Alejandro Magno” carentes de contenido intelectual. Esta cinta sí tiene ideas, además de una gran belleza visual.

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Una ciudad mítica, Alejandría. Una época clave, el siglo IV después de Cristo, cuando los cristianos llegan al poder religioso. Un lugar de paz y de reflexión se torna en zona de tumulto y muerte. Filosofía, enseñanza, libertad de pensar y preguntar, a si mismo y a los demás, todo eso va a desaparecer cuando la intolerancia y el fanatismo vienen a destruir toda individualidad y obligan a todos a enrolarse bajo la dominación de un sistema de pensamiento único, totalitario.

En una ciudad de sueño conviven la herencia egipcia, con los edificios monumentales, y las aportaciones clásicas romanas, colonizadoras y organizadoras. Es como un momento de equilibrio perfecto antes de la catástrofe. Y el mal viene con los cristianos, sucios, con ropas oscuras, malhablados, provocadores. Pero saben inspirar a los pobres y a los esclavos, hablándoles de riquezas y libertad.

Obviamente, la escena clave es la destrucción de la biblioteca, llena de millones de rollos que contienen todos los conocimientos del mundo. Y la invasión de la agora por los cristianos, provocados por los paganos que ya no soportan ver a sus dioses ridiculizados.

En medio de esto, y símbolo de esta época de libe pensamiento, un mujer, hermosa como una escultura griega, noble y culta por encima de todos, Hypatia (Rachel Weisz), que existió realmente. Que provoca a pensar y que provoca el amor. De uno de sus estudiantes, Orestes, (Oscar Isaac) que se volverá prefecto, y de su esclavo Davus ( Max Minghella) que la asiste en sus clases, las escucha y reflexiona. Pero que pasará del lado cristiano por despecho, después de una palabra despreciativa de ella. Una mujer que quiere quedar libre para seguir estudiando y enseñando. Y que su padre, Teón, director de la biblioteca, (Michel Lonsdale) respeta en contra de las opiniones de sus amigos. Una mujer que sabe escuchar a todos, y conduce sus experimentos astronómicos con un viejo eslavo fiel. Experimentos y reflexiones que la llevan a refutar el sistema ptoloméico sobre los movimientos del sol y de los “errantes” , los otros planetas.

La evolución de la religión cristiana, que pasa de ser un movimiento popular a ser una organización dominadora, que supo someter hasta al imperio romano, se muestra en escenas cortas, claves, tal vez esquemáticas, que resaltan la importancia de la ambición personal de los primeros obispos, en particular Cirilo (Sammy Samir) y las intervenciones de San Pablo, en contra de las mujeres, raíz de siglos de sumisión del genero femenino: que no piensen, que no hablen, que no estudien, que se cubran la cabeza, que obedezcan. Las que no lo hagan serán declaradas brujas y ejecutadas. Mismo destino para los judíos ya que mataron a Cristo. Siglos seguirán repitiendo lo mismo. Lo que esta escrito en el libro es LA verdad , LA verdad para todos.

La película nos muestra como, en algunos años, las mentalidades pueden evolucionar y perder toda capacidad de reflexión personal hasta encontrar normal lo que dice el que habla más fuerte. Obviamente, Amenabar quiere darnos ahí una lección actual.

Las bellezas de la ciudad recreada, sus edificios, calles o plazas, puertas monumentales, obeliscos, teatros, el interior de las casas; las vestimentas antiguas, mezcla de pliegues y bordados, y después los trajes pesados de los judíos, las túnicas y casullas de los obispos, distintas según la iglesia que representan, todo esto es fruto de un excelente trabajo de documentación.

Muchas tomas de arriba, sobre todo en las escenas de peleas, nos muestran a la ciudad como llena de hormigas negras, que la están invadiendo, inclusive en ritmo acelerado. Muchas tomas hacia el cielo, lugar de interrogantes para Hypatia, al mismo tiempo que lugar de serenidad y eternidad. Tomas desde el espacio sobre la tierra, con los ruidos de la calle y los hombres, dándonos a entender que estas querellas van a cambiar la faz de la tierra.

La imagen del círculo, como figura perfecta, inspiradora del sistema ptoloméico es reiterada en la película y se transformará poco a poco en una elipse, ya que Hypatia llegará a la conclusión que la tierra se mueve en elipse alrededor del sol. Y lo último que verá antes de morir será el cielo a través de la abertura elíptica del techo de la iglesia donde la lapidarán.

Paper clips (Elliot Berlin, Joe Fab – 2004) 1/10

Este documental es el ejemplo de como una iniciativa interesante puede volverse una película odiosa por la autosatisfacción que expresa.

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En 1998 en el pueblito de Whitwell -Tennesse , los maestros , que no sabían como hacer entender a sus alumnos los conceptos de diversidad cultural y discriminación, ya que todos en el pueblo se ven iguales, hablan igual, comen igual y rezan igual, deciden hablarles del Holocausto. La cantidad de judíos eliminados por los nazis, 6 millones, siendo muy difícil de concebir por los adolescentes, y en realidad por cualquier persona, nace la idea de juntar 6 millones de clips, para volver concreto lo que es una idea totalmente abstracta. ¿Por que los clips, y no cualquier otro objeto? Al investigar en Internet sobre el Holocausto, los alumnos descubren que el clip, invenció noruega, fue usado como signo de manifestación silenciosa por los noruegos en contra de las persecuciones alemanes. El proyecto se vuelve nacional, y después internacional. Llegarán más de 25 millones de clips.

La idea de los maestros en si no es mala. Es muy difícil para los adolescentes concebir los ordenes de grandeza, una vez que se sale de su entorno inmediato. Y hasta a veces dentro del mismo. Y también de imaginar que hay, o hubo formas diferentes de vivir o de pensar. Se puede dudar del interés pedagógico de estos proyectos que llevan meses de realización cuando talvez en menos tiempo se podría transmitir la misma información. Pero tenemos que aceptar que es una característica del sistema estadounidense de enseñanza, que desgraciadamente esta influenciando varios sistemas pedagógicos de otros países. Y que además es la base de toda una categoría de películas: el maravilloso maestro que sabrá llevar al éxito un grupo de alumnos frustrados, decepcionados , marginados, al saber darles la inspiración que los sacará de su inercia y su negatividad ( véase : Freedom Writers, R. LaGravenese - 2007 con Hilary Swank, Los coristas , C. Barratier -2009, Dangerous Minds , J.N. Smith – 1995, con Michelle Pfeiffer …Y tantas más, la lista es larga)

Pero lo inaceptable de la película es la visón de los participantes, directora de la escuela y maestros principalmente, sobre ellos mismos y su acción. Autosatisfacción, enternecimiento, auto felicitación. Por un lado, ven a la operación Paper clips como un acto de mejora personal, en un sentido religioso, en una postura muy “America protestante”, (WASP digámoslo) : “antes, yo era una mala persona ; ahora soy una mejor persona” Por otro lado, sienten que han hecho un bien a la humanidad, y en particular a la comunidad judía al dar “a las almas judías un lugar donde descansar”

Escuchar la lectura de estas cartas de agradecimiento de sobrevivientes, o hijos de sobrevivientes, me parece repulsivo. Los que vivieron este horror, esta aniquilación en vida (“Nacht und Nebel”, desaparición forzada en la noche y la niebla), esta reducción a la nada, los que fueron negados como seres humanos en su propia carne, de una forma indeleble, que ven hoy todavía cada día el recuerdo imborrable de lo que sufrieron, en la matricula que les imprimieron en el brazo, esta marca visible por todos, estas personas no tienen nada que agradecer a nadie. Ellos son para todos nosotros lecciones de vida, de resiliencia. Y nadie tiene el derecho de jactarse de ser “buenas personas” por hacer un lugar a sus testimonios. Es lo menos que se puede hacer.

