Acorralados ( M. Barker - 2007 ) 4/10

Cuidado, no engañe a su cónyuge, podría haber consecuencias indeseables.


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Una pareja, aparentemente feliz, tranquila, con dinero, buenos trabajos. Y una niña. Hasta que un día, la secuestran. Mientras los padres se angustian, sin saber donde esta y como recuperarla sin que le hagan daño, el responsable del secuestro exige de ellos acciones extrañas, obligándolos a perder todo lo que tienen: dinero, carrera profesional, decencia, moralidad.

Cuando el motivo del secuestrador parece por fin claro: vengarse del padre que tiene una aventura con su propia esposa, se presenta un segundo final. Fue la madre la que organizó todo…. Para vengarse del adúltero.

Y volvemos al tema muy moralista del castigo imparable por el adulterio que se creía sin consecuencias, como en “Atracción Fatal” (A. Lyne. – 1987 )

Este tipo de historia donde el criminal no es quien se pensaba se practicó mucho en los 80s. En los últimos cinco minutos, el espectador descubre que ha sido llevado sobre una pista falsa. Y, en flash-back, se le enseña todo lo que se le había escondido voluntariamente, pero ahí estaba y no es contradictorio con el nuevo final. ¡Muy didáctico!

La historia esta bien llevada, el ritmo es bueno. . El espectador se deja llevar: hay que reconocer que el suspenso, el sadismo bien administrado del secuestrado (Pierce Brosnan, lo hace con cierta elegancia) Pero se olvidará pronto.

Pánico ( H. Bromell- 2000) 7/10

Una muy interesante película, extraña y angustiante.


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Con un ritmo muy lento, la película nos lleva, al ritmo de las sesiones de terapia del protagonista a adentrarnos a su angustia. Un personaje muy taciturno (William H. Macy), con una cara seria, reflexiva. Apenas si puede hablar con el siquiatra, con su familia. Y es que su vida es de lo más extraña: Alex mata para vivir. Y el negocio es de sus padres.

Como hablar cuando uno tiene la vida controlada por los padres, cuando uno tiene que callar frente a su esposa. Toda esta vida es mentira. Mentira obligada.

Y los únicos que tienen libertad de palabra son el hijo y la joven Sarah, que conoció en la sale de espera del consultorio (Neve Campbell). Así que no es de extrañar que sean los únicos con quien el hombre tenga ganas de estar. Las escenas de Alex hablando con el pequeño Sammy antes de que se duerma son momentos de paz y al mismo tiempo llenas de vida, con la libertad de movimiento, de palabra y de reflexión de un niño inteligente, tierno y espontáneo, al lado de un padre inmóvil pero muy atento.

La presencia del padre (Donald Sutherland) se hace cada vez mas impositiva, como una carga de la cual no hay manera de liberarse. Un padre omnipresente, que se impone, en los recuerdos que surgen por el análisis, en las exigencias “laborales”. En los principios de educación para el chiquito. Un padre que lo sabe todo, y que exige la ejecución del siquiatra. Alex, con dificultad, trata de negarse y de renunciar a su “trabajo”.

Entre suspenso y drama, la película nos lleva cada vez mas hondo en el sufrimiento del personaje, en su infierno, creado, orquestado por el padre. Y cuando el abuelo empieza la educación al crimen del niño, cuando el padre ve el sufrimiento de este niño que es lo único puro en su vida, por fin se levanta en contra del tirano .A costo de su vida.

Todos los actores están perfectos: Neve Campbell de ligereza y espontaneidad, W. Macy, de confusión frente a su trabajo, a su vida, su matrimonio, su papel de padre. Pero Donald Sutherland domina a todos, en su cinismo, su maldad disfrazada de normalidad. Su falta total de moralidad. Social, al matar, mandar a matar, y hacerlo por dinero. Y familiar, al usar a los suyos, al aplastarlos, aniquilarlos con tan buena conciencia.

Alicia en el pais de las maravillas (T.Burton - 2010) 5/10

Walt Disney fue más fuerte que Tim Burton. El resultado es una película bastante aburrida. A pesar de toda la campaña de marketing.


