El espia ( B. Ray - 2007) 4/10

Una película poco convincente. “Breach” habla del caso real de un agente del FBI, Robert Hanssen, culpable de traición contra los Estados Unidos, arrestado en 2001. Pero resulta poco interesante, por su tema y por sur realización.

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Los espías son personajes para cintas de acción, con persecuciones, chicas guapas, Martini y suspenso. Son para divertirse. Cuando una película se desarrolla casi completamente en interiores, oficinas, casas, iglesias. , en un ambiente gris, tedioso, y además tiene un ritmo de lo más aburrido, se parece más a un documental. Aunque, para acelerar un poco el ritmo se mezclen escenas inspiradas de thrillers : mantener el hombre fuera mientras se desmonta su coche, o alargar una sesión de fotos mientras se descarga el contenido de su Palm.

Es cierto que despierta cierto interés, para gente como yo que no se sabía el final de la historia. Porque el arte del director es llevarnos a dudar, como lo hace el joven protagonista Eric O’Neill (Ryan Philippe, bastante inexpresivo como siempre) a pesar de la seguridad mostrada por sus jefes. La fachada esta impecable. En realidad, Robert Hanssen (Chris Cooper) parece demasiado odioso para ser de verdad malo.

Lo verdaderamente interesante hubiera sido profundizar en el carácter de este hombre, sus motivaciones. Chris Cooper lo interpreta como un obsesivo, un verdadero tirano, al punto de casi acosar a su subordinado, un caso sicológico, un ser perverso bajo apariencias de católico devoto, empleado y abuelo ejemplar. Pero a nivel personal, no en un plan político.

¿Que hace de Robert Hanssen un caso especial? ¿El volumen de información pasada al enemigo? ¿El hecho de que el mismo estaba al mando del servicio de protección de la información del FBI? El tiempo, veintidós años de sus veinticinco de servicio, que siguió asiéndolo sin ser descubierto? Mucha habilidad de su parte, o mucha torpeza de parte del FBI.

Ahora, gran parte de la película, y todo el hecho real, reposa sobre la noción de patriotismo y de lo que representa un espía. Alguien que traiciona. Porque pasa información secreta de su país a otro. Robert Hanssen provocó la muerte de agentes rusos dobles, al servicio de Estados Unidos. O sea, que pasaban información de su país a Estados Unidos. O sea, seamos lógicos, que traicionaban a su país. ¿Valían más que Robert Hanssen? Porque si pretendemos que una idea sea un valor moral, debe de ser universal. Traición es traición, Y que se practique al servicio de los “buenos” (noción muy relativa) no le quita lo inmoral.

Saber dar (N. Holofcener - 2010) 6.5/10

Una descripción intimista y agridulce de unos ejemplos un poco ridículos de la sociedad moderna. Con sus egoísmos y generosidades, y sus intentos de resolver sus contradicciones. El mundo de los Coen, o de Wes Anderson sin el sarcasmo.

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El principio de la película es un desfile de senos, de todas las edades, formas y volúmenes, que son jalados, empujados, y aplastados para que les tomen una mamografía. Situación que, además de ser incomoda, puede ser bastante angustiante, si no es que dramática. Pero la acumulación nos da la tonalidad de la película: vamos a sonreír de los problemas.

El pequeño grupo de personajes que vemos vivir están reunidos solamente por la proximidad de los departamentos: Kate (Catherine Keener) y Alex (Oliver Platt) viven con su hija Abby, adolescente redonda y acneica, en el departamento vecino de una anciana de noventa años, a la cual compraron el departamento en vida. Esperan (con impaciencia, ella,; con tranquilidad, él) que se muera para ampliar el suyo. Esta recibe frecuentemente las visitas de su nieta Rebecca ( Rebecca Hall) (la que hace las mamografías) y excepcionalmente las de su otra nieta , la superficial Mary (Amanda Peet)

Todos viven en contradicción consigo mismos y son un poco ridículos: una es demasiado alta, desaliñada y altruista, una demasiado tonta y egoísta, pero guapa. Uno feo, gordo, pero tierno. Una vieja, cascarrabias., pero sincera. Etc… Algunos tratan de convivir con sus malestares, cayendo en incoherencias mayores: Kate se siente desalmada al comprar barato los muebles de los muertos y quiere compensar dando su dinero sin medida a todos los limosneros que se le atraviesan, y tratando de participar en grupos de apoyo. Pero no tiene bastante fuerza de carácter: una de las niñas con síndrome de Down que venía ayudar termina reconfortándola en el baño. Abby se tapa los granos de la cara con una pantaleta , y sueña con jeans apretados.. Mary pasa todos los días delante de la tienda de la novia de su exnovio para imponerse el tormento de la magnifica espalda de su rival. Y Alex termina en la cama de Mary sin saber porque.

Todos en cierta forma se sienten solos e insatisfechos en su vida, buscan un remedio, y se equivocan. Pero Lo hacen con humor, con diálogos divertidos, con mucha auto irrisión, y también irrisión mutua. Parece que sus desgracias finalmente les divierten. No pueden vivir sin ellas.

Pero el final me pareció decepcionante, porque se toma demasiado en serio y es demasiado moralizante. Otra vez, terminamos con un “Viva la familia”: las dos hermanas parecen reconciliarse después de la muerte de la abuela. Papa y mama llevan a su hijita a comprarse sus tan deseados jeans. Nueva forma de dar una falsa solución a los problemas. Porque Mary sigue siendo una “bitch” guapa pero insoportable de superficial, porque Rebecca sigue incapaz de salir de su rutina. Porque los padres, con los jeans de 235 dólares, le dan gusto a su hija pero la hacen ver más gorda y ridícula.

Pero finalmente, salimos con una sonrisa. Porque todos tenemos nuestras pequeñas o grandes obsesiones ridículas. Y les tenemos mucho cariño.

El atentado (J. Fons - 2010) 7/10

Una película muy agradable, con buenas interpretaciones y un trabajo interesante en la dirección de arte. Es el principio de las festividades del Bicentenario-Centenario en el ambiente cinematográfico. No esperen ningún análisis político. Es antes que todo una película de diversión. Pero de calidad.

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Que empiece el desfile de películas para celebrar el bicentenario-centenario. Aunque, finalmente, toda película actual es una forma de ver, o analizar, o contar doscientos años de ser mexicanos, o cien años después de la revolución. Porque toda película que nos de un estado de la nación, aunque sea en la simple vida cotidiana, es obra histórica. Y podrá ser, dentro de diez, veinte, cincuenta o más años, un testimonio de lo que vivieron les mexicanos.

¿Se trata de una película histórica? Si, porque recrea un momento de la historia de México, un suceso real, el intento fallido de asesinato de Porfirio Díaz, a la edad de cincuenta y siete años .Y porque los personajes existieron realmente, en particular Gamboa, autor de la novela Santa , y secretario de Relaciones Exteriores de 1908 a 1910.

Pero no es obra de historiador. No da un análisis o explicación de los hechos. Simplemente describe. Es, antes que todo, una narración, en un sentido muy literario de la palabra. Es un trabajo sobre la narración, con una organización no cronológica, deliberadamente escogida para mantener un suspenso, un interés, en los hechos y en los personajes. Con un ritmo bien marcado, puntuado por las escenas de teatro popular, que resumen y acentúan el aspecto falso de los hechos. Que hacen intervenir el pueblo y sus burlas para que veamos bien que los sucesos políticos no son serios y no merecen nuestro respeto. Que, con dos actores y algunos accesorios, se pueden recrear los hechos, conservando las frases que pasarán a la memoria popular.

La película trabaja sobre lo visual. La imagen esta llena, más que llena, con primer plano, segundo plano, fondo. Con figurantes, que se mueven, hablan, y hacen pequeñas escenas, como sobre un escenario de teatro, o más bien de ópera. Los decorados son sobrecargados, los trajes son más que realistas, con excesos de telas, encajes, sombreros, medallas. Es más real que la realidad.

Y, al mismo tiempo, se usaron telas para hacer los fondos: el quiosco de Santa María, los muros de las calles del centro. Como se hacían para las fotos oficiales, de bodas, primeras comuniones, aniversarios. La película se muestra a si misma como puesta en imagen de una época. Los créditos de principio anuncian muy bien las intenciones: estas tarjetas postales, fotografías, cartones que flotan en una tercera dimensión y nos bombardean con arquetipos (como las tarjetas de la lotería) y con los nombres de todos los que participaron, seres humanos o entidades culturales o comerciales.

La película es un desfile de tarjetas animadas: el Poeta, el Anarquista, el Político, la Madre-burguesa, la Madre-humilde, el Borracho, la Trabajadora, el Ejecutor, el Presidente…

La puesta en escena insiste sobre el aspecto teatral de la vida política. Los hombres que vienen a linchar a Arnulfo Arroyo se desplazan como bailando; el atentado, y después el “suicidio” de Eduardo, tienen varias versiones, imaginadas, soñadas, reinterpretadas. La madre (Maria Rojo) interpreta la gran escena de la tragedia de la madre dolorosa, sostenida y rodeada por el coro de las plañideras.