En la película, todo esta hecho para borrar la realidad histórica: las fotos de archivo de los campos están escogidas para no herir las sensibilidades: donde están las imágenes de Nuit et Brouillard (Noche y Niebla) de Alain Resnais (1956). Hasta la música escogida, música de violines, o sinfónica, suave, tierna y romántica, como las imágenes bucólicas del principio de la película que nos presentan un lugar de bondad, belleza y felicidad. Un pequeño toque de música Kletzmer, pero tan discreto, “no vayamos a ser demasiado diferentes. Finalmente el kletzmer se parece a nuestra música” . Cámara subjetiva entrando al vagón, (autentico vagón recuperado en Alemania y transportado hasta Tennessee) en blanco y negro, que nos dice: “Yo estoy sufriendo como sufrieron los deportados “…

A la pobreza general de la realización, se agrega una tendencia al pathos, al melodrama, con planos cercanos a caras llorando, con meas culpas de “Yo fue una mala persona”. Y con alabanzas al Estados Unidos, lugar de libertad de expresión y tolerancia (¡pero el KKK fue fundado a unos cuantos kilómetros de ahí! Lo dicen al principio de la cinta.) Todo este regodeo hace de este disque documental un espectáculo muy penoso.

En fin, podría seguir mucho tiempo criticando, de lo tanto que me enojó ver esta autocomplacencia de gente que se cree buena. Mejor me dedico a ver otras películas.

La amante de Mussolini (M. Bellochio - 2009) 6/10

Me habían dicho maravillas de esta película. Pero no colmó mis expectativas. Es la historia de una obsesión, sobre fondo de imágenes de época. La historia del ascenso de un político, y del abandono en la sombra de una mujer enamorada. O loca.

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El montaje, complicado, del principio nos permite rearmar más o menos la cronología de la relación: Mussollini (Filippo Timi) e Ida Dalser (hermosa Giovanna Mezzogiorno aunque su rango de interpretación sea un poco limitado) se conocen en 1906. Se vuelven a encontrar algunos años después y empiezan una relación apasionada, al mismo tiempo que el futuro Duce se casa con Rachela Guidi, de quien tiene una hija.

Las imágenes de época, Trento en 1907 o Milán en 1914, son mezcladas con escenas filmadas , al punto que se vuelve difícil distinguir lo que es imágenes de archivo, y lo que es inventado. Pero se entiende que con eso la película pretende hacernos comprender de cuan bajo empezó Mussolini para llegar a lo más alto. Y que empezó de la izquierda hasta volverse un dictador de extrema derecha. Lo que no es sorprendente. ¿No se llamaba el partido de Hitler Partido Nacional Socialista? A medida que se desarrolla la película se ven cada vez más los discursos de Mussolini, estos sí auténticos, lo que permitirá entender el parecido entre padre e hijo. Y así darnos a entender que en verdad sí hubo una amante y un hijo clandestino de Mussolini y explicará el internamiento de estos en sendos hospitales psiquiátricos.

Una escena de sexo del principio, donde la mirada fija de Mussolini,en la sombra se torna cada vez más parecida a la de un reptil, un depredador, plantea el tipo de relación de sumisión total de la mujer, su erotomanía o, al menos, monomanía. Ida esta obsesionada por su amor. Por el sentimiento de persecución, de victimización. Toda su vida gira alrededor del reconocimiento que espera, que busca y que nunca obtiene. Su vida se llena con este deseo, llevándola a actuar más como amante traicionada, que como madre.

Pero la cinta es muy larga, a pesar de la belleza de algunas imágines, como la mujer colgada a las rejas, en una noche nevada. A pesar de la inclusión de películas de la época, a pesar del gran cuidado en la vestimenta de los personajes. Y a pesar de una presencia casi constante de la música, música de ópera. Que tampoco sorprende, siendo Italia el país del bel-canto y de Verdi, quien tomó claramente partido en sus obras por una Italia independiente de Austria.

Finalmente, la película parece más una ópera con las grandes arias de los personajes, las de Mussolini adulto y dominador de multitudes siendo interpretadas por el propio Mussolini en discursos auténticos, con grandes escenas de pasión, sea amor u odio, o celos, o desesperanza. O del hijo imitando a su padre a pedido de sus compañeros.

Wall Street - el dinero nunca duerme (O.Stone-2010) 6.5/10

Historia poco convincente, pero da gusto volver a ver a Michael Douglas, seductor u odioso. Algunas imágenes nos recuerdan que una película no es solamente la historia que cuenta sino también, y talvez sobre todo, los medios, visuales y sonoros, que usa para contarla.

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La película, en varios aspectos, es una melodramática historia de familia: el padre busca recuperar el amor de su hija Winnie (Carrey Mulligan) ; pero también vengarse del banquero Bretton James (Josh Broslin) ; el joven operador de cuenta Jake Moore ( Shia LaBeouf), novio de Winnie, busca vengar a su mentor, Louis Zabel (Frank Mingella) , pero también quiere conseguir dinero para una proyecto sobre energía verde. Los intereses se unen y el nuevo ambicioso une fuerzas con el viejo ¿Cuál de ellos sabrá usar mejor al otro?

En si, la historia es bastante tediosa. Todos son malos en el fundo, menos la joven, tierna e inocente, salvo cuando se trata de su padre. Y,hasta eso no dura mucho, se dejará ganar por los sentimientos.

Algunas notas de ironía: para escapar del círculo vicioso creado por los bancos, los préstamos, las hipotecas, hay una solución…. Compren mi libro. Algunas visiones bastante lucidas sobre el mundo actual: nos crearon burbujas de consumo, modas de las cuales ya no sabemos escapar. La madre de todo mal es la especulación. Porque los bancos mismos no saben como escapar de las trampas que crearon. La nueva burbuja es la fiebre verde….. Como la burbuja de la tulipomanía que vivieron los Holandeses en el siglo XVI (Un bulbo de tulipán llegó a ser vendido por el precio equivalente a 24 toneladas de trigo.)

Pero lo más interesante es lo que Oliver Stone hace con las imágenes, como las mezcla, las sobrepone, lo que les hace expresar, usandolas como metáforas . La euforia nos invade cuando la cámara sube, como acariciando las fachadas de los rascacielos de Wall Street, gozando de la belleza de la arquitectura, de la luz, de los reflejos en las ventanas. Es toda la euforia de Wall Street haciendo dinero, ganando millones. Las caras de los operadores de bolsa desaparecen atrás de las cifras de colores pasando sobre las pantallas internacionales. El ser humano ya no tiene importancia. Lo que cuenta son los números, los dólares que estamos ganando. Que importa si una empresa tiene que ir a la quiebra, si trabajadores pierden sus empleos, si directores van al suicidio. Corren los rumores, surgidos de la nada. Wall Street se vuelve ansioso. La cámara baja los edificios. Los dominós se caen en cascada. Antes de decirnoslo, ya lo sabemos :la empresa perdió todo valor.

Stone tambien hace uso de disferentes tecnicas de imágenes para transmitirnos un juicio sobre las cosas. Por ejemplo, el projecto de fusion de Jake se explica con imágenes de síntesis, dándonos a entender que es un proyecto poco realista.

