Des vents contraires ( Jalil Lespert , 2011) – 5/10

Una película poco interesante, bastante tediosa y sin mucha tensión narrativa. Adaptada de una novela De Olivier Adam, aparentemente exitosa en Francia, Los caracteres son presentados de forma superficial, en pequeñas escenas que no tienen mucha continuidad. Los actores tienen bastante presencia y son los que salvan la cinta.

Ficha IMDb

 

Primer tiempo: después de una pelea por la repartición de las responsabilidades en la familia, Sarah Anderen (Taudrey Tautou) desaparece. Su esposo, Paul (Benoit Magimel), escritor (que no vemos escribir casi nunca) primero se preocupa un poco, después sale a emborracharse y deja a los niños solos.

 

Segundo tiempo: aparentemente meses después, agotado y sin dinero, Paul decide mudarse con sus dos niños a su lugar de origen, una pequeña ciudad a la orilla del mar en Bretaña. Ahí vivirá en la casa desocupada de los difuntos padres, y trabajará con su hermano Alex ( Antoine Duléry ) en la escuela de manejo de este.

 

La película es una serie de escenas que muestran a Paul en su "nueva "vida, una vida donde se debe adaptar a un nuevo trabajo, donde debe enfrentar solo el cuidado de los hijos pequeños, Clément (Hugo Fernandes) et Manon (Cassiopée Mayance) al mismo tiempo que debe adaptarse a la idea de que tal vez su esposa nunca vuelva.

 

Peleas con el hermano que le reprocha haber desaparecido de la familia, coqueteo de una alumna, Justine Leblanc (Marie-Ange Casta), confidencias de un alumno, Monsieur Bréhel ( Bouli Lanners ) quien perdió su licencia de manejo por atropellar a un niño ciclista que no tenía luces , y a quien no le pasó nada, complicidad con un padre divorciado( Ramzy Bedia) que "secuestra" a su hijo una tarde al salir de la escuela, escenas con los niños, de baño, de comidas, de llevarlos a la escuela, de jugar en la playa, de pintar la casa, encuentros entre agresivos y cómplices con la comisario de policía de la ciudad, Josée Combe ( Isabelle Carré).

 

La película tiene la suerte de contar con muy buenos actores, Benoit Magimel ya es muy conocido y ya probó ser capaz de responder a las exigencias de los más grandes, en particular Chabrol. Antoine Duléry, el hermano, tiene una amplia gama de expresión, desde la comedia hasta el drama. Los personajes secundarios también están perfectamente a tono con los personajes que interpretan. Audrey Tautou brilla por su ausencia: aparece solamente en algunas escenas de recuerdos, y no se le extraña.

 

Pero algo no acaba de cuajar en esta cinta. Nos quedamos a medio-interés. Falta unidad, falta consistencia. Es más una colección de viñetas, de escenas obligadas yuxtapuestas.

 

Temas que se entrelazan pero nunca llegan a ninguna parte. Que quieren presentar al personaje principal a la vez como un hombre perdido, pero también que apoya, entiende, escucha a los demás. Puede hacerse cómplice o maltrata un poco, nada más para ayudar a la gente a progresar y salir de sus estancamientos personales.

 

Le escena del regreso del padre después de aprender la muerte de su esposa, y de la reacción de los niños se alarga mucho, mucho. Quiere ser un plano secuencia real, realista, cinéma-vérité. Pero resulta ser falsa. Como las peleas con el hermano. O la escena con la muchacha seductora en la playa. Los diálogos son muchas veces vacios y clichés.

 

El final es un poco confuso. La escena anterior daba a pensar que todo iba bien: viven en la bonita casa de madame Pierson (Aurore Clément) porque se la cuidan mientras ella está de viaje, se llevan bien con el hermano, hizo las paces con Justine, terminó su libro y su amigo Bréhel lo lleva a la estación de tren .Hasta la música es alegre. Nuestro héroe llega a la oficina del editor, este está feliz de verlo. Pero este frase: "Eso, lo voy a decir rápido" …, ¿Qué significa? ¿Que le rechazan su libro?

Y después, sobre el puente, con todos los coches circulando, él los ve pasar Y, de repente, ya no está ¡!!!

 

Des vents contraires recuerda estas películas de mujeres que finalmente se liberan de sus hombres, encuentran la independencia, se dan cuenta de que son capaces de hacer las cosas solas, y que disfrutan de la complicidad entre mujeres. Aquí es lo mismo pero del lado masculino. Y se ve igualmente falso.

Last Chance Harvey.(Joel Hopkins, 2008) - 6/10

Actores agradables para un tema poco original: el encuentro de dos solitarios de edad madura, decepcionados por la vida y que, después de dudar, deciden finalmente probar suerte en un nueva relación. Lo básico y esperado de la historia es salvado por las excelentes prestaciones de Dustin Hoffman y Emma Thompson.

Ficha IMDb

Harvey Shine (Dustin Hoffman) es un pianista de jazz frustrado, que se ha reducido a compositor de jingles. Tiene que viajar a Londres para asistir a la boda de su hija.

 

Kate Walker (Emma Thompson) pasa mucho tiempo contestando las llamadas de su madre, quien vive sola y, últimamente se preocupa mucho por su nuevo vecino polaco que pasa mucho tiempo haciendo barbecues en el jardín. Kate trabaja en el aeropuerto haciendo encuestas sobre la calidad del servicio. Tiene dos buenas amigas que se preocupan de verla siguiendo soltera y le organizan citas a ciegas a las que ella asiste con buen humor pero que no funcionan.

A Harvey le va muy mal en la boda: la madre de la novia alquiló una casa para los novios y su segundo esposo mientras a Harvey le reservaron un cuarto en un hotel. Su hija le avisa que escogió a su padrastro para llevarla al altar. Y, a pesar de todas las llamadas a Estados Unidos, y de faltar a la recepción, pierde su avión y se entera que perdió su trabajo.

Cada uno se siente se siente abandonado, decepcionado, él más que ella. Porque ella tiene sus estrategias: no se desplaza sin un buen libro y tiene su vida londinense bien organizada.

 

Después de cruzarse varias veces el primer día, se hablan finalmente en una cafetería del aeropuerto.

Y la aventura comienza, él la acompaña a su taller de escritura, elle la incita a ir a la recepción y acepta acompañarlo, lo que le da la fuerza para reclamar su lugar de padre de la novia, al menos en el brindis.

La película sigue las etapas de rigor: complicidad creciente, esperanzas compartidas, incidente que impide el encuentro siguiente, interpretación equivocada, recuperación y explicaciones, últimas dudas, aceptación y entrega a una nueva esperanza.

Es también poco original el contraste de particularidades culturales y lingüísticas americanas e inglesas. O la diferencia de alturas entre los dos actores. Pero en ningún momento se ridiculizar a nadie. Todo se acepta con mucho humor, paciencia, educación y self-distancia british y desenvoltura gringa. Aunque todo transcurre con un ritmo tranquilo, la historia mantiene al espectador interesado y deseoso de saber que va a pasar con esos dos.

Finalmente, cuando todo está perdido, ya no hay nada que perder, entonces nada que temer.

A esta gentil tranquilidad de la película también contribuye mucho el bueno humor, la sencillez y el talento de Emma Thompson y Dustin Hoffman que saben ser tristes, decepcionados sin sobreactuar, sin caer en lo ridículo, como tantas veces ocurre en películas de tercera edad a punto de enamorarse.

Cento giorni a Palermo (Giuseppe Ferrara, 1984) – 6/10

Parte de la biografía de Carlo Dalla Chiesa, prefecto de Palermo del 1 de mayo 1982 al 2 de septiembre del mismo año, sus últimos cien días de vida. Hechos históricos, ejemplo de valentía y determinación. Y magnífica interpretación de Lino Ventura.