Hasta las escenas de amor entre Gamboa y Cordelia son interpretadas como juegos poético-eróticos. Los actores ayudan a esta visión: el asesino, Arnulfo Arroyo (José María Yazpik ) con la flexibilidad y el encanto seductor del borracho que no toma nada en serio. Gamboa (Gimenez Cacho) , con su elegancia y su bigote, Eduardo Velázquez (Julio Bracho),, como la sombra negra, siempre serio y rígido, y Cordelia ( Irene Azuela), entre los tres, engañando sin engañar.Y no se hable de Don Porfirio, con sus medallas, su oro, sus plumas, su uniforme y su sillón, que manda todos a callar y se ríe del miedo que le tienen.

Nada es natural, todo es falso. Todo es risible. Como lo es la política. Como, tal vez lo es la Historia. Que finalmente es una mera interpretación en su tentativa de explicar los hechos pasados.

El creyente (H. Bean - 2001) 5.5/10

Una película muy extraña porque no cae va y viene entre los estereotipos sobre los neo nazis y la descripción de un caso excepcional. Irrita y atrae al mismo tiempo. Hay que recalcar la interpretación de un joven actor poco conocido: Ryan Gosling.

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El joven Danny Balint, (Ryan Gosling) aparente sin empleo, que vive con su padre gravemente enfermo, se pasa la vida caminando en las calles, molestando a judíos, , discutiendo ,y buscando peleas. También se deja entrenar a reuniones de adultos que parecen tener un objetivo, si no es que político, al menos intelectual. Tiene la apariencia del perfecto ario, se viste y lleva tatuajes con la svástica. Obviamente, tiene la cabeza rapada. Y, contrariamente a la mayoría de sus compañeros, tiene un razonamiento muy articulado, aunque discutible y, sobre todo un buen conocimiento de l pensamiento judío. Parece ser de una inteligencia y una cultura superior y es lo que despierta nuestra curiosidad y nos lleva a seguir con la película a pesar de todos los clichés del principio.

Más o menos a la tercera parte de la película, se nos da la explicación: fue alumno de una escuela judía cuando niño y se pasaba el tiempo desafiando al profesor de religión. Así podemos entender que su oposición física brutal a los judíos es en realidad el resultado de una oposición intelectual a creencias que se le impusieron y que le parecían inaceptables,

Dos eventos marcarán su evolución: como castigo a una pelea en un restaurante kosher, un juez impone a la pandilla encuentros con sobrevivientes de los campos. El relato, insoportable, de lo que hizo un oficial nazi a uno de los presentes perseguirá a Danny a partir de este momento. El horror es tal que la camera , en la recreación del hecho, que vuelve a ver, una y otra vez, no muestra lo inconcebible, horrible, inhumano que pudieron ser algunos, y muchos, actos .

El segundo hecho es el saqueo de una sinagoga cometido por la pandilla de Danny. Cuando los demás se diviertan orinando en los muebles, disfrazándose con los chales de plegarias, rompiendo los rollos de la Torah., él esta invadido por el respecto hacia lo sagrado. Se lleva ropa y rollos a su casa. Extrañamente, su novia le pide que le enseñe a leer el hebreo, que respeten ciertos ritos en su vida cotidiana. Y, con ella, el tiene el comportamiento de un judío creyente.

A partir de este momento convivirán en él dos partes, el antisemita que pone bombas en las sinagogas, que quiere matar judíos, y el joven creyente que lleva los rezos en la sinagoga. El final será la reunión de estos dos aspectos de su personalidad, cuando no puede o no quiere escoger. Tiene que ser los dos al mismo tiempo: Danny el creyente morirá en la explosión de la bomba que Danny el antisemita puso en la sinagoga de la cual hizo salir minutos antes su novia y sus amigas, excompañeros de la escuela judía de su infancia. Su última visión es la repetición obsesiva del desafío que le lanzó a Dios de bajar a la tierra para castigarlo por proferir sacrilegios al discutir el sacrificio de Isaac.

La película logra volvernos interesante y hasta comprensible la personalidad de Danny, llevándonos del skin head, gratuitamente violento, totalmente en acciones de violencia, hasta la personalidad muy compleja de alguien que quiere, debe y no puede vivir con una contradicción interior: la profundidad de la enseñanza religiosa, de los ritos, de las palabras que le inculcaron desde niños y el rechazo intelectual que eso le provocó.

Es también una lección sobe los peligros que representa el uso político de las ideas, y los más peligrosos talvez no sean los agresivos skin head, sino los “intelectuales” que quieren crear un movimiento fascista inteligente, y para eso saben atraen gente bonita que les dará dinero.

Finalmente, la cinta es la exposición de un caso, bastante excepcional y no da en realidad explicaciones, ni soluciones a un problema intelectual y social, el racismo, el odio, y en su caso particular e histórico el antisemitismo.

The Hitchhicker’s Guide to the Galaxy (Garth Jennings, 2005) – 4.5/10

Parece ser que el libro es un libro de culto. Por alguna extraña razón tenía yo altas expectativas alrededor de esta película, y si bien resultó ser divertida no resulto ser tan absurda como yo hubiese esperado. Creo que la secuencia de créditos iníciales terminó quedándole grande.

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Arthur Dent (Martin Freeman) es un tipo cualquiera que en una fiesta conoce a la chica de sus sueños (y de los de muchos de nosotros) Trillian (Zooey Deschanel); pero al decir la frase equivocada ella prefiere irse con quien resulta ser el presidente de la galaxia – Zaphod Beeblebrox (Sam Rockwell). A la mañana siguiente Arthur despierta para descubrir que su hogar será destruido para construir una autopista. Curiosamente lo mismo le va a pasar a la tierra. Su amigo Ford (Mos Def), quien resulta ser un alienígena, lo saca de la tierra a tiempo y después de re-encontrarse con Trillan, en contra de todas las probabilidades, se ve envuelto en una aventura intergaláctica con el fin de responder a LA pregunta.

La idea es interesante y hay algunos detalles curiosos o francamente divertidos. Marvin (Alan Rickman) el robot maniaco depresivo tiene muy buenas puntadas sobre todo en contra posición con la nave en si misma que es de lo más feliz…incluso cuando no debería. La “tecnología” detrás de la nave, el vuelo por improbabilidad, es divertida y da lugar a esa simpatiquísima escena donde todos son de estambre. Los Vulgans como analogía a la burocracia y el presidente que para serlo necesita tener solo medio cerebro son burlas tal vez demasiado evidentes, pero aun así dan risa. Lo mismo que la religión del “gran estornudo”.

El viaje personal de Arthur es más bien predecible, como lo es la respuesta a LA gran pregunta. No me refiero a “42”, aunque eso si me dio risa, sino a que no hay gran pregunta, no hay gran respuesta; lo único que hay es la vida. Más interesante que el momento de revelación de Arthur es la muerte de la gran ballena que mientras cae hace un recorrido por la filosofía de la humanidad. Comienza por nombrarse a sí misma y su entorno, para después llena de ilusión, cuestionar la razón de su existencia y el posible objetivo de su situación actual. Pero nosotros sabemos que solo fue accidente; y mientras la ballena se hace todas estas preguntas, lo único que pasa es que esta cada vez más cerca del suelo. Hasta que cae y ahí se termina todo. La maceta de petunias, por otro lado, solo puede pensar “no otra vez”; porque si, lo que nos pasa a nosotros ya le ha pasado antes a todo el mundo, y le pasara de nuevo a todo el mundo después de nosotros.

La gran pregunta para Arthur es “¿Es ella la indicada?”. La respuesta es sin duda importante; pero la pregunta que realmente importa es la que le sigue “¿Qué vamos a hacer?”. La guía del viajero intergaláctico es una pequeña guía para la vida. Y aunque las pequeñas analogías funcionan (a veces, otra vez, demasiado evidentes) me hubiese gustado, como en la vida, reírme más.

Pirate Radio (Richard Curtis, 2009) – 5/10

Buena música, chicas guapas y chavos buena onda. Exactamente lo que el rock debería ser. Además ahí se mezclan algunos detalles emocionales; unos malosos de risa (pero apenas) y una historia de esas de “coming of age” y el resultado son un par de horas agradables.

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A mediados de los 60 en el Reino Unido, pocas son las estaciones de radio que se atreven a transmitir rock y pop; y aquellas que lo hacen solo dedican un par de horas a esta música de chavos y chavas de onda. Pero existen las estaciones piratas que transmiten rock las 24 horas del día. Una de ellas es Radio Rock, transmitida desde un barco anclado lejos del control gubernamental. El joven Carl (Tom Sturridge) es enviado al barco para que aprenda…algo…bajo las enseñanzas de su padrino y toda la pandilla.

La historia de “coming of age” es el pretexto con el que inicia la historia, pero realmente es solo eso, el pretexto. Muy poco tiempo es dedicado al joven Carl, y solo son aislados episodios girando sobre todo en torno a su sexualidad y la (eterna) búsqueda por su padre. Aunque ambas cosas concluyen para beneplácito del público. Lo más interesante es la dinámica entre los miembros de la estación y la importancia que la estación termina teniendo para la población del reino unido, en prácticamente todas sus esferas. La historia del Ministro empeñado en destruir Rock Radio es también poco más que un pretexto y demasiado caricatural.