Ironía también en la fiesta en el Met, con los planos cerrados sobre las caras de las damas, perfectas, maquilladas, peinadas, adornadas, operadas. Y sobre todo sobre sus joyas. Dinero, dinero, dinero. Apariencias, engaños. Y la secuencia, después de algunos intercambios de palabras educadamente amenazadores, se termina con un vals triunfal, al sonido de “Haeven, I’m in heaven” de Fred Astaire. Todos ganaron algo en esta fiesta : Gekko recuperó a su hija, Jack obtuvo el dinero para su proyecto…

Interesante la observación de los códigos silenciosos obedecidos por estos “actores” de Wall-Street : los jóvenes operadores de bolsa con sus trajes negros, corbatas de color pastel con rayas y camisas blancas ; los banqueros respetables con trajes azul marino de rayas , pidiendo garantías del Tesoro, pero en mangas de camisa cuando la tormenta llega.

En conclusión, una película que no vale por lo que nos cuenta, sino por los medios que usa para contarnosla.

Esperanza. Sierra de Teruel (A.Malraux-1945) 7.5/10

Una película corta, 68 mn, de propaganda republicana , filmada durante la Guerra Civil española. Esto no le quita sus notables cualidades artísticas.

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Única película de André Malraux, más conocido por sus novelas, Los conquistadores (1928) , La vía real (1930) y La condición humana (1933) , por sus estudios sobre arte : El museo imaginario, o más aun por ser ministro fiel al General de Gaulle, sobre todo ministro de asuntos culturales. Creador de las “casas de la cultura” y de grandes proyectos de estado para la divulgación del arte y que este sea accesible a las masas.

En 1936, lideró la escuadrilla España, sin ser piloto, pero con un enorme carisma. En realidad, los españoles no estuvieron muy satisfechos con su actuación y prefirieron encargarle una película de propaganda. Malraux decidió titularla Sierra de Teruel, pero por motivos comerciales, se le pidió unirla a su novela L’Espoir (La Esperanza), publicada en 1937. Por lo que Malraux medio aceptó y agregó ESPOIR, sin artículo a su titulo. Pero no se trata de una adaptación el libro, demasiado largo. Y en realidad poco narrativo. Se trata de unas páginas, hechos escogidos en el libro, que sirven a ilustrar el concepto final de la novela: la fraternidad., la unión de las fuerzas después del desorden entusiasta de las buenas intenciones individuales, de la desorganización del principio, de lo que Malraux llama “la ilusión lírica”.

Un puente que une dos puestos fascistas debe ser destruido. Y se organizan símultáneamente dos ataques, uno por tierra y uno por cielo . Para esto, se necesita destruir los aviones fascistas. Quien puede ayudar a los aviadores es un campesino que sabe donde están escondidos. Acepta subirse a un avión. Pero le cuesta trabajo reconocer desde el cielo lo que ha visto siempre desde el ras de la tierra.

Solidaridad de los habitantes del pueblo que llevan sus coches para que los faros sirvan de iluminación a los aviones que deben despegar antes del amanecer. Suspenso de la espera cuando pasan los minutos sin que el campesino identifique el lugar y mientras el sol se va levantando.

Numerosas tomas en cámara subjetiva : desde el coche que se avienta sobre un puesto de policía, desde la torreta del tanque, desde el puesto del bombardero en el avión , lo que ve el campesino…. Líricas tomas de naturaleza : flores, campos, árboles , que nos dicen cuan impasible es mientras los hombres pelean.. Tomas panorámicas sobre las caras, en las asambleas del pueblo, o a lo largo de la procesión. Caras de viejos y niños, hombres u mujeres del campo Las mujeres con sus mantones sobre la cabeza. Caras serias. La película fue rodada con muy pocos actores, filmando a los habitantes reales.

Montaje simbólico del vuelo de pájaros cuando el coche con dinamita se estrella en contra del reten de los policías. El sacrificio de los hombres dará la libertad al pueblo.

Al final, la procesión de los hombres bajando la montaña con los ataúdes y las camillas, turnándose. El cuerpo blanco del herido, envuelto en sabanas. Parecido a un Cristo. La gente cada vez más numerosa. Hasta llegar al pueblo, donde poco a poco, todos levantan el puño. Al sonido de la música de Darius Milhaud que empezó con sonidos casi discordantes (muy al estilo del Grupo de los Seis) , pero que acaba sonando como música de órgano.

La película no fue ni bien ni mal recibida cuando salió. En realidad, no llamó mucho la atención. Años después se volvió a difundir con un discurso introductorio de Robert Schuman, conocido como uno de los "padres de Europa" en referencia a su determinante participación en la creación de la Comunidad Europea , que hace claramente el paralelo entre la Guerra Civil española, y la resistencia francesa. Como dos luchas idénticas en contra de dos caras del mismo enemigo: el fascismo.

Hellboy (Guillermo del Toro, 2004) – 4.5/10

La fama del legendario comic de Mike Mignola (solo he leído una historia) parece haberle quedado un poco grande a la cinta del gordito del Toro. Aunque el humor es perfecto, por momentos la infantil personalidad del personaje principal lo trasciende y envuelve toda la película.

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Hellboy (Ron Perlman) es un demonio de otra dimensión que ahora forma parte del Buro de Investigación y Defensa de lo Paranormal (B.P.R.D.); junto con el simpatiquísimo Abe Sapien (Doug Jones) y, a ratos, la guapísima Liz Sherman (Selma Blair). En esta ocasión, Hellboy se enfrenta al mítico Rasputín (Karel Roden) quien pretende usarlo para fusionar una dimensión llena de seres malévolos con la nuestra.

La trama es poco interesante y la cinta, como es generalmente el caso con las adaptaciones de comics, intenta sobre todo enfocarse en los personajes. Usando el trillado enfoque del “nuevo” (en este caso un joven agente del F.B.I. que se integra al B.P.R.D.) que descubre este universo, la cinta nos presenta a los personajes principales. Nada novedoso ni en la idea ni en la ejecución.

La dinámica entre los personajes es interesante, pero no alcanza a ser los suficientemente envolvente. La tortuosa relación entre Hellboy y Liz, que podría ser muy significativa, se queda en la superficie. Lo mismo pasa con Hellboy y su padre adoptivo, el Dr. Bruttenhold (John Hurt), que si bien parecería que define a ambos, en realidad no trasciende. Inclusive la muerte de Bruttenhold termina siendo poco importante (y casi completamente irrelevante en la segunda cinta).

Para una película que parece querer sostenerse gracias al estudio de los personajes, termina siendo demasiado superficial. La sed de aceptación de Hellboy, como buen adolescente, es el rasgo que domina, y si bien definitivamente logra dar al personaje una cierta dimensión; no es suficiente para cargar con la película.

Los detalles están cuidados, los toques de humor son muy adecuados, pero las buenas intenciones no le alcanzaron para dejar de ser solo una cinta más.

Antes de que el diablo sepas que has muerto (s. Lumet- 2007) 8/10

Con una excelente dirección de actores, la historia nos lleva, usando un montaje desarticulado, a las motivaciones cada vez más profundas de los personajes, y a las consecuencias, cada vez más complicadas y tragicas de sus acciones. Una historia implacable.