 

 

Ficha IMDb

 

La película, realizada el año siguiente a los hechos, cuando los recuerdos siguen frescos, empieza por situar muy bien la realidad de la violencia que impera en Palermo: asesinatos en coches, en la calle, en las casas, hechos que parecen independientes pero que se ven imposibles de detener. Hasta que el poder central decide nombrar a un carabiniero o sea un policía, el general Carlo Dalla Chiesa (Lino Ventura), determinado a acabar con el problema. Este servidor público, con alma de militar, se hizo famoso por su lucha contra el terrorismo, al lograr arrestar los dos fundadores de las Brigadas Rojas, organización que, entre otros actos famosos, habían secuestrado y matado al primer ministro Aldo Moro en 1978.

Él insiste en que necesita un marco político, que los diputados deben votar ciertas leyes y acepta la misión bajo estas premisas. Desgraciadamente, primer ministro y cámara nunca cumplirán esta promesa. Palermo está lejos de Roma y el general se ve muy aislado. Su equipo de trabajo es de lo más reducido. Pero vuelve a encontrar un amigo y subordinado, el capitán Fontana, (Stefano Satta Flores), siciliano, conocedor de la situación local y decidida a erradicar la violencia.

Los métodos de trabajo de Dalla Chiesa son sencillos pero exigentes: investigación exhaustiva sobre crímenes, transferencias de fondos, propiedades, impuestos, para establecer conexiones. Y sobre todo exige rapidez en la ejecución de sus órdenes, con mucha cortesía. Adopta un perfil discreto, viaja en vuelos comerciales, toma el taxi…

Paralelamente, la cinta enseña el funcionamiento de los altos mandos mafiosos italianos: la Cosa Nostra  parece un banco internacional: juntas en trajes, consultas por teléfono con el alto mando en Estados Unidos. Rapidez, eficiencia, economía de palabras: nadie discute.

Las acciones del prefecto van de las operaciones de control fiscal a arrestos masivos durante el gran juego de futbol Italia-Uruguay del Mundial, presencia personal en la procesión de santa Rosalía patrona de Palermo, reuniones-conferencias con los jóvenes para convencerles de los peligros de la droga (y así reducir el mercado para las empresas mafiosas), salidas a las obras a hablar con los trabajadores.

 

Desgraciadamente, la película torna un poco sentimental y anecdótica, con los elementos de la vida personal del general, mucho tiempo es dedicado a sus encuentros con su amiga Emmanuela (Giulana de Sio) , los miedos de esta, el proyecto de boda, la boda, la llegada de ella a Palermo, sus salidas al mercado…

Cien días tendrá Dalla Chiesa para tratar de limpiar, cien días le dejarán y cuando verán que va en serio y no se deja impresionar o corromper, o convencer por los altos mandos cómplices (como el alcalde de Palermo ) le harán lo mismo que a los demás: asesinarlo en su coche con su esposa y su chofer Dominico Russo .

 

Después de este atentado, el estado italiano crea el Alto comisariado para la coordinación de la lucha contra la delincuencia mafiosa, que permitirá los grandes juicios de 86-87, donde cientos de mafiosos se procesados.

Una situación de" ingobernabilidad" que no está sin recordar a México. Mafia o carteles de la droga, los resultados para el pueblo que vive a diario la violencia y para las instituciones que son ridiculizadas es el mismo. ¿Será Michoacán el Palermo de México?

 

 

 

 

 

Unforgiven ( Clint Eastwood, 1992 ) - 8/10

Ganadora de los premios Óscar a mejor película, mejor director, mejor papel secundario masculino, mejor edición, esta cuarta cinta de Clint Eastwood como director, dedicada a Sergio (Leone) y Don (Siegel), sus mentores, es una obra maestra de por su forma, su estética, su interpretación y la reflexión que conlleva.

 

Ficha IMDb

 

Una historia clásica de western? Sí y no. Sí, porque se trata de matar a unos malvados, porque los protagonistas parecen llevar la fuerza del bien. No, porque la tarea está encomendada por mujeres, prostitutas que quieren vengar a una de ellas, desfigurada por un cliente. No, porque los cowboys de antes, que mataban a diestra y siniestra sin pensar, son ahora unos viejos, debilitados físicamente, desanimados, desengañados, que tratan de olvidar su pasado y su fama.

 

Los tres viejos, William Munny (Clint Eastwood), Ned Logan (Morgan Freeman) y Little Bill Dagget (Gene Hackmann) se han retirado de la vida "publica". El primero, viudo, ha sido reeducado por su esposa y se dedica a respetar sus voluntades: ser honesto, aunque pobre, no tomar, educar a sus hijos en el bien y el trabajo. Ya no sabe montar ni dispararle a una lata. Vive obsesionado por su pasado lleno de errores, atemorizado a la idea de volver a caer, y como perseguido por la inmensa sombra a la vez protectora y amenazante de la difunta. Está convencido que sus desgracias actuales son el castigo por sus pecados: sus cerdos se enferman, su caballo no se deja montar…

 

El segundo es ahora un apacible granjero que vive con una mujer india , de mirada dura. Él todavía tiene aptitudes para la caza y un buen ojo para detectar los presumidos.

 

El tercero es ahora sheriff de una pequeña ciudad Big Whiskey, defiende como perro el orden: prohibido entrar con armas. Construye el mismo su casa, pero no se le da muy bien la carpintería y las goteras se multiplican. Trata a toda costa de evitar la violencia, al punto que puede parecer débil y cobarde.

 

Mucho más enérgicas son las damas del burdel; organizadas por Strawberry Alice (Frances Fisher), juntan su dinero para pagar un asesino a sueldo que vengará a Delilah (AnnaThomson).

　

La fama de Will atrae a su casa un joven, Schofield Kid (Jaimz Woolvett) que sueña con hacerse de algún dinerito al mismo tiempo que compartir algo de celebridad con uno de los grandes .Will lo rechaza primero, en nombre de sus nuevos valores, pero la pobreza galopante en la que vive lo hace cambiar de idea. Para eso convence a su viejo amigo Ned de acompañarlo.

 

También llega a la ciudad otro viejo, English Bob ( Richard Harris) también atraído por el olor de la recompensa, acompañado de sus biógrafo, W W Beauchamp (Saul Rubinek a quien le está contando con muchas exageraciones sus hazañas pasadas. Little Big se apresurará de aprovechar el arresto del hombre para restablecer algunas verdades con el escritor.

 

El contrato será ejecutado y los dos cowboys agresores también. Pero, después de ver a Ned, torturado por Little Bill hasta la muerte, y su cuerpo expuesto en el ataúd abierto, Munny vuelve a sus antiguos talentos y matar a quien se le ponga enfrente.

 

La dirección es seca, limpia, no sobra nada, las escenas tienen la duración perfecta y llegan en el momento perfecto. Se equilibran perfectamente momentos de soledad, momentos de diálogos, escenas multitudinarias.

 

La cinta, además de tener la belleza de imágenes tradicionales de western, campos abiertos, noche a la luz de la luna, salón, fuego de campamiento, destruye totalmente los mitos.

 

Mito del actor Eastwood, con su mirada glacial y su gatillo expeditivo de Por un puñado de dólares, y otros Leone, que ahora es un hombre viejo, lleno de arrugas.

 

Mito del cowboy violento que mata como camina y, tal vez. Reflexiona después. Como el Billy le Kid cuyo sobrenombre era Munny.

 

Mito del culto de la violencia, con los personajes del biografío y del chico que, frente a la realidad de haber matado, reconoce que es su primera vez y que no encuentra ni satisfacción, ni gusto. El pesimismo impera. Los héroes no son lo que se pretendía, ni lo que pretendían. Los hombres ya no quieren ser violentos. Porque saben que no tiene sentido.

 

Las mujeres parecen dominar la cinta, aunque su presencia sea discreta. Ellas encargan la muerte y esta decisión viril es lo que desencadena toda la historia. Por el otro lado, la esposa de Will, que nunca aparece, abre y cierra la narración, por un sobre texto que cuenta su vida: como llego a casarse con Will, como murió, como su mama fue a buscarla. Y la transformación que ella impuso a su esposo es el motivo más profundo de la historia.

 

Definitivamente, ya no hay verdaderos cowboys.