En general es una bonita historia de resistencia y el poder de la diversidad, con muy buen soundtrack. La historia de gente con importantes diferencias, que los llevan en algunos casos a lanzarse al mar desde el mástil más alto, pero con una profunda pasión. Esta padre ver los diferentes estereotipos de los rockers, el de sensual cabellera negra, que jamás habla, el extrovertido y altamente sexual, el que está completamente perdido en su viaje…

No hay mucho más que decir, la conexión entre la gente y la música es lo que importa y es lo que queda de manifiesto en toda la cinta. Solo una escena me parece vale la pena mencionar en particular. Después de que Carl sufre la gran decepción amorosa imprescindible en este tipo de cintas; hay una toma estática de el sentado sintiéndose mal. Un par de perdedores de la banda se sientan con él, le ofrecen leche y galletas y las disfrutan entre los tres…todo pasa, y pasa mejor entre cuates, con buena música y leche y galletas.

Y pase lo que pase, rock and roll will never die.

True Romance (Tony Scott, 1993) - 3/10

La película incorrecta en el momento incorrecto. Sin duda mi estado anímico colaboro en mi total disgusto hacia esta película, pero la verdad es que en sí misma no ayuda en nada. Una historia de amor plagada de violencia que a pesar de escenas fuertes termina sin tener demasiada personalidad.

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Alabama Whitman (Patricia Arquette) es una prostituta a quien le encargan darle a Clarence (Christian Slater), empleado en una tienda de comics sin mucho más en su vida, un feliz cumpleaños. Pero; o sorpresa, Alabama se enamora de Clarence y Clarence se enamora de Alabama. Entonces se casan y Clarence decide ir a darle una lección al padrote de Alabama, Drexl Spivey (Gary Oldman) – en tal vez la única secuencia de la cinta que vale la pena por algunos diálogos de este amigo. De ahí todo se complica cuando por error Clarence se lleva una maleta llena de cocaína, y después intenta venderla en Los Ángeles, mientras la mafia lo persigue.

La historia es sosa y no logra jamás ser realmente envolvente. Olvidemos la tontería del “enamoramiento” de este par de amigos. Después de todo, creo que es parte del “true romance” la idea de que así tal cual, son el uno para el otro. Definitivamente es refrescante que la “mentira” (en este caso, que Alabama es una prostituta a quien le pagaron para “encontrarse” a Clarence) salga a la luz en los primeros 20 minutos y la historia siga. Después es la actitud de Clarence que propulsa todo y si bien tiene sentido este muchacho que no tiene nada que perder y por lo tanto no teme a nada…termina siendo demasiado fácil.

Quizá ese es el punto; que no hay necesidad de mayor complicación, que es solo cuestión de ir y hacer algo y ya. Quizá por eso Alabama es tan feliz con él. Quizá por eso todo sale bien. Pero no se siente real, no se siente siquiera interesante.

Tampoco tiene mucho sentido que sea Alabama quien narre la historia, pero claramente es todo la fantasía de Clarence (al menos explícitamente con las apariciones de Elvis)…pero después de tanta sangre y golpes y balazos creo que eso resulta lo de menos.

Me pareció curioso el número de actores que aparece una vez y luego ya jamás, como Samuel L. Jackson, o sobre todo, Christopher Walken…como si alguien estuviese cobrando favores…

De inicio a fin, una pérdida de tiempo.

Amor por contrato (D. Borte – 2009) 4/10

Resulta muy decepcionante que un punto de partida tan interesante acabe en una película tan mala. Ni comedia, ni drama, ni crítica a la sociedad. Muy plana.

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Los primeros quince o veinte minutos de la película son interesantes: la llegada de los maravillosos Joneses a su maravillosa nueva casa, en su maravilloso suburbio. Y el principio de sus campañas de venta. Como familia, y después como individuos, van tomando posesión del mercado. Con marcas y logotipos, frases comerciales, poses para publicidad. Cada uno en un segmento de populación, con los productos correspondientes.

Pero después, entramos a un conflicto cuando los verdaderos personajes, cuyos nombres no sabemos (salvo Steve el inadaptado a esta profesión, por falta de cinismo), reaccionan como seres reales, con intereses y sentimientos verdaderos: la “hija” Jenn se enamora de un señor rico y casado, el “hijo” Mick se siente atraído por el hermano de su “novia”. El “esposo” por la “esposa”. Y cuando la “hija” es abandonada por su amante, los Joneses padres reconfortan a su hijita.

El conflicto se torna mas serio cuando Larry, el vecino, ganado por la fiebre de compra se endeuda a punto de suicidarse. ¿Drama con moraleja? : cuidado al abusar del crédito. Pero en realidad, a nadie le importaba este personaje: tonto, ni siquiera bien parecido, ni inteligente, ni simpático con una esposa igual de insignificante. Ninguna lagrima se derramará al verlo en el fondo de su alberca.

¡Y el final! : Totalmente sacado de la manga, sin motivo, sin interés. Eso si, es para llorar.

Hubiera podido ser interesante profundizar en el lenguaje utilizado en este tipo de ventas Kate Jones lo menciona un poco: “unit”, family-cell”,”icon”. Inclusive es la base para algunas escenas comidas llevadas por Steve Jones. El lenguaje técnico de un sector de actividad es siempre ridículo visto desde afuera, y daba para una feroz crítica. Pero no se hizo.

Los actores son malos, no consiguen darles a sus caracteres una personalidad, una tonalidad propia. No tenemos ganas de identificarnos.

Sincerámente, en el mismo ambiente de suburbio adinerado, aunque un poco menos rico, Wisteria Lane me parece más interesante. Pasan cosas más divertidas o más terribles. Y las “Desperates Housewifes” sí tienen un estilo bien definido cada una. Y a veces, entran ganas de copiarlo.

Todo esto es al mismo tiempo muy pernicioso porque la película que enseña personajes (de ficción) vendiendo marcas reales, en realidad utiliza el “product placement” y le vende al espectador estos productos. De la misma forma que los vecinos fueron victimas de los Joneses, nosotros podríamos ser victimas del director y del productor.

The Prestige (Christopher Nolan, 2006) – 7/10

Un par de magos rivales se dedican a destruir la vida el uno del otro en una historia más acerca de los peligros de la escalada de conflictos. Con una narrativa muy interesante, de la narración dentro de la narración dentro de la narración, Nolan logra contar una historia convincente pero que todavía podría pulirse un poco más

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Robert Angier (Hugh Jackman) y Alfred Borden (Christian Bale) son un par de magazos cuya antipatía mutua llega al extremo cuando Alfred decide hacer un cambio en un truco de magia que resulta en la muerte de la esposa de Robert. De ahí en adelante este par de muchachos se dedicara a destruir todo lo que el otro construye, resultando en perdida de dedos, clausura de espectáculos, pérdidas multimillonarias y traiciones de guapísimas asistentes.

Hay dos cosas que resultan atractivas de esta cinta (además de Scarlett Johansson). Por un lado está la narrativa. La historia comienza con la muerte de Robert y la puesta en prisión de Alfred. Este empieza a leer el diario de su rival que comienza con los intentos de aquel por descifrar el diario de su rival (así es). Y entonces saltamos de un periodo de la historia al otro, de una perspectiva a otra, sin transición, sin mayor pista de donde nos encontramos en el tiempo que los eventos en sí mismos. Fuera de una falta de referencia temporal (en términos de la distancia entre eventos); la historia es sorprendentemente fácil de seguir y la elección narrativa simplemente resulta en una cinta atractiva donde el suspenso se mantiene bastante bien. Además, la elección de esquema narrativo corresponde bien a la oposición de los personajes así como a la naturaleza de sus personalidades.

Este es el otro atractivo de la película. Los personajes son complejos y con motivaciones que parecen autenticas (aunque tal vez algunas situaciones, sobre todo al final, parecen excesivas). Si bien durante buena parte de la historia parece que Robert es el bueno y Alfred es bien malo, poco a poco queda claro que las cosas no son tan blanco y negro. Robert sigue siendo el centro de la historia, y Alfred nunca deja de ser realmente antipático…más bien Robert se vuelve cada vez más ambiguo hasta que queda claro que ninguno de estos dos amigos completamente obsesionados es realmente bueno fuera de sus mentes.

Llega un momento que todos los giros y sorpresas pierden fuerza, puesto que hay tantos, y es lamentable que al final la historia haya necesitado de un dejo de fantasía para resolver uno de sus misterios.

La duplicidad y complejidad de Alfred así como la deshumanización de Robert quedan en evidencia cuando revelan sus secretos y aunque me quedo con la sensación de que pudieron haber más pistas, la verdad es que el todo está bien armado y parece cargar con su propio peso, desde los diálogos del inicio, al parecer sin importancia, hasta el final; pasando por el mago chino que pasa toda su vida actuando, en nombre de su espectáculo.

La experimentación narrativa por parte de Nolan será explorada todavía más en Inception (2010) y aunque no estoy seguro que haya habido realmente evolución, definitivamente es refrescante ver estos pequeños riesgos de vez en vez.

The Other Guys (Adam McKay, 2010) – 6.5/10

Lo que empieza como una comedia de chistes absurdos con Will Ferrel, termina como exactamente eso: una comedia de chistes absurdos, de los cuales algunos son altamente divertidos, con Will Ferrel. Pero después de que termina, pasa algo que, francamente, me hizo el día.