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Partiendo de un hecho casi cotidiano, el asalto a una joyería, la película empieza como vulgar cinta de acción. Pero, usando flash-backs con fechas explicitas, el director nos lleva a la preparación del asalto y a sus motivaciones más superficiales: conseguir dinero fácil. Después se irán entrelazando escenas anteriores, posteriores y repeticiones de las mismas escenas, vistas de un punto de vista diferente. Así, con ubicaciones distintas de la cámara, inclusive en posición subjetiva, podremos entrar cada vez más profundamente en las vidas, los problemas, los motivos y las relaciones de los dos hermanos , entre ellos mismos y con los demás, El mayor, Andy (Philip Seymour-Hoffman) dominante hasta la máxima violencia gratuita. El menor Hank, (Ethan Hawke) débil e impotente frente a la vida, sus deudas, su hija, su ex-esposa, y por supuesto frente a su hermano.

La relación tan intensa entre hermanos desencadena toda una serie de consecuencias, producidas por el rasgo más personal de cada uno: la codicia del mayor, y la debilidad del menor. Uno idea el asalto, y el otro, incapaz de ejecutarlo, emplea a un cómplice, que no sigue las reglas, y provoca la muerte de la madre. Porque la madre es la que esta ahí en este momento, cosa que no debía pasar. La fatalidad, el destino, estaba esperando. Como en las tragedias griegas. Y los dos hermanos se vuelven responsables de la muerte de su madre, como Edipo lo fue de la muerte de su padre, o Agamenón de la muerte de su hija, u Orestes y Electra de la muerte de su madre.

Pero el acto central, el asalto, es también el punto de partida de todas las escenas anticipadas, en una huida hacia adelante donde cada decisión para salvarse lleva a consecuencias peores que se vuelven en marcha. Y las intervenciones del padre, hasta la escena final, en la que se encarga de la justicia. Y mata a su hijo.

Tonos fríos, duros, acompañan a esta exposición de la maldad y del destino. Donde el diablo, esta esperando pacientemente que sus victimas caigan en sus manos. De hecho, ya están en el infierno. Un infierno que se han construido ellos mismos, y del cual ya no pueden escapar.

Comer, rezar,amar (R. Murphy -2010) 5.5/10

Sinceramente, cuando salí del cine, no sabia que pensar: buena o mala película. Como buena cocinera, dejé reposar el asunto.Y, varios días después, me resultó que no es ni buena, ni mala.

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¿Que es? ¿Una historia de ficción? Sinceramente, le falta inventiva, le falta acción, ritmo. No pasa gran cosa. No hay grandes personajes, ni grandes momentos. Ya hemos visto un montón de estas películas sobre un mujer que, harta y decepcionada de la vida que lleva, y de los hombres, se va. Lo deja todo. Como si la solución estuviera en cambiar de geografía. Nótese que siempre se van a Europa, de preferencia el sur de Francia, España, Italia o a Oriente. Donde hace calor. Vease: Bajo el sol de la Toscana (AudreyWells.-2003) o Cartas a Julieta (Gary Winick. -2010)

En realidad , es una película de superación personal, como el libro , escrito por la misma Liz Gilbert, protagonista de la pelicula. Tiene tres grandes partes: como lo dice el titulo, y tres lugares, Italia, India y Bali. Pero no es una guía turística. (¡Lástima!) tiene capítulos, breves o largos, según: Apreciar la comida, aunque uno se tenga que comprar nuevos pantalones más grandes. Disfrutar expresar sus emociones. Aceptarse como se es. Aceptar el amor, arriesgarse. Confiar en que la vida nos presentará los maestros que necesitamos en el momento que los necesitemos. El libro tiene una construcción mucho mas clara: 108 capítulos, como las 108 cuentas de un "japa malas", el rosario usado por los yoghis. Cada parte del libro contiene 36 capítulos. Números mágicos, ya que, como lo señala Elizabeth Gilbert en su introducción, 108 es un perfecto múltiples de de 3 , en tres dígitos, la suma siempre es 9, numero mágico en si ya que equivale a la multiplicación de 3, numero representativo del supremo equilibrio, o de Dios mismo. Queda algo de eso en la construcción de la película. Pero no tan evidente.

La fotografía es bonita, sin mas. Aunque los platillos italianos se antojan (pero a mi gusto no hay bastantes postres) . Y la boda en la India es magnifica. Julia Roberts se cambia de ropa todo el tiempo. No es nada práctico para viajar tan lejos. Los actores un poquito sobreactuados. (el americano de Texas en el ashram, el curandero en Bali) hasta Javier Bardem a veces. Pero este ultimo luce bien sincero en su papel de corazón destrozado que tiene el valor de arriesgarse…. ¿Pero arriesgarse para ella? Julia Roberts igual a ella misma, o sea, poco interesante.

Porque, finalmente, ella escucha lo que le dicen pero sigue igual. Personalmente, no he sentido que haya madurado, que se haya vuelta independiente, aunque lo grite sobre todos los techos de Bali (no hay muchos) . Al final como al principio de la película, sigue, como le dice su amiga Delia, pareciéndose al hombre con quien esta.

Si la salvación esta en la comida, no hay que ir tan lejos (aunque tengo recuerdos inigualables de pasta en Roma) : México no esta tan mal. O hasta se puede encontrar el paraíso en una Big Mag. Toda esta en los ojos con que se la vea. O el hambre que se tenga. Rezar en un ashram parece ligeramente comercializado, al menos en la película.…. El contacto con Dios, o lo Bello, o lo Grande, o el espíritu, se puede encontrar en contemplar la belleza natural o de una obra de arte, o en la simple soledad.

Y lo que, a mi parecer, falta en esta lección de vida, es la importancia del Dar: atención, amistad, crear, transmitir algo. Para mi, la pobre Liz sigue igual de vacía que al principio, centrada sobre ella misma y lo que los demás le den….

O sea, bonitas imagines, ganas de viajar y comer. Pero, finalmente, mucho ruido para pocas nueces.

Predicciones (A. Proyas - 2009) 2.5/10

Resulta muy difícil entender que esta película, malísima, haya sido realizada por el mismo Alex Proyas que nos dio Dark City, una cinta culta, muy bien diseñada, muy bien actuada, con un ambiente tan particular.

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Empieza, antes de los créditos, por una secuencia que se desarrolla en los años cincuenta, en una escuela , centrada sobre una niña que parece hermana de la niña del Exorcista., como loca, poseída. Esta niña claramente sale de una película de terror. Tal vez el director quiso darnos así un indicio sobre el genero de la película que vamos a ver.

Situación de familia bastante vista ya: el padre viudo que enfrenta solo las dificultades de la educación de su hijo que no puede olvidar a su madre muerta en un absurdo accidente.

Nicolas Cage, como maestro de astrofísica en MIT, nos puede inspirar serias dudas, sobre el nivel de maestros y alumnos en este prestigiado instituto. Creo que todos podemos estar tranquilos: tenemos el nivel intelectual suficiente para ingresar. Su clase con algunos pensamientos sobre determinismo se limita a jugar pelota con el sol.

A parte de algunas escenas muy buen realizadas como la de el accidente de avión, y sobre todo la del accidente en el metro de Nueva York, una maravilla de tensión, suspenso, manejo de cámara, de edición, todo lo demás esta bastante tonto y esperando. Y el final, con los niños salvados, y llevados sobe un planeta por Aliens, o ángeles, para ser los nuevos Adán y Eva y volver a empezar el especie humana jugando en campos de trigo , es una visión bastante infantil, y además de una calidad de dibujo muy pobre, nivel escuela primaria sin imaginación. Por cierto, se nos presenta a dichos Aliens de una forma bastante incoherente, ya que al principio son un elemento de miedo, de terror, una amenaza que asecha, cuando en realidad venían a salvar a los niños.