Perfume: The Story of a Murderer (Tom Tykwer, 2006) - 7.5/10

 

Excelente adaptación de la novela de Süskind (1985), que encuentra los medios técnicos y artísticos para hacernos sentir como lo hace el protagonista. En forma implacable, muestra la vocación, la ejecución del llamado extraño recibido por Grenouille el dotado, anormal según la sociedad y por ende monstruoso. En realidad dotado de un poder inaceptable.

 

Ficha IMDb

La reconstitución de la época es fabulosa, el mundo de suciedad que son las ciudades con falta de higiene, de espacio en este siglo 18 que empieza a preocuparse de salud y que en su búsqueda de ambientes limpios se volcará hacia el aire libre, los espacios abiertos, el campo. Y dará los primeros pasos hacia el romanticismo con el amor hacia la naturaleza de un Rousseau.

Pero mientras lo único que se tiene para protegerse de la inmundicia son los perfumes.En ese Paris sucio y pobre nace Jean-Baptiste Grenouille (Ben Whishaw) ,hijo de una vendedora de pescados, niño sin olor pero con un olfato excepcional. Físicamente muy fuerte, puede resistir las jornadas de trabajo más pesadas (de quince a dieciséis horas) en los ambientes más repugnantes como es el trabajo de las curtidurías, ya que la preparación del cuero se hace por medio de los excrementos.

El uso de los colores para traducir los olores es magnífico : uso de zoom, como una cámara buscadora que se lanza hacia la fuente del olor, va hasta el interior de las cosas, buscando su esencia, en el doble sentido, su verdad intrínseca y su olor central.

Así nos lleva a la portadora del olor perfecto, la joven vendedora de ciruelas ( Karoline Herfurth). Atraído, fascinado, magnetizado, Grenouille la sigue a través de las callecitas angostas, oscuras, se acerca como una sombra, la toca. Pero cuando ella, asustada, trata de gritar, él le cubre la boca e, incapaz de medir su fuerza, la asfixia sin querer. Después de su muerte, al beber el aroma de su cuerpo como su fuera agua después de meses en el desierto, encuentra la felicidad y el sentido de su vida: reproducir aromas. Este en particular, el aroma de la mujer deseada.

 

Para conseguir su propósito, se pone en marcha, buscando aprender cómo se fabrican los perfumes.Su primer maestro es el famoso perfumista Giuseppe Baldini (Dustin Hoffman), cuya carrera se ve amenazada por los invenciones de la competencia. Grenouille le inventa fragancias divinas, Baldini le enseña la técnica de la destilación y de la creación: se deben combinar doce fragancias, y, si se puede, agregar una treceava. Le cuenta de un perfume egipcio encontrado en una tumba, que hizo creer a sus descubridores que estaban en el paraíso. También le revela el lugar por excelencia de producción de perfumes, la pequeña ciudad de Grasse, en el sur de Francia, donde le podrán enseñar nuevos métodos para conservar los aromas naturales.

En Provence, Grenouille encuentra los inmensos campos de flores y la belleza de las jóvenes, en particular la hija del rico y viudo Antoine Richis (Alan Rickman), Laura (Rachel Hurdwood). Ella será la decimotercera esencia.

Grenouille logrará su objetivo, fabricará su perfume, lo usará para salvarse del patíbulo y para subyugar a una ciudad entera que se sumirá en una gigantesca orgia sobre la plaza principal de Grasse, actuando como una masa indiferenciada y sin consciencia.

Una vez probado su valor, ya no le quedará nada más que morir, de la muerte que él escogerá. Y el arma de su muerte será el perfume, que lo hace percibir por la multitud de los pobres como un ángel un salvador, un ser que quieren poseer, devorar.

Toda su vida, Grenouille tiene un comportamiento casi autista, no habla, se dedica totalmente a lo que hace, en ningún momento se despega de su objetivo. Es ignorante de las técnicas, de las palabras, de las relaciones humanas, en resumen de la cultura, ya que vive al nivel del animal, del instinto. La interpretación de Ben Whishaw , actor desconocido en cine , no permite nunca la empatía . Es un ser extraño, chueco en su andar, cerrado en su expresión facial, rudo y limitado en su hablar.

El interés de la cinta, mas allá de ser una buena adaptación de una novela fascinante, es la recreación de un personaje totalmente anormal y la posibilidad de darle una lógica, un sentido.

Es también remarcable por el uso del color, en una progresión que va de un mundo oscuro y frío, en grises, hacia un mundo cada vez más luminoso, a medida que Grenouille percibe, identifica, y busca los olores. Los colores se vuelven calientes, brillantes, intensos.

Las imágenes interpretan y transponen perfectamente las intenciones de la novela. Grenouille lleva ropa entre azulada y gris, para verse como un animal de tierra, un camaleón o un topo, como una sombra que nadie percibe. No pertenece al mundo de los humanos. Para Laura y sus amigas se usaron las telas tradicionales de cretonas provenzales, en vestidos de corte de moda de la época. Ellas son gente integrada a su espacio y su época.

Por momentos la película tiene una atmosfera a la Tim Burton, con las imágenes de Paris, principalmente de las casitas sobre el puente. Es la imagen de un mundo que se mantiene a duras penas en los límites de lo humano y que se siente amenazado a punto de verse destruido por deseos que no entiende.

The Place Beyond the Pines ( Derek Cianfrance, 2013) – 8/10

Como tragedia griega, como los hijos heredan las culpas de sus padres. Como no se puede escapar de un destino o de las decisiones de una sociedad. Dos hombres se cruzan y todo está marcado.

Ficha IMDb

 

En tres partes, que se presentan como los tres actos de una obra teatral, la película está construida cronológicamente, sin escapatoria. A pesar de los intentos de los diversos personajes de salir de su vida mediocre y de un destino que los rebasa.

 

La primera parte está dedicada a Luke (Ryan Gosling) , motociclista de feria, cubierto de tatuajes, que pasa su vida viajando de ciudad en ciudad. Al regresar un año después a su ciudad de origen, Schenectady (literalmente: "El sitio más allá de los pinos"), se encuentra con un hijo recién nacido. La madre, Romina ( Eva Mendez) ha organizado su vida con un nuevo compañero ,el afroamericano Kofi (Mahershala Ali) pero Luke quiere su lugar como padre. Para tener suficiente dinero, monta ataques a bancos de los cuales huye en motocicleta, ayudado por el mecánico Rob (Ben Mendelsohn) y su camión. Después de un arresto, Rob decide dejar los asaltos y Luke sigue solo hasta el día que todo se complica y se encuentra acorralado en una casa, perseguido por un joven policía nervioso, Avery (Bradley Cooper). Todo pasa muy rápido: Luke acaba volando por la ventana y cae muerto en la banqueta.

 

La secunda parte está dedicada a Avery, el policía novato herido en la operación y es la continuación directa de la primera parte. Llevado por sus compañeros policías poco honestos, bajo las ordenes cínicas de Deluca (Ray Liotta perfecto en el papel de policía sucio) a la casa de Romina a recuperar el dinero de los asaltos, que se reparten entre ellos, comienza a tener sus dudas sobre el deber policial. Trata de delatar a sus compañeros, cosa imposible, e inicia una carrera de político desalmado que lo lleva a una vida materialmente desahogada pero no le garantiza una vida matrimonial y familiar muy estable.

 

La tercera parte está dedicada a la generación siguiente, los hijos de Luke y Avery, tienen ahora unos quince años. Jasón (Dane Detlaan), hijo de Luke , encuentra en la escuela a AJ (Emory Cohen), hijo drogadicto del exitoso político . Entran en relaciones "comerciales" por uso de drogas y demás substancias. No saben quién son. Pero Avery identifica al compañero de andanzas de su hijo y trata de evitar que se junten y , con un resto de culpabilidad) que el hijo de Luke sea, como lo fue su padre, víctima de las imprudencias de AJ . A raíz de los sucesos, Jasón tomará el camino de la búsqueda de la verdad sobre su verdadero padre y encontrará su talento con las motocicletas.