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P.K. Hihghsmith (Samuel L. Jackson) y Christopher Danson (Dwayne Johnson) son los policías estrella de New York. Todo el mundo los admira, y ellos se encargan de todo. Hasta que mueren en una de las escenas más hilarantes que he visto en mucho tiempo. Entonces se genera un vacio en la ciudad que Allen Gamble (Will Ferrell) y Terry Hoitz (Mark Wahlberg) intentaran llenar…y lo lograran gracias a una investigación que “les cae” y resulta ser de suma importancia involucrando un fraude multimillonario y toda la cosa.

Me reí mucho por momentos. La verdad la cinta tiene unos chistes muy buenos, como el “Did someone call 9-1-holy shit?” o mejor aun, la conversación acerca de leones y tunas. Claro está que formalmente hay puntos débiles: el guion está lleno de agujeros, el uso de CGI se ve de risa (no intencional)…pero nadie fue a ver esa película para otra cosa que reír de situaciones absurdas. Y eso lo logra; sin duda.

Una de las inconsistencias formales esta en el uso del narrador. Viene y va sin mucho sentido, parece que solo sirve para rellenar huecos. Al final, el narrador regresa y nos dice que, si bien todos quisiéramos ser súper héroes, los verdaderos héroes son los “other guys”, los que continuamente hacen el trabajo pesado. Esto retoma uno de los diálogos iníciales de Highsmith. Es una idea trillada y que no encaja ni con el “super star system” gringo (que aplica a todo) ni con la historia en si misma (los other guys terminan siendo súper héroes). Pero de pronto cobra una dimensión completamente diferente cuando empiezan los créditos.

Durante toda la secuencia de créditos, mediante el uso de simpáticas animaciones, el publico (que se queda a ver los créditos) se entera de donde viene el nombre de fraudes Ponzi, también se entera del valor real por ciudadano americano del rescate financiero a AIG, así como de la cada vez mas enorme diferencia entre el salario promedio en una compañía y el de los altos ejecutivos, o bien de la diferencia entre la pensión de un policía y la de un alto corporativo. Cifras que dan miedo y que, para quien se queda a verlas, no pueden sino producir asco y enojo.

¿Sera que es posible traer a la gente a la sala con la promesa de hacerla reír de situaciones absurdas, cumplir esa promesa y después dejarla con algo que vale la pena considerar? ¿Sera que hay cineastas que consideran que tienen una responsabilidad y que saben que la gente solo quiere entretenimiento y que están buscando (los cineastas) maneras de hacer coincidir ambas?

No sé qué tan efectivo sea este método, puesto que generalmente me quedo solito en la sala viendo los créditos, pero aplaudo con hartas ganas la intención de los creadores (un saludo si nos están leyendo); y no quepo del gusto de que hayan hecho esto que hicieron.

The Hire – Season II (Varios, 2002) – 3.5/10

Después del éxito de los primeros cinco cortos BMW llamo a otros tres directores para hacer de las suyas con sus bonitos autos y Clive Owen. Mientras el primer volumen resulto en un caleidoscopio de estilos de narración, este segundo volumen es solamente una cátedra del exceso.



Las fichas IMDB:
Hostage
Ticker
Beat the Devil

En Hostage (John Woo) el conductor debe rescatar a una señorita que ha sido secuestrada por lo que parece ser un gordo amante despreciado. La primer secuencia para construir tensión me resulto aburrida; una vez que el BMW empieza a andar, la persecución es divertida y si logra algo de tensión (aunque no tiene sentido la situación en la que se encuentra la secuestrada). El momento “what a twist” del final ( la secuestrada es bien mala onda) es un innecesario, e inútil, intento por dar profundidad a lo que básicamente es Clive Owen viéndose bien papa en una persecución…padre. Y nada más.

Ticker (Joe Carnahan) es sin duda la más interesante de las tres. XXXX debe transportar un precioso cargamento por el cual está dispuesto a dar la vida. Después de que su transporte original es destruido por los malosos que intentan detenerlo, debe llamar a nuestro conductor favorito para sacarlo del aprieto. Hay definitivamente un intento por contar una historia, pero la estilización de la mayoría de las secuencias resulta demasiado. Las narraciones en off, los momentos dramáticos, las discusiones “finales” son usadas de manera abusiva y pierden significado. Al final, otra vez, hay cierta tensión, aunque hubiese preferido un final abierto…XXX sabe que es el paquete, y Clive Owen también, pero nosotros solo sabemos que “it’s life”…y esa duda hubiese hecho todo mas interesante.

Beat the Devil (Tony Scott) es el “buena onda” de los tres. De nuevo la estilización es demasiada y no hay un propósito narrativo detrás. Si, Gary Oldman es buen actor, si James Brown negociando con el diablo suena divertido, si, un BMW pasando justo frente a un tren en movimiento está padre (pero trillado) y si Marylin Manson estaba de moda en el 2002. Eso no significa que sea buena idea poner todas esas ideas juntas en la batidora y hacer un corto metraje. Una pérdida de tiempo sin duda.

Al final, me quedo con los originales cinco. Los autos aquí se ven más nuevos, y parece que hubo más presupuesto para la producción, pero es claro que hubo mucha, mucha menos idea detrás.

City of Scars (Aaron Schoenk, 2010) – 3.5/10

Un corto por una buena causa, con una buena producción. Una idea trillada para el personaje, más de un punto débil en el guion; pero aun así, como siempre, el merito de haber dado el paso. Si bien cinematográficamente hay poco que decir, estuvo bien que existiese este bonito proyecto.



No hay ficha IMDB, ¿pero qué tal corto en sí mismo?

Me cuesta trabajo llamar a un cortometraje que costo $27,000 (US Dollars), una obra de “fan fiction”. Aunque en realidad, que importa cuanto haya costado, eso es. Un grupo de fans que contaron una historia sin poseer los derechos de los personajes. Imagino que no se metieron en problemas solo porque todo el relajo fue para una buena causa.

City of Scars cuenta una de las tantas maldades del Joker. En esta ocasión, después de escapar de Arkham, secuestra a un miembro del congreso y a su hijo, después de matar a la esposa. Batman lo rastrea siguiendo pistas que lo hacen confrontar a Harley Quinn, Scarface y Zsasz. Ciertamente mas para satisfacción de los fans (detrás y delante de la cámara) que porque tenga sentido para la historia. Si bien el caballero de la noche logra frustrar el atentado que planeaba el Joker (bastante aguado); no llega a tiempo para evitar que el hijo de las victimas (el miembro del congreso está muerto ahora también) asesine al Joker.

La historia gira alrededor de una de las preguntas eternas en la mitología de Batman (que se discute en clases de filosofía, para la inexplicable sorpresa de la BBC): ¿no es Batman responsable de los crímenes del Joker, puesto que no ha dado al asunto una solución permanente? Mientras la pregunta es ciertamente valida y revela de la complejidad del personaje; el tratamiento en esta pequeña producción es plano y sin interés.

La presentación del conflicto moral se hace literalmente lo cual nunca es bueno, y jamás me quedo claro si Batman reciente este conflicto o no. La idea de la victima que termina, por fin, con la vida del Joker es sin duda interesante, pero tristemente llega al final, cuando lo único que queda es un largo monologo que no responde siquiera a las preguntas planteadas, sino que termina con una serie de frases para hacernos sentir bien prendidos, sin razón alguna.

Un concepto interesante, una idea interesante, una producción de relativa calidad; pero al final solo una serie de eventos que no aportan nada ni al medio, ni al personaje.

Cerezos en flor (D.Dörrie - 2008) 7.5/10

Sobre el tiempo que pasa, sobre la muerte. Muerte en vida de las relaciones que descuidamos, vida en la muerte. Sobre el deseo de revivir lo que perdimos, personas o instantes.

Ficha IMDb

Claramente la película tiene dos partes. Una que corresponde a la vida normal, la gente normal, con comportamientos normales. De todos los días. Cuando no se presta atención. Matrimonio que no comunica mucho, aunque se aman profundamente. Hijos adultos que no tienen demasiado tiempo ni espacio para sus padres. Una mujer que sacrificó todo lo que amaba para su esposo, sin que él o sus hijos lo entendieran. Paradójicamente, quien mas entiende a la mujer son las dos nueras, tal vez porque no están contaminadas por la dinámica familiar (como lo revela el incidente de la mosca que la esposa del hijo mata durante la cena, lo que lleva toda la familia a la recitación obligada de un poema).

La secunda parte es la parte de la vida de los muertos. Y para encontrar a los muertos, hay que ir lejos. Volver al país de origen de la madre, Trudi, que quería ser bailadora de Butoh, país al que siempre quiso ir, no solamente para ver al hijo preferido, pero también para encontrarse a si misma.

Después de un itinerario de introducción a Japón que va de lo mas superficial ( esperar al hijo en un restaurante tomando cerveza, entrar a salones de strip tease o de masaje, perderse en las calles de Tokio ) a lo mas meditativo ( contemplar las flores de cerezo ), el padre lleva a su esposa muerta a conocer el país que nunca vió. Tratando de entender adonde fue el espíritu de la muerta, la alberga en si: cocina y atiende la casa como ella lo hacía, viste su ropa y la lleva a ver las flores y el Monte Fuji. El encuentro con Yu, una joven danzante de Butoh le ofrece un medio de comunicación con las sombras. El Butoh es hacer palpable la presencia de los muertos en el interior de cada uno de nosotros.