Y no hablemos de la reconciliación final del protagonista con su padre, a quien no le había hablado en años.

Además, me recordó un episodio de la seria Dimensión desconocida, en el que los jóvenes, de todo el mundo, oían a través de las emisiones de radio que escuchaban, ciertas melodías o ciertas frecuencias que poco a a poco les hacían endurecer la piel. Y finalmente los adultos se daban cuenta que era un plan de unos Aliens para que las nuevas generaciones puedan resistir a la catástrofe que se estaba acercando, precisamente el calentamiento del planeta tierra producido por el sol. Así que la idea en si de proteger a la especie humana de una explosión solar no es original.

Además la actuación de todos es mala, exceptuando talvez a Rosa Byrne, que vimos en la serie DAMAGES frente a Glenn Glose y que tiene algo de carisma. Pero Nicolas Cage es bastante ridículo con una actuación que raya lo grotesco.

El escritor fantasma (R.Polanski-2010) 8.5/10

Una obra maestra, de uno de los grandes maestros del suspenso angustiante. Con una historia de misterio político, sencilla en su desarrollo, pero llevada con un arte preciso, que no deja nada al asar. Después de varios años de silencio, volvió el gran Polanski.

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Una hechura muy clara, sencilla, transparente, como los grandes ventanales de la casa, que dan a un campo desolado, lleno de lluvia y viento. Y permiten ver dos escenas al mismo tiempo, una dentro de la casa, y otra, en el exterior, muda y lejana, misteriosa. Unas imágenes, perfectamente compuestas, equilibradas, hasta serenas. Los paisajes de playas grises y desiertas recuerdan a El cuchillo en el agua (1962), primer largo metraje de Polanski.

Imágenes simbólicas: el jardinero barriendo las hojas y tratando de recogerla. Pero el viento vuelve a levantarlas de la carretilla..Esta imagen se repite al final, con las hojas de papel que vuelan y se pierden en la calle. El trabajo del escritor-fantasma fue igual de inútil que el trabajo del jardinero. O igual de absurdo. El fantasma estaba destinado a desaparecer. No existe. Ni siquiera tiene nombre. No se le menciona durante la ceremonia de presentación del libro. Se alude al anterior, que sí tiene nombre, porque es conocido de todo el mundo que murió en extrañas circunstancias. Pero el público ni siquiera sabrá que existió un segundo escritor-fantasma. La escena final, (en perfecto paralelismo con una escena del principio, como una paréntesis que se cierra : el escritor sale del edificio de la casa editorial, el manuscrito bajo el brazo y cruza la calle para detener un taxi) totalmente fuera de campo hace desaparecer al personaje de la misma forma que existió y trabajó, en la sombra. Es un fantasma, transparente, invisible. Esta decisión de filmar así el final es también una forma de decirnos que los problemas encuentran sus soluciones lejos de la vista del público.

Paradójicamente, el trabajo del escritor canceló el trabajo de su predecesor: al corregir el primer texto, borró los principios de los capítulos, donde se encontraba escondida, la frase que revela la verdad sobre el primer ministro..

Polanski se da y nos da el gusto de un humor inspirado en Hitchcock, el gran maestro del suspenso : cuando el escritor trata de abrir el documento a partir de la memoria USB y obviamente, se equivoca con el password, una alarma suena en toda la casa, bajan las protecciones de las ventanas, irrumpen los guarda –espaldas. … Pero se trata simplemente de un simulacro que se lleva a cabo regularmente…. O los créditos finales, en caracteres de maquina de escribir, de las de antes.

Talvez por primera vez, un director ha conseguido que Pierce Brosnan actúe, interprete a su personaje, y no se limite a hacer el galán. Deja adivinar el espesor, las capas escondidas de un interior turbio, inquietante, muy a lo Polanski.

Ewan Mc Gregor, interpreta bastante bien el hombre que se encuentra comprometido en algo mas grande que el, que no entiende, al mismo siento que se siente el juguete de fuerzas invisibles. Recuerda un poco a Johnny Depp en La novena puerta (1999), también de Polanski que recorre el mundo con su morral al hombro, a la búsqueda de un libro misterioso, y de pistas para descifrarlo Como él, es casi un fracasado en su trabajo, y totalmente solo en su vida sentimental. Y como él, sigue pistas misteriosas, aunque en El escritor fantasma, el guía sea un dispositivo GPS, avatar moderno de lo mágico.

Olivia Williams, como Ruth, la esposa de primer ministro, interpreta un juego ambiguo. Esposa engañada que lo sabe, y aparentemente lo tolera, y actúa como se espera de la esposa de un hombre público. ¿La seducción del escritor es venganza, pasatiempo en una noche solitaria, o tentativa de distraer su atención? Y finalmente, su verdad de mujer falsa, mentirosa y manipuladora se revela en la última escena cuando, después de un discurso oficial, lleno de toads las mentiras esperadas, se pone de acuerdo, en un simple intercambio de miradas con su tutor para decidir del final del escritor. Un personaje doble o triple, muy inquietante, muy “Polanski”

Hay que mencionar también la música, excelente y muy bien administrada en los momentos cruciales, de Alexandre Desplat.

Semi-Pro (Kent Alterman, 2008) – 3.5/10

Fiel a la formula de principio a fin, salvo que con mucha menos intensidad; eso quiere decir que por momentos se siente más autentica, pero definitivamente es menos divertida y emocionante. Esta es la peor película del, normalmente, eficiente Will Ferrel.

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Jackie Moon (Will Ferrel) es dueño, coach y centro de los Tropics de Flint. Ante la inminente fusión de su liga con la NBA, Jackie pretende que su equipo sea uno de los supervivientes. El problema es que Jackie y su equipo siempre se han concentrado mas en el espectáculo que en el deporte…y aun así no logran llenar el estadio.

Will Ferrel está acostumbrado a dar vida a personajes patéticos, y Jackie Moon no es la excepción, solo que esta vez todo el esfuerzo es patético. Los roles nunca quedan claros, y la reivindicación de los personajes no llega después de un esfuerzo que generalmente hace que el publico llegue a la catarsis necesaria en la formula.

Y no es que salirse de la formula este mal, formula o no, lo bonito es cuando hay una noción de dirección para la cinta y los personajes. Aquí sabemos cómo va a terminar todo, sabemos que el esfuerzo fracasa a pesar de ser valiente, sabemos que a pesar del fracaso en términos objetivos hay un triunfo espiritual, y que los personajes crecen con ello. Pero, Jackie Moon no crece, Monix (Woody Harrelson) se queda con la chica, en una situación de gran ambigüedad moral, pero no queda claro que haya superado sus problemas de auto desprecio y Clarence (Andre Benjamin)…bueno, en Clarence si se nota el progreso…aunque es un poco anti climático.

¿Quién es el personaje principal? ¿Jackie Moon o Monix? Nunca queda claro a quien queremos ver mejorar, quien va a salir adelante…nunca queda claro si alguno de los dos lo hace. Parece que se reparten el rol, quizás esa era la intención... Pero no es como en Anchorman: The Legend of Ron Burgundy (McKay, 2004) donde claramente el personaje más interesante en términos reales “cede” el protagónico al más patético; es Semi-Pro no hay dirección… (Y queda claro lo importante que es Adam McKay en las cintas de Will Ferrel).