 

La cinta dura más de dos horas y debido a su estructura cronológica, eso se siente excesivo. El eterno regreso de los pecados de los padres no deja escapatoria. Sin embargo el final es la vez imagen de una huida, de un abandono y un fracaso : el chico lo deja todo y parte no se sabe hacia dónde, para qué y por cuánto tiempo.

 

Pero también es esperanza: decide salir de este lugar donde todo termina y se cumplen los destinos, más allá de los pinos, y de la prisión que no dejaba escapatoria a los de la generación anterior. Al mismo tiempo es imagen de un reencuentro y, llevado por la motocicleta emblema del padre, es la aceptación de la herencia paternal y la reconstitución, más allá de la muerte, de la familia que Luke quiso tener, y el intento de escribir la historia de otra forma.

 

La sequedad de la narración, en una historia aparentemente muy sencilla y lineal, y de las interpretaciones, la línea recta que se sigue, sin anécdotas secundarias le dan una gran fuerza a la cinta. La interpretaciones son excelentes, tal vez menos para la segunda generación, que, al encontrarse en las actividades juveniles con sus excesos, es demasiado ruidosa en todos los sentidos.

L’été meurtrier ( Jean Becker ,1983 ) - 7.5/20

Una remarcable adaptación de la novela de Sébastien Japrisot, basada en hechos reales. Suspenso, venganza, manipulaciones, asecho. Con la interpretación que la valió a Isabelle Adjani un Cesar de mejor interpretación femenina: entre provocación, fragilidad, un personaje fascinante y aterrador.

 

Ficha IMDB

 

El objeto central, el cuerpo del delito, se presenta durante los créditos iniciales: un piano mecánico, llevado por un hombre de pueblo a pueblo en la montaña. Con su música la gente baila, y el hombre sigue su camino pasando puentes y atravesando valles.

 

Este piano es el objeto que ayuda a Eliana, Elle ( Isabelle Adjani) a seguir la pista de los tres hombres que violaron y torturaron a su madre , una noche de noviembre 1955. Ella va a cumplir 20 años, estamos en julio 1976. Suena Joe Dassin en los bailes populares. El piano, ella lo vio en el granero de la familia de Florimondo, Fiorimond, (Alain Souchon) que prefiere que lo llamen Robert, mecánico automotriz y bombero voluntario en esta zona de los Alpes provenzales donde los incendios causan estragos cada verano. Por su trabajo de bombero, la gente del pueblo lo llame PinPon, sobrenombre que reproduce el sonido d ela sirena del camión de bomberos. Florimundo, su hermano Michel, Mickey (François Cluzet y el más chico Boubou (Manuel Gélin ) viven con su madre (Jenny Clève) ya que el padre, el italiano, el dueño del piano, ya se murió, y con la tía sorda pero atenta Nine (Suzanne Flon, ganadora de un César de papel secundario por su interpretación) .

 

Elle seduce a PinPon, se hace recibir qué no aceptar en la familia, juega con todos, pasando de la amabilidad a la grosería. Y pregunta sobre el día que trajeron de vuelta el piano a la casa. ¿Quiénes? ¿Sus nombres? ¿Donde están actualmente? La primera que entiende su propósito es la vieja Nine.

 

La madre de Elle, Paula (Maria Machado) es llamada Eva Braun en el pueblo porque es alemana y llegó después de la guerra. Nunca se sintió aceptada y nunca quiso levantar la queja: Su compañero Gabriel Devigne ( Michel Galabru) vive ahora en un cuarto en la planta alta de la casa; ya no habla con su "hija, la que quiso tanto y que ella quiso tanto.Pero ella lo atacó con una pala , cuando tenía 15 años, y lo dejó paralizado. A los seis años Elle había descubierto que Gabriel no era su padre y que ella llevaba el apellido de su madre.

 

Eliane es una extraña joven, viste ropa transparente, shorts muy cortos, bikinis diminutos, rara vez usa pantaletas, camina en forma provocativa, tiene fama de jugar con los hombres, de todas edades. Miente e inventa, se contradice todo el tiempo Se baña en frente de su suegra y la tía pero se come las uñas, se desmaya cuando las emociones son demasiados fuertes y se sienta en las piernas de su madre y chupa su seno como bebe. Repitió tres veces el último año de primaria pero es excelente en calcula mental, más rápida que la caja del súper.

 

Casarse con PinPon es parte de la su venganza contra los agresores de su madre, contra los tres hombres y sus familias.

 

Pero todo termina en tragedia: PinPon venga a su nueva esposa por una mentira que ella armó. Él mata a los dos hombres que ella encontró y que, según sus investigaciones, llevaban el piano de vuelta. Pero, unos días antes, uno de los dos le había explicado todo y le había dado el nombre de los verdaderos culpables. Lo que descubrió entonces transformó drásticamente su vida: el trauma la regresa a una edad mental de nueve años.

 

Todos están castigados por el mal que hicieron los tres violadores. No se puede escapar del destino. Los descendentes pagan por las culpas de los padres o por las sospechas de culpas.

 

Jean Becker se mantiene muy fiel a la novela. Solamente acorta el final, en el proceso de revelación de la verdad. Así acelera el ritmo, y quita el efecto de suspenso que manejaba el autor. Pero hay que reconocer que funciona bastante bien, y evita que la película se haga aún más larga. Todo termina con el acto trágico de PinPon, el doble crimen ahora absurdo e injustificado que comete, sin dar la esperanza que puede aportar el personaje del abogado quien va a defender al criminal, con el conocimiento del relato y las explicaciones del culpable.

 

Por lo demás, se respetan las voces que comentan o relatan, subjetivamente y abren a puntos de vista de distintos personajes, sus intenciones, sus relaciones, sus opiniones sobre los demás.

 

El reparto está perfectamente escogido: Isabelle Adjani sabe cambiar de aspecto, de expresión, pasar de la vamp provocadora a la falsa víctima, de la arrogancia a la debilidad en un instante. Domina la película con una presencia que subyuga al espectador. Alain Souchon, famoso cantante que encontró ahí su primer papel en cine, es el PinPon perfecto, sencillo, honesto, que no sabe bien si debe creer a su suerte de que una chica tan bella le ponga atención. Un inocente que nunca entiende muy bien que está pasando alrededor suyo.

 

Suspenso y sicología, los dos talentos de Sébastien Japrisot , han sido perfectamente bien integrados por Jean Becker.

That's what I am (Michael Pavone , 2011) - 6/10

Sin aspavientos o grandes declaraciones, con un humor ligero, esta película trata sobre una tonalidad dulce y apacible de los problemas centrales de la enseñanza en su aspecto humano: la violencia entre alumnos y los juicios estereotipados sobre maestros.

 

Ficha IMDb

Esta película podría ser de hace cincuenta años y es de hoy. De hoy, se trata de los recuerdos de la voz off, que era un chico de unos trece años en los 60’s. Exactamente 1963 como lo enseñan los elementos de noticias televisivas: asesinato de Kennedy, guerra fría, amenaza soviética, macartismo….

 

La ambientación está perfectamente lograda en particular por la vestimenta: los alumnos con sus pantalones largos y sus camisas de manga corta abotonados hasta el cuello, los anteojos. Pero también el uso de de un colorido muy saturado nos remite a películas viejas, a recuerdo.

 

Dos mundos se codean, evolucionen paralelamente y a veces se tocan. El mundo central es él de los niños, en su versión alumnos de primaria, con sus códigos de comportamiento, de lenguaje, sus perímetros delimitados. Uno no entra al "geek corner" patio de los nerds sin correr el riego de ser eliminado de la categoría de gente frecuentable. Andy Nichol (Chase Ellison) se ve confrontado a la dura situación cuando debe hacer un trabajo en equipo con Stanley "Big G" (Alexander Walters), altote, pelirrojo y siempre serio, aún cuando lo atacan.