Como las flores de cerezo duran pocos días, las apariciones del Monte Fuji son fugaces. Hay que esperarlo durante días. Pero cuando aparece, con su cima blanca sobre el cielo azul, su forma se acerca a la perfección. Parece eterno.

El acercamiento progresivo de Rudi, el esposo, a la eternidad, se realiza en escenas que parecen sacadas de videos familiares, con escenas de padres paseando con hijos en el río, de escaleras y andenes del metro, de viaje en Shinkanzen, de desayuno en el Ryokan, de cómo vestir el kimono de los hoteles. Hasta la noche en que finálmente, el Señor Fuji se digna en dejarse ver. En una secuencia de poesía pura, Rudi, maquillado como danzante de Butoh, vestido del kimono de su esposa, baila frente al Monte y a su reflejo en el lago. Y su esposa viene a bailar con el. Y nos parece completamente normal. Es el desenlace esperado y merecido, es el final del viaje, exterior e interior de Rudi en su búsqueda de su esposa.

Los hombres que no amaban a las mujeres (N.A Oplev -2009) 6.5/10

Adaptada de la primera novela de la trilogía Millenium del sueco Stieg Larsson, que se ha convertido rápidamente en best-seller, la película tiene todo para mantener al espectador al borde de su butaca: violencia, suspenso, música….

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La cinta mezcla una intriga criminal, llevada por un periodista, una denuncia social (con poca insistencia de parte del director), un drama individual. Además, talvez, una intriga sentimental, pero finalmente muy discreta.

El tema que domina es el del maltrato a las mujeres, con su habitual fachada de buena consciencia y papel de ejemplo social de los señores que lo practican.

Antes de entrar a lo que será la intriga criminal, se nos presenta en forma separada los dos protagonistas: el periodista Mikael Blomkvist (Michael Nyqvist) de la revista Millenium condenado por difamación y “obligado” a tomarse unas vacaciones antes de purgar su pena de prisión. Y, mucho mas interesante, la asocial, asexual oscura, malvada, Lisbeth (Noomi Rapace), con su tatuaje en la espalda, que recuerda el del asesino serial de Dragon Rojo. A ella le debemos las escenas mas violentas de la película, filmadas sin ninguna concesión. Con primeros planos muy agresivos de la victima con su verdugo arriba de ella. La venganza será implacable.

La película sigue un tiempo en este paralelismo, con superposición de imágenes, de fotografías de periódico para el, de pantallas de computadoras para ella. Lo que nos introduce a los dos funcionamientos intelectuales : la observación del periodista, la los recursos tecnológicos para la hacker.De el no sabemos gran cosa. Aparentemente, no tiene pasado. En cambio ella tiene años de sufrimiento, como lo dejan adivinar algunos flashs-backs a su infancia. Y lo que explica su implacabilidad

Después de la investigación, llegamos a una conclusión ya vista: crimen de vulgar serial-killer, crímenes de género, disfrazados al principio como crímenes de odio racista.

Un final demasiado suave, de reunión familiar, reconciliación con la madre para Lisbeth, regreso de la sobrina perdida al lado del preocupado tío. Y un amable restablecimiento de la justicia, regresando a la intriga del principio : al periodista le llegan todos los documentos que le permitirán probar que no hubo difamación del magnate corrupto, y la hacker se apropia todo el dinero mal adquirido.

Obviamente, hay clichés en el desarrollo de la intriga, alusiones a la Biblia, al nazismo, una relación romántica entre hombre maduro y mujer joven herida que guarda el silencio y el no la obliga a hablar. Encuentro final entre el criminal y el periodista-que-no-sabe-que-esta-en-frente-del-que-busca-y-que-este-lo-va-a-matar. Al mismo tiempo que la otra encuentra la verdad en unos papeles en el fondo de una biblioteca y tiene que venir a toda velocidad para salvarlo.

Podíamos esperar más atención a la fotografía, aunque hay algunos intentos interesantes en la selección de colores como atenuados, en el uso del blanco y negro de las viejas fotos de periódico.

La critica social esta más bien en sobreentendido, ya que los malos son al mismo tiempo los que detienen un poder, funcionarios, jefes de grandes empresas o jefes de grandes familias.

Pero la película funciona. Y la música, bien administrada, ayuda a mantener el suspenso.

La casa de la alegría (T.Davies - 2000) 6/10

Basada en una novela de Edith Warton, como La Edad de la inocencia, adaptada en 1993 por Scorsese, esta cinta es mucho mas intimista que esta ultima, y cuenta con la gran actuación de Gillian Anderson.

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Edith Warton (1862-1937) vivió en Nueva York precisamente en la época que describe. En 1907, fecha en que se acaba la historia de Lily Bart, se fue a vivir a Paris. La trayectoria de su heroína nos permite ver el juego de la alta sociedad a principio del siglo pasado, época de las grandes fortunas

En ese mundo, todo lo que cuenta son las apariencias, de riqueza, de elegancia, de relaciones. Una mujer, fiel a principios morales, pero que da la apariencia de ser por ejemplo infiel será mal vista por la sociedad. Y los castigos serán terribles: susurros, miradas, aislamiento.

Que Lily trate de ser fiel a sus ideas de amor, amistad, honor no le garantiza la felicidad y menos aun un lugar en la sociedad. Solamente unos cuantos se dan cuenta de su autentico valor: Lawrence Selden (Eric Stoltz), Carry, (Elizabeth Mac Govern) Sim Rosedale.(Anthony LaPaglia). Se niega a ser esposa o amante, simplemente para cubrir sus necesidades financieras y se topa con la maldad de algunos, empezando por su prima, que la acusa de ser el motivo de la muerte de la tía por sus dudas de juego. O su “amiga” Bertha Dorset (Laura Linney) , quien la utiliza para cubrir sus infidelidades

Asistimos a la degradación social de Lily, desde la ociosidad aristocrática, en los salones, las cenas, la opera, el yacht en Monte-Carlo, hasta el trabajo asalariado, primero como asistente de una dama rica, finalmente como aprendiz de modista. Pero su talento de destreza la hace despedir, y llega a la miseria.

En la ultima escena, Lily se desploma, vencida por la pobreza a la cual los prejuicios de la sociedad la llevaron y, en un gesto simbólico avienta al fuego las cartas que revelan el mal comportamiento de Bertha. Hacerlo en la chimenea de Selden, es hacer en su presencia (pero lo descubrirá demasiado tarde) el sacrificio. Ya que revelar el contenido de estas cartas al mundo seria la forma de restablecer su buena reputación frente a la sociedad. Pero seria al costo de sus principios de honor y pulcritud moral. Denunciar sería un acto moralmente reprochable.

Buena ambientación, en particular los trajes, pero sin el lujo de Sorsese. lo que la hace más accesible, menos lejana al espectador. Una excelente selección de música clásica.

Y lastima que ya no vemos a Gillian Anderson; tiene gran belleza y talento.

The Hire (Varios, 2001) – 7.5/10

Un quien es quien de los directores del inicio del siglo, The Hire para BMW no solo son una serie de comerciales bien padres; son también excelentes ejemplos de historias bien contadas.






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Ambush
Star
Chosen
Powder Keg
The Follow

Clive Owen interpreta a un intrépido y experimentado conductor que conduce BMWs para el mejor postor. Cinco directores, en la primera temporada, crearon una historia cada quien para este personaje y sus autos. Una creación corporativa para beneficio de una marca, pero aun así, un resultado cinematográfico que bien vale la pena.

Ambush (John Frankenheimer) es emocionante más que otra cosa. La persecución es impactante y lleva la tensión al máximo. Junto con Star (Guy Ritchie), que es francamente divertida con algunas de las mejores tomas y mejores trucos, representa el lado liviano, y hasta predecible, de esta serie.

Los otros tres directores eligieron algo mas autentico.

Chosen (Ang Lee) presenta otra vez una persecución, pero musicalizada y coreografiada de tal modo que resulta muy original. Hay momentos en los que pareciera que los autos bailan de lo coordinados y, me atrevo a decirlo, liricos que son los movimientos. Además del comercial a BMW, Ang Lee aprovecho para lanzar un guiño a su (entonces) nueva película, Hulk (que a mi si me gusto).

Powder Keg (Alejandro González Iñarritu) cuenta la historia de un reportero de guerra quién, herido, debe ser sacado del país donde se encuentra. Como en toda cinta de González Iñarritu, al menos hasta ese momento, alguien debía estarse desangrando en el asiento trasero de un auto Y debe haber una película con harto grano. Dicho eso, la capacidad de este amigo para contar historias no puede ignorarse, y logra aquí una historia emotiva y convincente.

The Follow (Wong Kar Wai) es tal vez mi favorita. No hay velocidad, no hay tomas espectaculares. En nueve minutos hay una historia humana, que logra dar volumen a ese personaje que no hace mas que conducir. Es posiblemente la que más se aleja de lo que uno esperaría ver en estos cortos y es la más lirica de todas. Las historias de Wong Kar Wai son como seda, y aun un proyecto de intenciones comerciales (o más comerciales que de costumbre) no es la excepción.

Lo genial fue sobre todo ponerlos juntos; porque estos cinco estilos muy claros puestos uno junto al otro, revelan la genialidad individual, y el potencial del medio.