Debo admitir que me dio risa presenciar el nacimiento del alley-oop; y ya.

Hancock (Peter Berg, 2008) – 3.5/10

Aprovechando la fiebre alrededor del cine de superhéroes, y el carisma de Will Smith, llega Hancock. Nunca queda claro si la cinta es una comedia o un drama, pero definitivamente el estudio tenía prisa por producir esta bonita película aunque el guion no estuviese completo. Una que otra secuencia padre e igual número de chistes divertidos, no más.

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Ray (Jason Bateman) es un agente de relaciones publicas bien buena onda que intenta convencer a grandes corporaciones de dejar de lado sus ganancias por el bien común. No es muy exitoso. Tiene a una hermosa esposa, Mary (Charlize Theron) y a un rubio hijo. Un día Ray es salvado por el muy poco apreciado, alcohólico y mal hablado súper héroe Hancock (Will Smith). Ray decide ayudar a Hancock a mejorar su imagen. Después descubrimos que Mary tiene los mismos poderes que Hancock (y hasta más) y la película ahora se trata de eso.

La premisa, aunque no revolucionaria, es interesante y pudo haber sido entretenida. En algún momento me parece que alguien en la producción decidió que no era lo suficientemente interesante para llenar hora y media de película, y cual capitulo de The Simpsons a partir de la quinta temporada, hubo que pegarle otra historia al final para que sobreviviera durante la duración necesaria. Igualmente pasa con el género, que por momentos es claramente una comedia, pero de pronto pasa largo rato sin ningún chiste y por momentos intenta ser una exploración del aislamiento que sufre el personaje principal, pero jamás va más allá de “pobrecito Hancock esta solito”.

Al final todo se reduce a un guion poco desarrollado y un desperdicio de dos grandes actores (Smith y Theron) y uno no tan grande pero simpático (Bateman). Lastima al final, porque parece que si hubiese habido menos guionistas (5!) y más dedicación, los recursos estaban ahí para que al menos, fuese divertida.

Clerks II (Kevin Smith, 2006) – 3.5/10

Dicen por ahí que la cinta de culto Clerks (Kevin Smith, 1994) fue la que inicio la ola Apatow del cine americano (es sorprendente lo seguido que aparece ese nombre en este blog). Tiene sentido, y definitivamente Clerks tiene cierto carisma; pero la secuela es insípida, predecible y demasiadas auto referencias.

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La tiendita en la que Dante (Brian O’Halloran) y Randal (Jeff Anderson) pasaron tanto tiempo como empleados es destruida por un incendio. Lógicamente los muchachos aprovechan esta oportunidad para buscar algo nuevo, y terminan como empleados en una cadena de comida rápida. Ahora Dante tiene una novia que se lo llevara a otra ciudad y cuyo padre le dará un trabajo decente; pero las cosas nunca son lo que parecen y la felicidad de Dante, al parecer, no está ahí.

Como la primera parte, Clerks 2 lidia con las frustraciones de los jóvenes adultos americanos que se encuentran a sí mismos atrapados en una vida sin futuro, privados de toda ambición real. Como en la primera, Dante se queja todo el tiempo mientras que Randal parece pasársela bien, mientras que Jay (Jason Mewes) y Silent Bob (Kevin Smith) venden mota afuera del local. Entre discusiones acerca de sexo y de cultura pop, la cinta lanza uno que otro cuestionamiento acerca del “camino adecuado” para alcanzar lo que uno busca; o mejor aún, cuestionamientos acerca del concepto mismo de lo que uno busca. Todos ellos estereotipados y banales.

No es que no sean verdad, es que no hay una aportación realmente interesante o un cuestionamiento profundo, más bien lo que hay es la oportunidad para que quienes se sienten así entre el publico puedan no sentirse tan mal por un momento. El deus-ex-machina del final se siente forzado, a pesar de que podría tener sentido y ni los chistes ni los discursos “brutalmente honestos” logran mantener la cinta a flote.

Zack and Miri Make a Porno (Kevin Smith, 2008) – 4.5/10

Kevin Smith nos trae una bonita comedia al más puro estilo de Jude Apatow, inclusive usando al amiguito de Apatow Seth Rogen. Claro, hay quienes dirán, y posiblemente con razón, que en realidad Apatow hace comedias al estilo de Kevin Smith; en realidad no importa – en su intento por hacer suya la comedia buena onda con muchas groserías y un final bonito, Smith logra una cinta desabrida y predecible.

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Zack (Seth Rogen) y Miri (Elizabeth Banks) son amiguitos desde siempre y llevan un rato viviendo juntos como compañeros de cuarto. Cuando sus deudas los sobrepasan deciden hacer una película porno para resolver sus problemas financieros. Además de hacerse de buenos amigos, descubren que se aman mucho mucho el uno al otro.

Como siempre sucede con estas producciones, buena parte del éxito o fracaso depende del sujeto que pasa la mayor parte del tiempo frente a la cámara, en este caso Seth Rogen quien definitivamente es divertido y buena onda. Elizabeth Banks y Craig Robinson (como el mejor amigo de Zack, Delaney) también tienen algo de carisma, pero no como para robar cámara. Así que, si, Seth Rogen es divertid pero no lo suficiente como para salvar la cinta.

La premisa de la historia es perfecta para que Kevin Smith use y abuse de chistes sexuales facilones o más complicados (e inverosímiles). La cinta tiene más desnudos de los que hubiese yo esperado (sorprendentemente, todos femeninos…) y hay un momento de verdad incomodo. Aun así es bastante rosa e inocente, léase simplona.

No es que sea la peor comedia de todos los tiempos, pero salvo uno que otro chiste, no hay muchas razones para quedarse hasta el final para ver el tristemente predecible final. Para colmo, el mejor chiste: cuando el gerente del local le pide a Delaney que trabaje en el “viernes negro” sucede en los primeros 15 minutos…

Be Kind Rewind (Michel Gondry, 2008) – 8.5/10

De principio a fin, Be Kind Rewind se trata del amor al cine. No al cine como producto, o como industria, ni siquiera como mecanismo de escape. Amor al cine como gatillo que dispara la imaginación, como vehículo para contar historias, como tema de conversación entre desconocidos. Amor al cine como aquello que nos da poder e identidad. Amor al cine como algo eminentemente humano.

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Mike (Mos Def) trabaja en la tienda de videos – VHS – de Elroy Fletcher (Danny Glover) por quien tiene una infinita admiración. Su amigo Jerry (Jack Black) destruye todas las películas por accidente, después de resultar “magnetizado” en un fallido ataque de sabotaje. En un momento de desesperación ambos re-hacen una película para ganar algo de tiempo antes de encontrar una solución…pero su película es un éxito y tal vez la manera de salvar la tienda del Sr. Fletcher.

El pretexto para la destrucción de las películas es solamente eso, un pretexto; la justificación para que los muchachos empiecen a filmar sus versiones de Ghost Busters y Rush Hour 2, es solo eso una justificación. Lo importante es que los muchachos hacen sus versiones, y son divertidas, porque son inocentes, porque rescatan lo que ellos consideran más importante de cada una, igual que cuando cualquier de nosotros cuenta algo a alguien más, es solo lo relevante, para nosotros, que trasciende.