 

Para ser aceptado hay que ser guapo, despreocupado, no destacar por ningún talento particular o forma de excelencia cualquiera. No se usa todavía la palabra "cool" pero la idea ya esta presente. Y la exclusión se manifiesta por maltratos, extorsión (lunch, dinero, objetos). O la agresividad contra la "fea", Karen Connor (Sarah Celano) , considerada como contagiosa por su acné y su aparato dental. Sin contar los negocios clandestinos : Modak (Brett Lapeyrouse) vende de todo, escondido en su chaleco especial: plumas, pulseras,… Todavía no se daba el narco menudeo .

 

La niña bonita, Mary Clear (Mia Rose Frampton ) escoge su caballero sirviente del momento, sin importarle las peleas que los cambios puedan provocar. Ella impone el ritmo de la relación, pero no es una total "bitch" ya que le muestra paciencia a Andy en su primer beso y tiene talento de pedagoga en la materia.

 

Estos niños tienen familia .El mundo de los padres está presente con la familia de Andy: un padre (Daniel Roebuck) dominante, que sabe cómo hacer las cosas, que no explica, ni siquiera enseña. Simplemente hace las cosas en lugar de su hijo, hasta cuando se trata de la construcción de modelos a escala. La madre (Molly Parker) es más accesible, escucha, entiende, da consejos (el desodorante, que provocará más angustias que alivio), habla claro y sin miedos. Ella le explica a Andy qué es un homosexual, lo que escandaliza al padre, partidario del silencio : los niños aprenderán solos cuando se presente la ocasión.

 

Estos niños son alumnos y tienen que lidiar con las obligaciones:tareas, más complicadas cuando deben hacerse en equipo , festival de talentos. Para esto tienen maestros. EL personal de la escuela se reduce aquí a un maestro. ¡Pero que maestro! : El Señor Simons(Ed Harris) y a una directora , la Principal Kelner (Amy Madigan). Tambien aparece por ahí la Señora Cranby (Geraldine Singer), organizadora del famoso festival de talentos. El señor Simons tiene métodos de enseñanza clásicos, tradicionales, les lee a sus alumnos la historia de Juana de Arco. En medio de un silencio atento que hace soñar a cualquier maestro actual. Impone decisiones. Lo aman y lo respetan.

 

El conjunto de las tres partes, alumnos, maestros y padres, puede llegar a ser una mezcla detonante: Jason Freel Camille E. Bourgeois ), el golpeador de Karen, quiere vengarse del maestro que lo hizo castigar e inventa un rumor : el Sr Simons es "homo", palabra diabólica y casi desconocida en los 60’s. Como todo rumor, se esparce. Llega a ser acusación, amenaza a la escuela. La directora está entre la espada y la pared : si respeta la vida privada de su maestro , puede perder su puesto.

 

El profesor no quiere mezclar vida privada y vida profesional. O es buen maestro o no. Y se sacrifica al renunciar a la escuela. La rectitud física y moral de Simons encuentra un perfecto intérprete en Ed Harris, muy arrugado, muy elegante con moño y anteojos. Pero compresivo y protector con Karen ( la escena en el baño de niñas sería imposible actualmente , con todos los nuevos prejuicios que se tienen en las instituciones escolares) , firme y persuasivo con Andy (Repite conmigo :"Soy un escritor, eso es lo que soy") , irónico con el grandote malote al que Andy le golpeó una zona sensible (parece tener dolor en el vientre).

 

La selección de la heroína de la lectura diaria en el salón es obviamente simbólica. Juana de Arco es joven , mujer, se levanta en armas frente al enemigo inglés para reivindicar una patria francesa, pero también frente al aparato religioso para reivindicar una relación directa con su dios que le da la misión de pelear. Una mujer aislada, débil, que se deja imponer un tiempo la autoridad de los sacerdotes y renuncia a sus ideas para salvar su vida. Pero que volverá a su posición, y la defenderá hasta la muerte sobre la hoguera.

 

Porque cada persona es lo que es, tiene un talento para algo, dependiendo de sus circunstancias: Andy es un escritor, Big G es un cantante, el Sr Simons es un maestro, Juana de Arco es la guerrera de Francia. Todos responden a un llamado, una vocación, o simplemente un talento o una preferencia. Que debe imponerse a fuerza de trabajo. Y al cual deben, o tienen el derecho a quedar fieles, sean las que sean las presiones externas.

 

Una película sencilla, linda, pero que encierra un mensaje: las cosas no han cambiado en el fondo., tenemos nuevas palabras y medios que las amplifican. Y que podrían hacernos perder de vista lo importante.

To Kill a Mockingbird (Robert Mulligan, 1962) - 8.5/10

Película basada sobre una novela clásica estadounidense, de estas que los alumnos tienen la obligación de leer, porque es antes que todo una novela de educación.

Matar a un ruiseñor de Harper Lee, es considerada una novela gótica sureña. Aunque se vea frecuentemente como una obra en contra del racismo, no se limita a esto.

　

Ficha IMDb

　

Todo empieza con la abertura de una vieja caja de madera, llena de objetos aparentemente insignificantes: canicas, muñecos de madera. Una voz femenina adulta empieza a contar en off de una época en los 60’sen que su pequeña ciudad del estado de Alabama. Era muy tranquila hasta aburrida, no había nada que hacer o que comprar. Los niños vivían en libertad y podían jugar en las calles porque todo mundo los conocía. Es un mundo muy parecido al que presenta The Tree of Life (Terrence Malick – 2011).

　

El personaje central es él de Scout (Mary Badham), la niña de la voz adulta. Vive con su padre y su hermano en una casa sencilla cuyo cuidado está a cargo de Calpurnia (Estelle Evans)., una joven señora negra que funge también como figura materna ya que el padre, Atticus Finch (Gregory Peck). Es viudo: la madre de los niños murió hace cuatro años cuando Scout tenía dos años y su hermano Jem (Phillip Alford) tenía seis, edad actual de Scout.

　

Scout es una niña peculiar: no le gustan los juegos de niñas, viste pantalón, y se lleva muy bien con su hermano y el nuevo vecino Dill (John Megna),de vacaciones en el vecindario.

　

El padre también es peculiar: Atticus Finch defiende a los pobres y cuando no tienen dinero, le pagan con verduras o con un conejo o un pollo, como es el caso del granjero Cunningham (Crahan Denton.).

　

La historia es en realidad la de la educación de Scout, que se va a hacer en varios campos.

　

Va a aprender a aceptar las reglas de la sociedad: ir a la escuela, aceptar los vestidos, las reglas impuestas por la maestra y que van contra sus costumbres, y aceptar la convivencia con niños que no le caen bien.

　

Va a aprender que uno pelea hasta el final aún sabiendo que no se va a ganar, como lo hace su padre en la defensa de Tom Robinson (Brock Peters), un campesino negro acusado de haber violado a una joven blanca, Mayella Ewell ( Collin Wilcox) según le testimonio de su padre Bob Ewell ( James Anderson)

　

Va a aprender a respetar a los demás aunque sean diferentes, ponerse en sus zapatos para ver el mundo desde su punto de vista, como es el caso del vecino Arthur Radley (Robert Duvall) que nunca sale de su casa y a quien los adultos llaman "Boo" para asustar a los niños, este vecino escondido que deja los regalitos en el árbol, él que finalmente la salva. Cuando el padre humillado en publicó la ataca en el bosque.

　

Va a aprender que la vida no es justa: el juicio termina en la condenación de Robinsona pesar del alegadto final de Finch y de la demonstración de que fue imposible que Robinson la atacara y la golpeara. Quien la golpeó en realidad fue su padre, porque ella se atrevió a hacer lo inaceptable: tener deseo sexual y, peor todavía, tentar a un hombre de color. Y, como no se trata de un drama moderno con final feliz, el jurado no se deja convencer, un jurado completamente masculino obviamente, que se hace cómplice del padre que castigó a golpes a su hija cuyo deseo no conoce reserva ni restricciones raciales.

 

La película sigue casi todo el tiempo a los muchachos, sus juegos, sus desafíos mutuales de acercarse lo más posible a la casa de Boo, sus observaciones del mundo de los adultos. Sus preguntas e intervenciones.