Ultimate Avengers (C. Geda, S. Gordon, 2006) – 2.5/10

Parece ser que el comic Ultimates de Mark Millar y Brian Hitch es realmente bueno. Parece ser que esta película está adaptada de ese comic. Me parece difícil que ambas cosas sean ciertas; porque esta película tiene le guion más soso que he visto desde….desde la última película animada de Marvel que vi.

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En un intento desesperado por detener a un maloso Nazi ayudado por feos alienígenas, el amado Captain America (Justin Gross) falleció. Pero no falleció. Años después es recuperado por S.H.I.E.L.D. quienes intentan reproducir el experimento que lo convirtió en un súper soldado. De la absoluta nada resulta que aquellos feos alienígenas siguen rondando la tierra y ahora es urgentísimo detenerlos. Así, Nick Fury (Andre Ware) decide poner al capitán al mando de un grupo de héroes.

La razón de existir de los alienígenas jamás es explicada, por que lanzan a todas sus tropas al ataque después de años de silencio es algo sin que no sabremos jamás. ¿Qué motiva a Iron Man (Marc Worden) se una a los Avengers? ¿Por qué demonios Thor (David Boat) aparece en el último momento? ¿Qué accidente sufrió la Black Widow (Olivia d’Abo) para quedar tan horrible? Tantas preguntas…

La película se siente más como parte de una serie que como una historia en sí misma. Se siente claramente que hay un “antes” y existe la evidente insinuación a un “después”; eso no me molesta, al contrario, me gusta que se sienta que esta historia pertenece a un universo más grande. Pero a la mitad de la película todavía no se cual es el punto, y en realidad aun no estoy seguro. Si la cinta se trata del regreso del capitán, pudo haberse terminado mucho antes, si se trata de los alienígenas, que aburrido, si es acerca de la locura de Hulk (Michael Massee), ¿Cuál fue el punto de la primera hora de película? y si era acerca de la formación de los Avengers, igual le hubieran pensado tantito.

Algunas secuencias de pelea interesantes, de nuevo gracias a Hulk, pero nada más. Nada.

The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008) – 8/10

La secuela a la increíble Batman Begins está aun más impresionante. Y a la vez no. En una palabra, es más. Más emotiva, más profunda, más interesante. También es más un churro, más explosiones innecesarias, más diálogos vacios. Una mezcla interesante.

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Batman (Christian Bale) continúa en su misión por limpiar Gotham de criminales. Pero ahora no está solo, un nuevo procurador de justicia (si viene siendo eso ¿no?), Harvey Dent (Aaron Eckhart) se une a la lucha, pero desde el lado de la ley. (Digo, ya desde antes estaba el agente Gordon (Gary Oldman); pero ahora son más). Al mismo tiempo, el buen Joker (Heath Ledger) hace su aparición para el beneplácito de chicos y grandes.

Me parece lamentable que la cinta haya caído por momentos en situaciones completamente innecesarias como el uso de la nueva batimoto y las hartas explosiones aquí y allá que no aportan nada de nada a la película. Sobre todo porque en otros aspectos es francamente muy muy buena.

La primer secuencia por ejemplo es increíble. No solo muestra la naturaleza de Gotham, sino que se salva de una de las grandes fallas de las adaptaciones de comics al hacernos saber que paso con el amigo Scarecrow e hilar de ese modo la continuidad de las cintas; además empieza a tocar un tema que es altamente relevante en la mitología de Batman – su impacto en la sociedad.

Por supuesto, la cinta será recordada sobre todo por Heath Ledger, así que vayamos a eso de una vez. Heath Ledger dio una actuación increíble, una que le hubiese valido el Oscar, de no ser porque su muerte se lo garantizó. Punto. Más interesante aun es el Joker. El Joker salido de la Killing Joke de Alan Moore con un poquito de Arkham Asylum de Grant Morrison. El Joker que es, ahora sí, más que un muchacho pintado de blanco, sino la total antítesis de Batman.

Es algo aburrido que lo tenga que decir explícitamente, pero no me voy a quejar, porque salió bien. La explicación que da el Joker acerca de su oposición con Batman es brillante. Justo al clavo. Y la da mientras esta colgando de cabeza, pero brillantemente filmado al revés. Joker, un agente de caos, un individuo que entiende que no hay ninguna regla que valga nada, puesto que todas son arbitrarias; el sujeto que es uno con el absurdo de la vida. Nadie está en control, y el está aquí para demostrarlo. Como en la Killing Joke nos dice, la locura es como la gravedad, solo necesita de un empujón.

Además de la secuencia de interrogación donde dice, que buena escena, “no tienes nada con que lastimarme”; porque la única manera de lastimar a alguien es atacando aquello que valora, y el Joker sabe que la única razón por la que la gente valora lo que sea es porque se lo toma en serio, porque la gente misma se toma en serio, y eso es absurdo. Nada es serio. (Why so serious?). Mas las historias de cómo obtuvo las cicatrices, mas el truco de magia, mas el asalto al banco……

Y a pesar de la presencia del Joker, Batman en sí mismo sigue siendo un personaje interesante. Qué buena adaptación.

Scott Pilgrim vs. The World (Edgar Wright, 2010) – 7.5/10

An epic of epic epicness. Y si que lo es. Scott Pilgrim vs. The world (la película) consigue capturar el espíritu del comic y explotar las posibilidades cinematográficas de ese espíritu. Algunas cosas tal vez tan literales que la intención original se perdió; pero en general, es muy Scott.



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Scott (Michael Cera) es un muchacho que “acaba” de salir de una relación dolorosa y ahora comienza una relación “sin complicaciones” con Knives Chau (Ellen Wong) considerablemente más joven que él. Hasta que aparece la chica de sus sueños, literalmente, Ramona Flowers (Mary Elizabeth Winstead) que si bien no sabe actuar se ve guapa con su cabello de colores. Para poder estar con Ramona, Scott debe vencer a sus 7 malignos ex-pareja comandados por Gideon (Jason Schwartzman)…mientras colabora con el éxito de su banda Sex Bob-omb.

Scott Pilgrim Vs The World es una historia de amor de adolescentes (de veintitantos) que trata acerca de lo difícil que es aceptar que a veces las cosas no son lo que uno quisiera, y que a veces uno mismo no es lo que uno quisiera. Es una comedia romántica cualquiera con celos y desamor y decepción y cruda realidad y chicas guapas y besos y segundas oportunidades. Excepto porque no es una comedia romántica cualquiera, porque tiene rock (harto rock) y peleas y videojuegos y bromas estúpidas (harto estúpidas) y en general mucha buena onda. Mucha.

Algunas de las decisiones de casting todavía no me convence, como Michael Cera para Scott, pero el que se gano mi corazón es sin duda Kieran Culkin como Wallace Wells, el compañero de cuarto de Scott que siempre tiene la frase adecuada para el momento. Fuera de él y tal vez Jason Schwartzman y Ellen Wong, los actores no tienen mucho brillo ni parecen tener la rapidez verbal que caracteriza a los personajes en el material original. Aun así el guion carga la mayoría del peso con éxito.

Por momentos la cinta abusa de las referencias a videojuegos, al grado de que pierde sentido, particularmente en la pelea final contra Gideon (pero que bien se ve su espada). Eso mas algunos asuntillos con la adaptación le restan puntos. Sobre todo, de nuevo, la pelea final, donde no tiene sentido que NeroScott aparezca una vez vencido Gideon (es parte fundamental de toda ficción que el enfrentamiento con uno mismo es parte de la preparación para vencer al enemigo final; además de que en esta historia es perfectamente lógico); o que la alianza final sea entre Scott y Knives, pero aun así la segunda oportunidad sea con Ramona…

En todo caso el espíritu está ahí, y al final todos aprendimos una bonita lección, pero al contrario de lo que sucede con 97.6% de las comedias románticas, esta vez nos divertimos.

Batman Begins (Christopher Nolan, 2005), 7/10

Por fin Batman es llevado a la pantalla grande por alguien que le agarra la onda a Batman. Y si bien hay algunos clichés que son imposibles de evitar, Batman Begins es sin duda la segunda mejor película que se ha hecho del mejor personaje de DC (la mejor siendo The Dark Knight – de los mismos amigos)

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Bruce Wayne (Christian Bale) sufre hartamente por la muerte de sus padres, en una ciudad donde la justicia es poco más que un mal chiste. Cuando la oportunidad de vengarse le es arrebatada, y su amiga/novia de la infancia, Rachel Dawes (Katie Holmes) le hace ver lo infantil de su postura, decide recorrer el mundo para entender la mente de los criminales y así poder vencerlos. Eso lo lleva a entrenar con la Liga de las Sombras comandada por Ra’s Al Gul (Liam Neeson); pero sus principios lo hacen regresar a Gotham como Batman…

La pelea final en contra de Ra’s Al Gul es bastante mala, por los diálogos sosos y la necesidad de “cerrar los círculos”. También la dinámica con Rachel tiene momentos flojos; pero debo aclarar que si bien en un primer momento considere la confesión de la identidad secreta como uno de ellos; no lo es. No lo es, porque desde una perspectiva humana, tiene mucho mucho sentido.

Esa perspectiva humana es la que para mi separa Batman Begins de todas las demás adaptaciones de Batman. Por supuesto es difícil cuando se hace una adaptación de un comic que lleva publicándose desde 1939 elegir cuál de las muchas encarnaciones del personaje es la buena. Para mí, el equipo detrás de Batman Begins eligió la mejor, la de Alan Moore y Grant Morrison, con solo un poquito de Frank Miller. Pero como sea, hubo una preocupación por entender al personaje, no solo por usar la bati-señal.