Lo fantástico es que Gondry escribió una película que le daba el pretexto perfecto para usar la magia del cine como a él le gusta. Efectos especiales logrados con cartón y pegamento, escenas que se ven intencionalmente infantiles, pero que aun así son emocionantes, porque el producto final es algo que se ve, el termino funciona a todos niveles, “bien padre”. Las guirnaldas de navidad que remplazan rayos laser, la pizza como sesos en la pared, o la increíble secuencia de Men in Black II con el auto volando por el túnel, hecho con juguetes y cartón. Desde una perspectiva formal funciona a la perfección. También funciona que la producción de la cinta que contiene a las demás desaparece casi por completo una vez que la magnetización de Jerry ha cumplido su propósito. Después de eso, el medio hace todo lo posible para volverse transparente.

A esto ayudan las actuaciones. Los personajes parecen tener el mínimo posible de carisma, inclusive Jack Black esta bajado de tono. Posiblemente para demostrar que no es que esta gente sea especial, ciertamente no lo es. Lo especial es lo que hacen.

La conclusión a la que llegan los personajes es simple y cierta: el merito de las películas no está en sus presupuesto, sino en su capacidad de emocionarnos; y no hay nada más emocionante que el proceso de creación. Mike y Jerry transforman una pequeña sociedad de consumidores en un grupo de creadores. No importa que el edificio no se salve, todos salen ganando. La promesa del Internet (cumplida a veces, a veces no) – la democratización de la creación es en realidad cuestión de decisión, no de tecnología.

Be Kind Rewind es increíblemente humana, increíblemente cierta y significativa. Formalmente está lejos de ser el mejor trabajo de Gondry; pero el paso del tormento individual a este enaltecimiento (honesto) de la capacidad de creación humana y de su importancia, la convierte en una excelente película.

Break Up Club (Chun-Chun Wong, 2010) – 6.5/10

Una interesante exploración acerca de las relaciones de pareja que va del romanticismo infantil a la madura aceptación. Al mismo tiempo una puesta en abismo explorando la realización cinematográfica y su impacto en la percepción de una realidad. Ambas se combinan para contar una historia común, con una muy lograda integración entre fondo y forma.

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Flora (Fiona Sit) acaba de terminar con Joe (Jaycee Chan). Por alguna razón que no queda del todo clara, Joe asiste a un casting abierto organizado por la directora Chun-Chun Wong (ella misma) quien está cansada de contar historias de amor estereotipadas (“No todo el mundo ha tenido una historia de Amor Verdadero, pero todos han tenido historias de amor fallido”) y decide escuchar historias de amor reales, y a las 10 mejores, les dará una cámara para que filmen la continuación de su historia. Joe es uno de ellos, pues ha descubierto un sitio web que permite al usuario terminar otra relación para re-establecer la propia. Joe usa el sitio y regresa con Flora, pero debe usarlo una vez más después de un rato…y después de un rato las cosas vuelven a salir mal, y resulta que componer algo como una pareja no es cosa fácil.

El cine chino tiene por tradición una estética increíblemente cuidada y casi mágica, sea en el sentido de las cintas de acción (por ejemplo Tsui-Hark) o de historias más contemplativas (como con Wong Kar Wai o Ang Lee). Eso era lo que yo esperaba de Break Up Club. Al principio estaba yo decepcionado. La historia es narrada en primera persona por Joe, mientras graba todo con la Handy Cam prestada por Chun-Chun Wong. Su relación con Flora es infantil, la película es una comedia simpaticona y el guion es fantasioso (el sitio web funciona a la perfección cada vez). Hay algunas indicaciones de seriedad aquí y allá, pero en general la película en su forma es exactamente como la relación entre Joe y Flora: superficial, común y, una vez más, infantil.

De pronto eso cambia. En la historia parece que el sitio web mágico desaparece. Las bromitas tontas y los “te amos” sosos dejan de aparecer, las cosas se vuelven cotidianas (como suele pasar) y las peleas más reales, los conflictos más profundos. Al mismo tiempo, de manera casi imperceptible, la cámara deja de sacudirse todo el tiempo, la composición se vuelve cuidada, la iluminación significativa. Mientras al principio hay un esfuerzo por justificar la presencia de la cámara dentro de la ilusión de una historia real contada por Joe (cámaras de seguridad, las video cámaras de diferentes individuos); eso desaparece y la dirección y producción se vuelven más serias conforme la historia de amor se vuelve más una historia de dos personas reales. También es interesante que el centro de la película deja de ser Joe y se vuelve Flora.

Al final…o el primer final; la realidad gana, la historia no puede continuar, las cosas que han pasado son demasiadas. Todo se termina en lágrimas; pero así debía ser. Aunque hay otro final, un final que regresa la película al ambiente ligero del principio y que justifica el cambio formal (la directora filmo todos esos eventos con ayuda del mejor amigo de Joe). Tal vez no era necesario, pero es simpático y cierra el ciclo. También hay una insinuación de que la relación podría salvarse, pero eso no cuadra, eso vuelve a ser pura fantasía, fantasía que la historia ya no necesitaba.

Good Neighbours (Jacob Tierney, 2010) – 7/10

Llena de cinismo y un humor negro como la noche, esta bonita película se disfruta mucho a pesar de algunos momentos predecibles. No hay mucho más que decir una después de la presentación de Tierney en el Festival Internacional de Cine de Toronto: “Espero que la disfruten, aunque no demasiado; si la disfrutan mucho, posiblemente algo este mal con ustedes”.

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Víctor (Jay Baruchel) acaba de regresar a Montreal después de pasar unos años en China. Se muda a un simpático edificio donde sus vecinos son Louise (Emily Hampshire) una mesera a quien no le importa nada salvo sus gatos (que le importan mucho); Spencer (Scott Speedman) un cínico viudo confinado a una silla de ruedas y una amargada mujer que nunca para de beber, gritar y llorar sola en su departamento (Anne-Marie Cadieux). Al mismo tiempo, un asesino serial aterroriza el vecindario y resulta ser más que solo una noticia interesante para estos cuatro vecinitos.

Un excelente thriller que resulta ser refrescante no solo por su humor (muy) negro sino también por la manera en que presenta y examina a los personajes. Víctor, el único con quien el público podría sentir cierta empatía, es un mentiroso patológico y el perfecto estereotipo del judío neurótico a la Woody Allen. Spencer es definitivamente todo menos simpático, y aun antes de la gran revelación acerca de su personaje, su eterna sonrisa malévola nos hace querer estar lo más lejos posible de él. Louise, el personaje central sin duda – lo cual es una innovación en sí, pues generalmente el personaje principal de un thriller es o el asesino o el investigador (oficial o no) – es una sujeto al que honestamente no le importa nada de nada.

Si bien la critica parece centrarse en la secuencia de asesinato y violación que comete Louise, es la secuencia siguiente que para mí es realmente interesante. Louise y Spencer se encuentran en una situación que no deja duda a sus respectivas culpas y mientras Spencer tiene un momento de duda; Louise actúa como si nada, como si ver a Spencer no fuese sorprendente y como si ser descubierta no tuviese la mínima importancia. Es francamente genial.

Igualmente interesante es el revés que da la historia al clásico triangulo amoroso. “Dos tipos y una tipa” es una situación común en el cine, pero en Good Neighbours las cosas definitivamente no terminan como uno esperaría. Muestra de ello es la muy buena la secuencia en que Spencer por un lado y Víctor por el otro intentan adherir a Louise a su plan. La manera en que esta filmada y los cortes entre escenas logran establecer el ambiente muy bien, mientras que los diálogos y las excelentes caracterizaciones hacen una buena sinopsis de toda la historia: cada personaje con sus pequeños objetivos, intentando salirse con la suya, y Louise en medio, sin ningún esfuerzo, sin tomar abiertamente partido, y al final, es la única que gana.