　

Ningún efecto sensacionalista, solo unos acercamientos a las caras en los momentos intensos. El silencio se hace cuando el drama se vuelve determinante, como el ataque de Ewell a los dos niños en el bosque, en una atmosfera que recuerda a La noche del cazador de Charles Laughton ( 1955) Esta escena es digna de una película de terror, con suspenso, con la limitante de la visión de la niña prisionera de su traje de jamón, muestra de la riqueza agropecuaria de la zona de granjeros. El traje que la separa del mundo y le impide cualquier movimiento da oportunidad a planos cercanos de sus ojos asustados y tratando de ver que está pasando. Nos pone también en su posición y tenemos la visión subjetiva de lo poco que pueden ver y por extensión de cuan limitada es la visión de un niño sobre el mundo. En eso director y fotógrafo nos simbolizan cuan limitado es el entendimiento que un niño puede tener del mundo y a qué punto necesita la ayuda de los adultos para comprender.

　

Una imagen impactante al servicio del mensaje que un hombre de buena voluntad puede cambiar algo: la noche en que el acusado está de vuelta en la prisión del pueblo, Atticus se lleva un libro y una lámpara de pie y se instala en la puerta, para protegerlo. Un hombre solo con la luz y la sabiduría del conocimiento o de la ley(es un libro muy grueso) puede ponerse. Pero necesitará de la sensatez y bondad de una niña de seis años para que la horda de granjeros agresivos se sientan vergonzosos de sus acciones y se retiren.

　

La aventura de ese año significará para Scout la revelación del mundo adulto, con su fealdad, su gente mala y su gente honrada, con el apoyo y las exigencias. Es decir con lo difícil de la vida y las ayudas para afrontarlo. Sin sentimentalismo pero con humanidad.

 

Y con magnificas imágenes en blanco y negro y una gran música de Elmer Bernstein.

Jules et Jim (François Truffaut, 1962) - 8/10

Jules et Jim es una magnifica película de François Truffaut, y sin duda una de las más conocidas. Muestra el talento del director para jugar con los recursos, técnicos y narrativos. Y para dirigir a sus actores. Es una película sutil, a la vez divertida y trágica.

 

 

Ficha IMDb

Truffaut en persona trabajó a la adaptación de la novela autobiográfica de Pierre Henri Roché, también autor de Las dos inglesas y el continente, autobiográfico también, y también adaptada por Truffaut para una película (1971), y Roché estuvo encantado con la idea de Jeanne Moreau para interpretar el papel principal.

Se trata de una extraña historia de amor a tres, que perdura durante varias decenas de años, entre dos franceses y un alemán, a principios del siglo XX. Un francés, Jim (Henri Serre) y un alemán Jules (Oskar Werner) , amigos muy cercanos, cómplices sin falla, aman a la misma mujer , Catherine (Jeanne Moreau). Y ella pasa del uno al otro. Curiosamente, ellos no sienten celos, ella sí.

La película muestra claramente el paso del tiempo, desde los primeros años del siglo, hasta los años veintes. Pero no los muestra sobre los personajes quienes se mantienen físicamente intocados por los años. El tiempo pasa alrededor de ellos, en el cambio de la moda, en los coches, y en los eventos públicos. Truffaut hace un uso extenso de los documentos fílmicos de época, en particular los boletines de actualidades de los cines, o los archivos militares. Recurso que volverá a usar en La chambre verte (1978), historia de un hombre obsesionado por el recuerdo y el homenaje que se les debe a los que han fallecido, en la guerra o en la vida civil.

También usa los cuadros de Picasso para marcar las etapas de la vida de sus personajes, y la evolución de las relaciones. Asi se ve asar el impesionismo, el cubismo, los collages. Trece obras del pintor español cubren el período 1900 a 1923 . En la película, son no solamente una ambientación cronológica, sino también una expresión lirica paralela de la evoluacion de los carcteres y las relaciones La Familia de acróbatas con un simio ( 1905) simboliza el matrimonio libre que busca catherine, La joven con mandolina (1910) anticipa Catherine cantando Le Tourbillon , Nudo sentado , representando a la pareja de Picasso cuando acaba de perder el bebe que esperaba, significa el fracaso dela pareja Catherine-Jim que deciden separarse  al no poner tener hijos .

La novela de Roché tiene ciertas características bien particulares. Para empezar la fidelidad a la vida de su autor quien se inspiró de sus diarios de toda su vida, para escribirla. La vida de Catherine entre Jules y Jim , y yendo de Jules a Jim y vice versa es fiel a la vida personal del autor. Truffaut usa la voz off, leyendo pasajes intactos e la novela para recalcar el aspecto autobiográfico y literario de su película.

También tiene un estilo de escritura que busca la sencillez extrema, que depura, quita todo lo superfluo. Pero Truffaut le agrega cierto lirismo que no contradice las intenciones del autor y explicita el carácter del personaje central.

　

La figura femenina impone a los dos amigos un movimiento perpetuo. Como lo hace Thérése (Marie Dubois), ella que fue como un anticipo del carácter de Catherine: cuando Jim la vuelve a ver, años después, ella le cuenta su vida, sus aventuras y encuentros, sus vueltas al mundo, en una escena donde ella es el centro de la imagen, habla sin cesar, muy rápido para poder contarlo todo, mientras el movimiento alrededor de ella sigue, meseros, clientes, amigos de Jim. Ella obliga por su narración al joven a quedarse imantados por su persona y su palabra. Esta escena, breve, es un reflejo de la relación entre Catherine y sus dos hombres.

 

Si ellos hablan sin ponerle atención, ella se tira al Sena. No soporta no ser el centro de atención. Cuando ellos juegan tranquilamente cartas, ella se acerca a ocupar el primer plano, toma poses, cambia expresiones de su cara y actitudes de su cuerpo. Y Truffaut enseña muy bien el juego al inmovilizar la película en momentos de fotografía, de imágenes fijas.

 

Los hombres deben obedecer a la ley de atracción, no tienen derecho a independizarse. Cuando Jim trata de mantener su libre albedrio, es castigado, medio en broma, medio en serio: no quiere rascar la espalda de Catherine, ella lo abofetea, cree en la supremacía de la cerveza alemana; ella le impone una larga enumeración de los vinos franceses.

 

La canción interpretada por Catherine El torbellino indica el tono en el cual vive el personaje: ella impone a los dos hombres un ritmo de vida, que nada puede detener, ni siquiera el paso de los años. Catherine no puede detenerse, debe morir en movimiento.

 

En cambio la escena casi final, del suicidio de Catherine con Jules es de lo más sencilla, sin efectos dramáticos: subir Jim al coche, invitar a Jules a que los vea con atención, manejar de frente con una sonrisa a Jim, hasta el final del puente medio destruido.

 

Catherine ha ganado, a uno se lo llevó en la muerte, al otro, lo dejó en vida pero lo obligó a asistir a su triunfo. Nadie podía resistir a la fuerza femenina.

Le chat du rabbin ( Joann Sfar , Antoine Delesvaux, 2010) – 6.5/10

Historia de una búsqueda, y de una vuelta al hogar porque ahí se encuentra lo más valioso. Nada más que el héroe es … un gato. Y más extraño: el gato de un rabino.

Ficha felina en IMDb

Esta película de animación, es adaptada de los tomos 1, 2 y 5 de los álbumes del mismo Joann Sfar.

La historia es la de un viaje de iniciación, en equipo, con amigos, atravesando aventuras que hacen valorar más lo importante, que es el hogar, y el amor por una hermosa joven.

Pero es el gato del rabino quien vive la aventura y está enamorado de su ama, Zlabya , la hija del rabino Sfar, rabino de Alger . Es un gato inteligente, que reflexiona, que juzga. Es el de la voz off. Hasta ahí nada muy extraño.

Pero un buen día, el gato empieza a hablar, (¡es que se comió un perico ¡ ). Y a pensar y actuar como humano adulto: quiere hacer su bar mitzva, tiene discusiones religiosas con el rabino del rabino, y hasta ayuda a su amo en la preparación del dictado que deberá hacer para ser nombrado rabino oficial de su barrio. Y, en realidad, es bastante bueno en lo que intenta.