Batman sigue siendo el sujeto mas boludo que haya pisado esta tierra, y su capacidad para caminar al filo del bien sin jamás pasarse es tal vez lo mas ficticio del personaje (o será mi falta de imaginación); pero a pesar de eso, se siente completamente real . Hay un par de escenas que para mi muestran eso, en particular cuando Batman interroga al policía corrupto cuyo nombre no recuerdo. Así colgado desde las alturas, gritando a todo pulmón. Un hombre que utiliza su ira como recurso.

Y la soledad, completa. Otra pieza fundamental de Batman que la cinta alcanza a tocar, aunque definitivamente se volverá un tema más pesado en la secuela.

Batman Begins es otra historia de este superhéroe, una historia que resulta estar contada en un medio diferente al comic, y mucho más visible. Es una historia más porque cumple con el único requisito de cualquier adaptación. Ese requisito es respetar el espíritu de la obra original, y el espíritu de Batman esta aquí sin duda.

Grown Ups (Dennis Dugan, 2010) – 4.5/10

Grown Ups responde a la pregunta (que en realidad no necesita una respuesta): ¿Qué pasa cuando un grupo de amigos que son re cotorros se juntan después de harto tiempo? Y no me refiero a la trama de la película, sino a su razón de ser.

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Un grupo de chicuelos consiguieron, para orgullo de su entrenador, ganar el campeonato de basquetbol (a qué nivel es irrelevante). Años después, la muerte de dicho entrenador los reúne para un loco loco fin de semana de diversión.

Lenny Feder (Adam Sandler) es el exitoso productor de Hollywood, simpático, buena onda y todo un ganador. Sus hijos son una reverenda peste y su esposa (Salma Hayek) es casi tan atractiva como es pésima actriz. Pésima. Eric (Kevin James) se presenta como un exitoso empresario, aunque de pronto descubrimos que no le está yendo tan bien. Kurt (Chris Rock) es divertido porque todos los estereotipos de pareja aplican en su caso, pero con los géneros invertidos. Debió haber sido difícil para el actor soportar una película donde solo dos de sus chistes giraron en torno al color de la piel. También están Rob (Rob Schneider) un gerontofílico sentimentaloide y Marcus (David Spade) el soltero empedernido que se da cuenta de lo vacía de su vida.

Y sin enlisto a todos estos amigos es solo porque eso es la película. Los amiguitos de Saturday Night Live se juntaron a echar cotorreo y, para matar dos pájaros de un tiro, trajeron a más actores y algunas cámaras. No tendría problema alguno con eso; de no ser por los intentos francamente estúpidos por justificar la historia (con las “sorpresas”, las “confesiones” y “reconciliaciones”) y la escena diseñada para ser de Adam Sandler aun más un dios de la buena onda.

Dicho eso, hay secuencias donde me reí mucho; un par demasiado forzadas, como la secuencia con la leche materna; pero hay unos chistes buenísimos, sobre todo cuando solo se trata de secuencias de dialogo entre estos viejos amigos. Francamente hay pocas cosas más divertidas que un grupo de cuates, que se ve que son re cuates, tirándose carrilla.

El retrato de Dorian Gray (O. Parker-2010) 3/10

Confundieron fantástico y terror. Oscar Wilde, como Edgar Allan Poe, escribieron novelas, o cuentos, fantásticos. Oliver Parker hizo una película de terror. Pero tan burda que ni siquiera da miedo.

Ficha IMDb

Se mezclan efectos especiales de todo tipo: el retrato sangra, se hincha, gime, grita. Hasta ve. En blanco y negro. La casa ruge. El protagonista oye voces, tiene pesadillas. Para completar, nos sirven escenas de orgías, de torturas.

Londres parece de cartón, o de cartoon,. Es una pálida imitación del Londres de Tim Burton en, Sweeney Todd (2007) . Pero en la película de Burton, tenía sentido porque formaba parte de una estética, que se mantenía en toda la cinta, con una unidad en el juego de los actores, el tono de la narración. Aqui es totalmente gratuito.

Ben Games, guapito sin ser hermoso, no esta a la altura del personaje imaginado por Oscar Wilde.

El único que salva algo de la película es Colin Firth con elegancia, porte, distancia, maldad y sarcasmo. Y por su juego de iniciador al placer. Su personaje propone a un joven inocente llegando del campo, aislado, sin familia ni amigos, pero con un nombre y mucho dinero, toda la inmoralidad que una sociedad tan reprimida dejaba a los hombres como válvula de escape. A las mujeres les dejaba solamente el té y los chismes.

Conclusión: una muy mala película, pero que da ganas de volver a leer la novela para volver a encontrar a Wilde y su espíritu sarcástico.

Orgullo y prejuicio ((J. Wright – 2005) 6/10

Se hizo una comedia romántica, muy parecida a las ambientadas en la época actual: un hombre y una mujer que empiezan odiándose o despreciándose y que acaban en los brazos el uno del otro. Solo que la pusieron en el siglo 18 : esto permite trajes de época, reverencias y bonitos muebles.

Ficha de información IMDb

La historia ha sido muy simplificada hasta quedar prácticamente solo en la relación entre Lizzie y Mister Darcy sin que, sin embargo, se de muy bien a entender porque empiezan de repente a amarse.

El otro punto conservado es la obsesión de la madre por casar a sus hijas, talvez porque le vieron aspectos cómicos, por ende útiles en una comedia. No queda mucha de la sutileza en el análisis de Jane Austen. Ni de los sentimientos y su evolución, ni de la realidad social. Para que nos demos cuenta de las dificultades económicas de la familia, nos la muestran en una granja, en medio de gallinas y cerdo.

Se agregan a la novela locaciones románticas, muy bien escogidas por cierto; templo en el campo, lluvia para las declaraciones de amor. Hay que reconocer que las locaciones en general, las casas, la ambientación de los bailes, están muy bien trabajados.

Pero las interpretaciones …. A pesar de ser muy guapos, se quedan en lo superficial. Nada que ver con la precisión en la dirección de Ang Lee para Sensatez y sentimientos . Keira Kneithley, para mi, no conviene para personaje de Lizzie, no tanto por su belleza (dicen que Joe Wright no la quería para el papel porque la encontraba demasiado bella) en realidad, se puede afear a una actriz, con maquillar o luces. Pero el hecho es que no tiene la profundidad de Emma Thomson, su madurez. Y se trata de dos personajes muy cercanos :Lizzie y Elinor son, cada una en su familia, la seria ,la que reflexiona, que analiza, junto a la o las hermanas sentimentales, que se dejan llevar.

Además, todo va demasiado rápido; el pasar del tiempo no tiene el ritmo de la época, tiempo para pensar, analizar, cuestionar, tiempo para desplazarse, para pasear en el campo, para visitas. Ang Lee si supo transmitir la diferencia de época, de mentalidad, ese mundo que ya no es el nuestro.

La terminal (S.Spielberg-2004) 5.5/10

Simplemente una comedia para pasar el rato.

Ficha erudita IMDb

La película empieza de forma interesante, con el metrallazo de las preguntas por los oficiales de migración. Preguntas anodinas: para ellos, muchas veces ni siquiera escuchan la respuesta, se nota en su cara. Pero percibidas como amenazantes por el pasajero. Porque él esta en una situación de debilidad frente al poder del oficial que le puede poner cualquiera de sus sellos, el rojo o el verde.
Pero después de esto, la película no se atreve a seguir con un tono bastante sarcástico. Es un poco crítica, un poco cómica, un poco romántica, un poco dramática. Pero no es nada completamente. No es tampoco totalmente un cuento con una moraleja. Y cual sería: ¿“Hay que tener paciencia, todo llega a su debido tiempo”? O ¿”Hay que honrar las promesas, a pesar de todos los obstáculos.”? O ¿”Las buenas personas siempre están recompensadas.”?

Hay buenos momentos: el zoom hacia atrás, que enseña a Victor chiquito en medio de la multitud. La escena muy buena de persecución entre Victor y la cámara de vigilancia. La mano, en la fotocopia que se vuelve signo de reconocimiento, de protesta. Como lo fue en los 80’ en Francia la mano amarilla de “Touche pas à mon pote”, símbolo de la organización SOS RACISME de Harlem Désir. Hay momentos de cómico clásico: de repetición, el piso mojado, la vuelta cotidiana con al misma agente de migración, y el mismo sello; de situación: Viktor organizando y decorando su “departamento” en la Puerta 63.

Pero también hay absurdos: si viene a Estados Unidos, ha de tener algo de dinero para sus gastos. Entonces, como es que se muere de hambre y tiene que recoger las monedas de los carritos, una vez que perdió sus vales de comida. ¿Porque el músico de jazz acepta sin problemas dar su firma , si nunca ha contestado la las cartas del padre?…

La frase del policía cuando deja Victor en la zona internacional: “Haga lo único que se puede hacer aquí: comprar”. Y Spielberg nos muestra muy bien los valore de esta sociedad en un desfile de marcas: Boss, Burger Boy, Borders….