Además del guion y las actuaciones, la fotografía y la música logran construir un ambiente de tensión aun en las secuencias más sosas, de manera que la patología de los personajes es siempre palpable, y todo el tiempo la audiencia está pensando en lo enfermos que están todos.

Synecdoche, New York (Charlie Kaufman, 2008) – Parte Segunda

Una película llena de significado; del guionista más interesante de los últimos tiempos merecía un artículo en dos partecitas. La primera esta aquí.

En Synecdoche, New York el personaje principal tiene miedo a morir. Ha llegado el momento en que la inevitabilidad de esa muerte se hace innegable. El sin sentido es ahora la idea dominante. El Absurdo domina todo. Que nos demos cuenta o no, así es con todos; pero más importante, que lo admitamos o no, así es con todos.

La piedra angular de la cinta son las mentiras que nos decimos a nosotros mismos para soportar la noción del absurdo; la realidad de nuestra total y absoluta soledad ante el vacio de la existencia. Lo hacemos todo el tiempo y constantemente. Caden decide crear una obra honesta acerca de la gente normal…todos. A cada uno de sus actores les da la orden de ser completamente, brutalmente honestos, cada día les da una noticia, un brutal descubrimiento acerca de si mismos que deben vivir; tal como lo harían en la vida real. Después, para ser honesto, debe encontrar a un actor que juegue su papel en la obra, así como el de las personas importantes en su vida. Este desdoblamiento es la manera perfecta de observarse a sí mismo, un reflejo constante del cual no hay mentira que lo salve. Después, el reflejo se vuelve individuo y necesita un reflejo también; que igualmente le permite descubrirse. El set necesita un set dentro, y otro set y otro set….y la ficción cuya intención es capturar la realidad muestra su incapacidad para hacerlo: la única manera que Caden concibe de comunicar la realidad es repetirla tal cual, ad infinitum, cada vez más grande. Total opuesto a su ex-esposa, cuyas obras son ejemplos de autenticidad, fineza y fuerza…cada vez más pequeñas.

Como las películas diseñadas para hacernos sentir bien acerca de nosotros mismos, que solo toman una parte del todo (sinécdoque), la más conveniente a los fines del narrador – la obra de Caden es incapaz de capturar toda la realidad. Pero en su búsqueda de honestidad no concibe dejar nada fuera…como Morelli en la Rayuela de Julio Cortázar, reconoce que su medio es imperfecto pues el enfoque en una parte significa no enfocarse en otra, igualmente importante para entender el todo. Y como Cortázar usa al personaje de Morelli, Kaufman usa al personaje de Caden para denunciar su medio; pero al mismo tiempo reconoce su valor, con una secuencia en el teatro que va en contra de lo que Caden ha dictado, y que sin embargo consigue transmitir tanta honestidad; mas que los diálogos copiados de la vida real. El fragmento de ficción que logra capturar la verdad.

Cada aspecto de la existencia es explorado, la casa siempre en llamas de Hazel, como signo de las decisiones que tomamos y las consecuencias que nos siguen toda la vida. Nada queda atrás. El problema ahí está, y todos lo vemos (Hazel dice claramente que teme morir por el incendio) pero decide quedarse…vivir con el problema; morir por sus propias decisiones, como todos.

La perpetua búsqueda de identidad de Caden; sus historias de amor, todas frustrantes, todas marcadas por su terrible inseguridad. Al final, Caden encuentra el consuelo de una rutina perpetua, dictada por alguien más. La falta de responsabilidad que en algún nivel todos deseamos, porque nos exime de toda culpa. Aunque al final eso no importa, porque la falsa búsqueda da falsas respuestas, porque al final cuando pareciera que hay entendimiento, en realidad ya no hay nada. Todo se termina sin ceremonia. No hay final feliz, o triste para el caso. Como la vida; simplemente se acaba, y ya.

Synecdoche, New York (Charlie Kaufman, 2008) – 9/10

Charlie Kaufman es, sin duda, el guionista más relevante en este momento. Y ha colaborado con dos de los directores más relevantes de estos tiempos. Resultando en 4 películas fantásticas desde todo punto de vista. Ahora por su cuenta deja al descubierto que era lo que traía cada parte de las mancuernas pasadas, y, sobre todo, que le interesa a Kaufman: total, absoluta y brutal Honestidad.

A petición del 80% de nuestros lectores (saludos Eddie): Una de las mejores películas que he visto jamás.

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Caden Cotard (Philip Seymour Hoffman) es un director de teatro que teme morir. La futilidad de su existencia es ahora evidente para él en todo lo que hace y la presencia eterna de la muerte y el sin sentido de su vida se hacen más evidentes cuando su talentosa esposa Adele (Catherine Keener) lo deja llevándose a su simpatiquísima hija. Caden comienza una relación con una de sus actrices, Claire (Michelle Williams) mientras intenta lidiar con sus sentimientos hacia Hazel (Samantha Morton). Al mismo tiene la oportunidad de crear la obra de teatro que siempre debió haber hecho, una obra donde deje todo de sí, una obra relevante, significativa, única…una creación honesta.

Charlie Kaufman es el autor existencialista por excelencia en los últimos tiempos. Aunque podría argüirse que sus creaciones re-exploran conceptos sin necesariamente hacer aportaciones fundamentales; la verdad es que el tema del Absurdo es complejo y vale la pena abordarlo desde diferentes ángulos, aunque parezcan similares, siempre y cuando se conserven dos rasgos fundamentales: honestidad y humanidad.

De las obras de Kaufman debo admitir hay algunas más interesantes que otras. Human Nature (Gondry, 2001) es definitivamente primaria con momentos inclusive burdos, tanto en el guion de Kaufman como en la estética seguida por Gondry. La denuncia es “fácil” aunque no por eso menos cierta; o divertida. Adaptation (Jonze, 2002) es interesante porque Kaufman juega perfectamente el juego de la película dentro de la película y transforma su frustración en creación. Es definitivamente un excelente ejemplo de hacer concreto el ideal de la creación como sublimación para el individuo. La primer cinta de Kaufman, Being John Malkovich (Jonze, 1999) es sorprendente y refrescante, un espectáculo visual, un delirio surrealista, sin dejar de ser una exploración de la naturaleza humana en sus más bajas motivaciones. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Gondry, 2004), explora el absurdo desde la perspectiva de la historia de amor, condenada a terminar, como todas, pero aun así disfrutable y significativa (¿no?)…metáfora perfecta para la existencia misma. Al mismo tiempo es, como las otras pero en mayor grado, un claro ejemplo del respeto por los creadores a las posibilidades del medio mismo; una maravilla narrativa y visual. Falta una película en este recuento Confessions of a Dangerous Mind (Clooney, 2002), que no he visto por miedo a salir decepcionado…

¿Por qué este recuento? Porque para empezar todas esas cintas son historias que vale la pena ver y volver a ver. También por lo que significan para Synecdoche, New York. El consenso popular es que cualquier obra existencialista es, por definición, triste o hasta deprimente. Concepto absurdo para empezar. Pero cualquiera de las obras anteriores es terriblemente optimista cuando se le compara con Synecdoche. Porque si bien las demás parecen tener una salida relativamente fácil, un momento catártico para la audiencia; Synecdoche no se lo permite. Kaufman empuja su búsqueda por la verdad al límite; y esta distinción es el mayor merito de la cinta.

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