Después de la llegada de un ruso en una caja llena de talmuds, mandada al rabino por una aldea judía perseguida por los rusos, la pacifica vida de este se ve bastante perturbada : el joven ruso, pintor y capaz de hablar con el gato tiene una misión extraña, que puede explicar por el intermedio de un ortodoxo Vastenov . (En ese momento, el gato ya no puede hablar porque ha pronunciado en voz alta un de los nombres de Dios y, entonces, no puede traduce del ruso para su amo) El joven pintor debe encontrar una Jerusalén legendaria en etiopia, donde viven judíos de piel negra que hablan todavía arameo, la lengua de Christo. Se inicia el viaje de búsqueda con el apoyo de todos, el rabino y su gato, su viejo amigo el imam con su burro, Vastenov y el pintor se lanzan a atravezar África.

 

Es, claro, un viaje de iniciación, donde se conocerá a las diferentes culturas y religiones de la zona, musulmana, judía, africana, y los estereotipos tendrán se harán añicos.

 

El dibujo evoluciona y se transforma. Puede ser casi impresionista, poético, o puede adoptar un trazo sencillo que recuerda a Hergé. Y entonces, nuestros viajeros se topan con un joven periodista, muy contento de sí mismo, con su casco colonial, sus ideas bien establecidas y su acento belga. Claro es Tintin en persona, con casco colonial, pantalón de golf y perrito fiel. Y opiniones estereotipadas.

 

El humor está presente todo el tiempo, pero lo mejor de todo son las voces, escogidas perfectamente, cada una con sus entonaciones, su acento, su ritmo, que hacen de cada personaje alguien muy definido.

 

Una objeción: el gato es bastante feo y se parece a un gran ratón gris . Al verlo no se siente mucha simpatía, provoca hasta algo de repulsión. ¡Qué bueno que habla, su voz y su inteligencia compensan su mal aspecto!

 

El gusto que los realizadores encontraron en su trabajo se percibe hasta en la selección de la canción final, interpretada por Enrico Macias, icono de la canción "pied noir", o sea francés de África del norte.

The Door (Itzvan Szabó, 2012) - 7.5/10

Una extraña amistad entre dos mujeres completamente opuestas por la edad, el origen social, los gustos. Helen Mirren es extraordinaria de sencillez y secretos.

Ficha IMDb

Desde el principió, Emerenc (Helen Mirren) es presentada como una mujer tosca, encerrada en sí misma, oscura en su ropa, delantal, pañoleta que le cubre completamente la cabeza. Habla fuerte, no parece educada pero manifiesta un extremo respeto hacia el "máster", el amo. No soporta que se metan a su vida y nunca ha dejado nadie pasar su puerta. En su vida hay lugar solo para un sobrino, un amigo coronel y sus dos vecinas.

　

Poco a poco se va a hacer más presente en la vida del matrimonio que vive en frente, y a quien empieza por hacer solo la limpieza, pasando poco a poco a cocinar, organizar. ¿Cuál es la profesión del esposo, Tibor (Károly Eperies) ? No se sabe. Solamente se adivina que trabaja en una oficina y es delicado de salud. Ella, Magda (Martina Gedeck) escribe novelas. La casa es amplia y por eso necesitan de la ayuda de Emerenc. No se sabe bien si porque ella les toma cariño, pero empieza a llevarles comida y se enoja si la quieren pagar por sus platillos. Cuando Magda recoge a un perrito, Emerenc lo acoge, lo cuida y lo llama Viola aunque sea macho.

 

Emerenc teme más que todo a las tormentas y cuenta a Magda que al huir con sus hermanas mellizas de su madre, las dejó bajo un árbol que fue alcanzado por un rayo. La madre al descubrir los dos cuerpos se lanzó al pozo. Desde entonces Emerenc ha sido apartada por su familia.

Un día le pide a Magda permiso de recibir a una visitante en su casa como si ella viviera allí, solo pero unas horas. Sin embargo, después de preparar platillos, de traer su hermosa vajilla y de esperar largo tiempo, recibe una llamada: la visitante no ha podido viajar y avisará cuando pueda. La irá de Emerenc es irreprimible: obliga a Viola a comer todo lo que había preparado, rompe, grita

La relación entre las mujeres seguirá con los regalos feos que los esposos quieren esconder, los ataques de orgullo de Emerenc, el éxito literario de Magda. Hasta que un día de tormenta, la mujer oscura y fuerte, pero temerosa del viento y los relámpagos, deja entrar a la joven a su cuarto y le explica lo que todavía faltaba entender: el amor por el joven de la familia en la cual trabajaba, la identidad del bebé que llevó a casa de su abuelo, arriesgando su reputación, quien era la Viola de su niñez., la matanza y desmembramiento de la ternera para que nunca más quiera a nadie. Todas las razones por la frialdad de esa mujer, quien en el fondo estuvo siempre llena de amor y sensibilidad.

　

Una historia tal vez fácil en sus caracteres y relaciones esperados y tal vez sin muchos rebuscamientos. Pero una excelente interpretación de todos, desde el esposo, los amigos, vecinos de Emerenc en particular Polette (Agi Szirtes) .

 

Martina Gedeck es una Magda a la vez elegante, altanera, impaciente y sensible. Pero sobre todo Helen Mirren es una impactante Emerenc, testaruda, al estado bruto, en la máxima sencillez, sin maquillaje. Totalmente directa.

Barriendo la banqueta sin descansar bajo la nieve o peleando con las hojas muertas para barrer lo que queda en ella de sentimientos y peligros de dejarse amar o de encariñarse con alguien.

The Great Gatsby (Baz Lauhrmann, 20139 - 5.5/10

Gatsby es una película totalmente artificial, que no sabe muy bien si quiere ser película o animación, que sobrecarga, que acumula y no esta para nada en la sutilezas de los caracteres o de las situaciones.

 

Grandiosa ficha IMDb

 

La novela de Scott Fitzgerald de 1925 es muy conocida. Un narrador, Nick Carraway (Tobey Maguire), aspirante escritor y recluido en una clínica siquiátrica, cuenta y escribe sus recuerdos, como su prima Daisy Buchanan ( Carey Mulligan) casada con el millonario Tom Buchanan ( Joel Edgerton), quien la engaña a todo poder y pasa su vida jugando , tomando , bailando , lleva en realidad una vida triste y melancólica. Hasta que el dueño de la magnífica mansión del otro lado del lago, y vecino del primo Nick, resulta ser el multimillonario misterioso, el gran Jay Gatsby (Leonardo DiCaprio) , quien usa su vecino para acercarse a la que ha sido y sigue siendo el amor de su vida.

 

Las interpretaciones son interesantes. Di Caprio se parece cada vez más a Robert Redford, quien fue Gatsby en la película de

Jack Clayton (1974) con Mia Farrow , hasta a Orson Welles en Citizen Kane, lo que no es de extrañar ya que los dos personajes tienen semejanzas. Pero al mismo tiempo sobreactúa esta timidez del personaje frente a su eterno amor, este amor soñado que de repente, después de tantos años de intentos, se vuelve casi posible. Esto no queda con la seguridad del hombre de negocios.

 

Por lo demás, la escenografía y la ambientación en general son totalmente falsas. Uno se cree en Dysneyland, frente al castillo de dibujo. Y la casita del narrador es la de un cuento de hadas, perdida en el bosque, muy linda y diminuta. Las fiestas son excesivas, la música no tiene mucho que ver. Tanta exuberancia mata cualquier admiración o asombro del espectador.

 

Hay un guiño para todos los géneros, empezando por el musical, pero también la caricatura, la película social o de reivindicación, o histórica. En cada viaje a la gran ciudad de Nueva York, los personajes tienen que atravesar una zona intermedia ,entre un mundo y otro , un pasaje por una suerte de purgatorio, o casi de infierno, completamente negro, donde viven los trabajadores, la clase de abajo, los que permiten la satisfacción de los deseos de los de arriba. Ahí vive Myrtle Wilson (Isla Fisher) , esposa del mecánico. Ella satisface las necesidades amorosas de Buchanan , y su esposo garantiza el buen funcionamiento del magnífico coche.