El otro valor: mantener un orden, basado en el miedo. Sin humanidad, sin capacidad de empatía, de recibimiento. No por azar todos los que hacen funcionar el aeropuerto son de color Y todos los personajes de color, el indio, el mexicano, los negros, son buenas personas. El malo es el blanco, tal vez porque el detiene el poder. Y la responsabilidad. Porque este malo no resulta siempre antipático, en realidad. Pero esta presentación de las cosas resulta un tanto maniqueísta.

Tom Hanks buen actor, con gran capacidad de expresión, de cara, de voz y de cuerpo. Los demás….Sin nada que decir.

El arte de la seducción ( T.Zwigoff-2006) 4.5/10

“Art School Confidencial” tiene la apariencia de una película para adolescentes que no encuentran su lugar en el mundo, en la escuela, que se preguntan a si mismos y a los demás sin van a ser un día famosos y amados. Más allá de la cinta, uno se puede hacer sus propias preguntas sobre el arte, su enseñanza y su valor.

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La intriga criminal presentada es absolutamente innecesaria. Su única justificación puede ser que permite el final: el estudiante, encarcelado, se vuelve famoso y obtiene el amor de la chica y la posibilidad de exhibir sus obras. Lo que nos confirma que los motivos del amor y del éxito no son siempre los más válidos.

Por lo demás, se plantean varios temas: la soledad del adolescentes incomprendido por su familia (tema recurrente en tantas películas, de preferencia hechas para publico joven), la estupidez y pretensión de los que se creen artistas únicos.

Son interesantes las apariciones de John Malkovitch y Angelica Huston, personalidades inteligentes del mundo del cine, Parece aquí dar su aval a las intenciones del director.

Lo que tal vez se pueda rescatar de la película es la pregunta sobre el valor del arte.. Que es autentico arte en nuestra época,, desde que el arte abstracto dio entrada a todo tipo de engaños. ¿Con un arte conceptual, que conceptos son validos, sinceros, interesantes. ¿Cuales son puras tomaduras de pelo?
También la pregunta hecha por el Profesor interpretado por Malkovitch : ¿A los 15 anos, se puede saber si uno tiene talento? ¿Que talento?

Por lo demás, la película no tiene muchos atractivos ni en las interpretaciones, ni en la realización.

Al anochecer (C.Chabrol - 1971 ) 7/10

El sello distintivo de Chabrol, sus actores preferidos y el ambiente burgués de los 70’ con sus crímenes escondidos bajo los buenos comportamientos.
”Juste avant la Nuit”, "Justo antes de que caiga la noche” ¿justo antes de la uerte? ¿ Muerte moral? ¿Muerte física?

Ficha IMDb

Chabrol no escatima en los detalles de la riqueza y el bienestar: sábanas de seda, buena ropa, casa diseñada en medio de un jardín en un suburbio distinguido, muebles modernos. El matrimonio Masson tiene todo para ser feliz: él (Michel Bouquet) es dueño de una agencia de publicidad, ella (Stephane Audran, esposa de Chabrol) no trabaja, atiende a los dos niños con la ayuda de una joven de color. Los esposos se quieren pero el tiene una aventura con la esposa de su vecino (Francois Périer), amigo y arquitecto de la casa. Charles Masson es además muy apegado a su madre. Pero un día, mata a su amante en una relación sadomasoquista.

Y la vida sigue, normalmente, abiertamente, Todos parecen transparentes, como lo es la casa, con sus grandes ventanales que dan al jardín, con la ventana interior que hace comunicar el dormitorio de la pareja con la estancia. No pasa nada. Michel Bouquet es el actor perfecto para esta tipo de situación: frío, hasta inexpresivo, con una voz monótona y un andar sin prisa. Es un hombre sin pasión. Expresa exactamente lo que fue el típico francés burgués de los 70. Gente que parece incapaz de sentir. Gente bien instalada en su confort.

Vimos el crimen al principio de la película. El suspenso podría estar en la investigación policiaca y el miedo del criminal de ser descubierto. Pero Chabrol desplaza la trama. Lo importante para el es la evolución interior del personaje. El invierno, con nieve en el jardín y árbol de Navidad en la casa, entra dentro de el y la soledad frente a su acto se vuelve insoportable. Se siente atrapado en el silencio, como el ratón en la ratonera que prepararon los niños. Tiene que decir lo que ha hecho.

Primero la hace con su esposa, quien acepta y entiende. Ella elimina la culpa. Pero Masson necesita que lo reconozcan como culpable. Así que confiesa, en la tarde de Navidad, al amigo. En una escena memorable, donde Chabrol nos muestra a los dos hombres caminando juntos, sin mirarse, el esposo no manifiesta ningún sentimiento.

Será necesario un tercer intento, con la amenaza de entregarse a la policía, para que algo se mueva. Después de una discusión donde los argumentos de cada uno de los esposos es al mismo tiempo de mala fe, y de sentido común, (entregarse es darse el gusto egoísta de hacerse sufrir, no es grandeza moral, dice la esposa., no es justo destruir la vida de los niños. Pero entregarse, dice el esposo, es darles el ejemplo de la moralidad y lo quiere hacer “en comunión” con sus hijos, su esposa y su madre ), finalmente Masson parece aceptar volver a la vida sin remordimientos. Pero la esposa actúa.

Y la escena final es de los niños jugando en la playa, bajo la vigilancia de su abuela y su madre, la cual lee una carta de condolencias del amiga arquitecto. Buena conciencia burguesa. O sabiduría.

Sonata para un hombre bueno (F.Gallenberger - 2009) 4.5/10

Hay que desconfiar de las traducciones de los títulos y de las adaptaciones. Además, lo que podía ser un interesante estudio sobre hechos históricos y decisiones políticas acaba en sensiblería.

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La película se centra sobre un individuo y hace girar toda la historia alrededor de el, con su situación matrimonial y la muerte, aparente, de su esposa en el bombardeo del barco en el cual la manda de vuelta a Europa, con sus problemas de salud, con su humor y su amor a la música,. Con sus desacuerdos con algunos de los que estuvieron con el en esta acción humanitaria extraordinaria.

El punto de partida, el diario que escribió John Rabe, justifica el uso de la voz off, y de los documentos fílmicos de época.Pero también presentaba el riesgo de caer en una historia demasiado personalizada, y dramatizada. Y el director no escapó de este riesgo: es una cinta melodramática, llena de efectos demasiado fáciles. La separación de la esposa, con John Rabe arriba de la pasarela, la línea de cabezas cortadas, las sirenas en el momento justo cuando todo parece perdido. Todo esto es demasiado teatral.

John Rabe fue un héroe, si . Su humanidad fue mas allá de los nacionalismos, fue fiel al ser humano, no a un gobierno. Pero, según lo que se muestra en la película, también lo fueron los otros 21 extranjeros que se quedaron a organizar la zona de seguridad. También lo fue Valérie Dupres (Anne Consigny), la directora del colegio, qui hizo todo para proteger a sus alumnas, y escondió soldados en el desván de la escuela. También lo fue el Dr Wilson (Steve Buscemi), quien trabajó en el hospital sin material médico.

Lo interesante del caso de John Rabe es que su vida hace reflexionar sobre la historia. Un hombre que fue un héroe del genero humano (Mensch en aleman, como Der gute Mensch von Sezuan de Bertold Brecht), fue condenado por el gobierno nazi y después por los gobiernos aliados, y murió en el abandono.

La película es la adaptación del libro de Erwin Wickert John Rabe. Der gute Deutsche von Nanking. 1997 .,o sea John Rabe. El alemán bueno de Nanking.

Es importante señalar ese detalle del titulo, no habla de un “hombre”, se refiere claramente a la nacionalidad. Yo creo que fue es gran defecto de la película: no centrarse en los elementos que menciona como de paso. El grupo constituido para salvar a mas de 200 000 chinos durante la invasión japonesa es un grupo que se formó sin hacer distinctiones de nacionalidades. Pero John Rabe es un alemán, y su pertenencia a un gobierno aliado del gobierno japonés le da cierto peso para negociar. Como todo alemán con un puesto importante, tuvo que adherir al partido dominante, lo que no significa que estuviera ideológicamente de acuerdo.

Resulta extraño que la aviación japonesa deja de bombardear al ver la bandera nazi, o sea la del partido político al poder, no la del estado. La película muestra las asimilaciones acostumbradas entre varios conceptos. Alemán, nazi, judío, las palabras se usan sin entender en que se parecen y en que se oponen. La película hace algunas alusiones: Rosen ( Daniel Brühl) es judío pero también es alemán, empleado de la embajada, (lo que ya no será posible poco tiempo después) y actúa en colaboración con alguien que oficialmente es nazi.

Por otro lado, la crueldad de los japoneses puede verse como la anticipación de lo que será la crueldad nazi. Y obviamente, algunas escenas recuerdan La lista de Schindler (S .Spielberg-1993). A notar que a John Rabe, se le llamó el Schindler chino.

Y así, una película que pudo ser histórica se quedó en una biografía simplista.

Cabe precisar que la película no obtuvo un premio a Mejor película en el Festival Internacional de Cine de Berlín, lo que sería un Oso de oro, como lo mencionan algunos artículos mal informados. Obtuvo el Premio a la mejor interpretación masculina por la Academia Alemana de Cine (Deutsche Filmakademie.) No confundamos. El osito es un poco más exigente.