 

Hay momentos interesantes, como esta escena en que el narrador está en la ciudad, en un hotel, mira por la ventana, y se multiplican las ventanas, cada una con su pequeño mundo interior.. Parece que hay intentos, ideas, para hacer cosa originales, pero la realización esta a lo límite de lo grotesco, porque es demasiado falso. Porque se siente demasiado como 3D, por ejemplo con esta forma de salir del edificio y estas vistas que se yuxtaponen, o estos zooms ultra rápidos al nivel del agua para acercar la casa de Gatsby a la de Daisy, como lo haría un ojo mágico. El ojo del pensamiento o del deseo. O cuando estamos en la zona intermedia, y vemos de repente, para finalizar la escena, salir del lado derecho de la pantalla, una estructura en construcción, y se pone en primer plano esta foto conocida de obreros descansando sobre una viga. Esto es un plano imposible en cine real. Es totalmente una imagen de comic o de película de animación.

 

En cuanto a la historia de amor desesperado de Gatsby por su Daisy, es una hermosa historia, romántica y demás. Casi le tenemos compasión al pobre hombre que muere con la ilusión de que ella vuelve con él y que van a ser felices por el resto de su vida. Él que muere por hacerse pasar por culpable del accidente que ella provocó. El hombre que después de vivir un sueño imposible, y mantenerlo vivo durante años a pesar de todo, construyendo un imperio de lujo nada más para ella, después de toda esa esperanza, encuentra una muerte trágica. Seguida por el abandono total de parte de los que fueron los felices invitados a las fiestas. Una historia de soledad, muy amarga. En medio de un mundo amoral, inerte, apático a pesar de sacudirse mucho en las fiestas. Una visión desesperada de una sociedad que se hunde. Y del deseo de alcanzar y revivir el pasado o lo que se cree fue la felicidad pasada.

 

Lástima que esta película la eche a perder. Y que, además, tarde tanto (más de 2 horas) en hacerlo.

Being Julia (Itzvan Szabo , 2004) - 4.5/10

 

 

 

Aparte del glamur de las decoraciones y la ropa, la película presenta muy poco interés en su narración o en sus caracteres.

Ficha IMDb

 

Años treinta en Londres: en un teatro donde el señor Michael Gosselyn ( Jeremy Irons) es el director y Julia( Annette. Bening) la actriz estrella, las exigencias del negocio pelean con el cansancio físico y moral de la diva. La altanería de ambos se burla un poco del joven americano Tom Fennel (Shaun Evans), recién llegado a Inglaterra, y que les recomendó un amigo. Pero Julia, para divertirse, se deja convencer por los halagos del joven a quien le lleva unos veinte años. Se entrega en forma desesperada y posesiva a este aparentemente inocente, que podría ser su hijo, pero que en realidad no se deja detener por ningún compromiso sentimental. Hasta parece que el dinero es el único motivo de su afecto.

 

Cuando recomienda una joven aspirante actriz bastante mala, Avice Crichton (Lucy Punch).para el papel estelar de la nueva obra que se presentará en el teatro de los esposos, Julia decide aislarse un tiempo en la playa en casa de unas tías. Al volver para los ensayos, aparenta ceder en todo momento el estrellato a la joven, que por cierto es también amante del seductor Michael. En esta estrategia la aconseja desde el otro mundo su difunto profesor de drama Jillie Langton ( Michael Gambon) .Todo para cosechar los frutos de la venganza el día de la Premiere, en un magnifico duelo de actrices,bajo los ojos admirativos de su hijo Roger (Tom Sturridge) y de su eterno y fiel amigo homosexual, Lord Charles (Bruce Greenwood) .

Hermosos ropajes, bellos departamentos. Una mansión de sueño en el campo, las calles de Londres, sus casas blancas e iguales y los primeros automóviles.

 

Jeremy Irons y Annette Bening están bien: él, alto y elegante como siempre; ella, un poco sobreactuada. Pero en los segundos papeles, hay que recalcar a Juliet Stevenson como Evie, la mucama de Julia, llena de ironía y sobreentendidos, y a Tom Sturridge como el hijo: aparte de ser muy guapo, sabe librarse de un papel ingrato de adolecente inglés con bastante soltura.

Quai des brumes (Marcel Carné , 1938) - 8.5/10

La película de las películas de los 40' .que hizo soñar generaciones sobre la transparencia de los ojos de Michèle Morgan. Sombras e imposibles. Nieblas y tragedias de la vida cotidiana.

 

Ficha IMDb

Pierre Mac Orlan escribió su novela en 1927, pero cuenta de lo que vivió en los primeros años del siglo, cuando Montmartre era tierra de pobres, artistas o no, cuando Frédéric, dueño del Lapin ágile abría su puerta a los que necesitaban comer, calentarse y tal vez un rinconcito para dormir. El café es el lugar donde una noche de invierno se encuentran por casualidad un pintor, un soldado desertor, un hombre culto pero en la miseria y una chica complicada. Cuando un pleito afuera amenaza a los de adentro, todos se unen para resistir. y se encuentran con un extraño carnicero que perdió un paquete y que ama la sangre. Los capítulos siguientes nos llevan a vivir unas horas o unos días con cada uno. Todos morirán salvo la chica Nelly quien subirá los escalones y se convertirá en la reina de las prostitutas de Montmartre.

Claro que no hay ningún muelle en Montmartre, pero muchas nieblas, reales o simbólicas.

La realización de la película se debe en gran parte a la insistencia de Jean Gabin quien todavía no había trabajado con Marcel Carné, pero quedó impresionado por Drôle de Drame en 1937. Jacques Prévert escribió guión y diálogos. Se filmó en el puerto de Saint Nazaire, lugar perfecto para un soldado que quiere desertar. Además el mar es también un buen lugar para un pintor suicida.

En la película , Quai des brumes es ahora el nombre de la cabaña-café en la playa, alejada de la ciudad, donde vienen a olvidar sus penas Michel Krauss el pintor suicida (Robert le Vigan) quien ve la muerte en cada una de sus pinturas , Nelly la huérfana adorada (Michèle Morgan),quien escapa ciertas noches del tutor que la quiere demasiado, Quart Vittel el pordiosero alcohólico (sobrenombre sacado de una marca de agua mineral) cuyo mayor sueño es dormir in sabanas blancas. El dueño, Panama (Edouard Delmont), que volvió de América del Sur conserva su sombrero y su guitarra y la nostalgia de sus jóvenes aventuras. Acoge y escucha a quien así lo necesite. Ahí llega Jean (Jean Gabin), el soldado desertor, ahí encuentra a Nelly y estas dos almas pérdidas y desesperadas encuentran su alma gemela.

A eso se suma una historia de chico malo, Lucien Le Gardier (Pierre Brasseur), de viejo celoso, Zabel (Michel Simon), el tutor enamorado de Nelly, de avaricia. Y el tema omnipresente con Carné y Prévert : la tragedia que no suelta a los pobres.

Es simbólico el "personaje" del perro que se acerca a Jean, el cual primero lo rechaza a patadas, después lo acepta, lo sienta junto a él en el asiento del restaurante para discutir con el médico de a bordo de su presencia en el barco a punto de salir a Venezuela, que le permitirá escapar de Francia. Finalmente le compra una correa en la feria. Está entonces listo para un compromiso afectivo. Es cuando le dice a Nelly la frase inmortal: "Tienes ojos hermosos, sabes." Y ella le contesta "Béseme".

Las locaciones son lugares ordinarios, tristes, donde la gente anda perdida, sin encontrarle un sentido a sus vidas. Poesía y desengaño. Lo que llamarán "realismo poético". Pavimento mojado y brillante, luces de cabaret demasiado fuertes, niebla, soledad, crímenes sin quererlos, amores sin poder vivirlos.