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La historia es bastante conocida. Para adaptarla a nuestra época, un poco, Tim Burton y su guionista le agregan unas ideas “modernas” : una joven que se rebela contra lo que su familia ha decidido para ella, que tiene ideas para el negocio paterno, que es escuchada por el tío, y se va , vestida de hombre, en un largo viaje a China, para abrir nuevos contactos comerciales. En frente de todos, rechaza al novio y afirma su independencia.

Todo esto suena bastante falso, sobre todo cuando la actriz que interpreta a Alicia tiene una cara tan poco expresiva.

Al caer al hoyo, uno esperaba algo un poco más original. Es divertido ver los cambios de tamaño. Reducir, aumentar, desaparecer, volar… Pero lo mismo se ve en cualquier dibujo animado….Hasta Johnny Depp, que en otras películas ha demostrado saber de verdad actuar, y cambiar, y adaptarse a sus papeles, se ve aquí muy desabrido.

Si hay música, ni me di cuenta. Ha de ser bastante convencional.

Lo que mas captó mi atención fue el mundo de la reina roja, los efectos de sus soldados su palacio, y el personaje que se fabrico a partir de Helena Bonham Carter:reducir su cuerpo, aumentar su cabeza….. Ahí se ve un poco mas la imaginación y la mente torcida de Tim Burton, como en “Sweeney Todd : The Demon Barber of Fleet Street “ (2007), cuando el director no tenía miedo de irse a los excesos.

En realidad Burton hizo una película animada con actores reales, una película para niños.

Perdidos en Tokyo (S. Coppola - 2003) 8/10

Delicadeza, sensibilidad, discreción, humor. Una traducción muy reservada de todo lo que no se puede decir.

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Parece ser la historia de dos personas que duermen y nunca logran despertar para coincidir con los demás. Sin mucha lógica en el seguimiento de las escenas, es una secuencia de días y noches sin referencia a fechas o momentos del día. Una serie de lugares sin relación. Como los que se suceden en los sueños.

La película hace un gran uso de lo exótico, de lo japonés : todos los clichés turísticos , luces, pantallas gigantes, pachinco, están presentes, pero utilizados precisamente para profundizar el tema : el extrañamiento. Lo exótico es visto sin prestar atención. No tiene presencia ni sentido en si. Y no tiene efecto sobre los personajes. Hasta cuando la joven se pone voluntariamente en el papel de turista, yendo a un templo, o mirando pasar una boda tradicional. No logra entrar a la escena, se queda al margen. No vive las experiencias, las ve pasar.

La película no cuenta nada en realidad, solamente registra lo visible. Nos hace ver lo que ven ellos, y así nos hace sentir lo que sienten ellos.

Algunas escenas son muy cómicas, pero siempre como ilustraciones del mismo tema : la falta de entendimiento, entre las personas o con las maquinas : las sesiones de fotos, el show televisivo, las elípticas alocadas, la masajista histérica. Cuando las cosas o las personas no hacen o dicen lo que se espera de ellas.

La película impone su ritmo, lento, de gente que no lograr hacer contacto con la realidad del mundo exterior.

Y el contacto se hace entre ellos dos, casi sin palabras, casi sin movimientos.

Y todo toma sentido.

Vertigo (A.Hitchcock- 1958) 8/10

Una película de culto, por la dirección del maestro del suspenso, pero también por la adaptación de una novela extraordinaria.


Ficha de investigación

El guión es adaptado de una novela francesa, escrita por el famoso par de escritores Boileau-Narcejac, a quien se le debe también “ La que ya no vivía”, adaptada en 1954 por H-G Clouzot para hacer “Diabólicas”, copiada en 1996 por J. Chechik “Diabolique” con Sharon Stone y Isabelle Adjani.

En la novela, la atención se concentra en el punto de vista del hombre, un policía fracasado, quien queda fascinado por la mujer a la que tiene que vigilar sobre ordenes del esposo preocupado. La elegancia y al expresión ausente, como viviendo en otro mundo, de la mujer, lo atrapa. Se enamora perdidamente de elle y se siente culpable cuando la ve suicidarse, lo que reaviva sus sentimientos de culpa después de la muerte del colega que dejó caer de un techo en una persecución, tetanizado por la acrofobia. Al ver, cuatro años después, por asar, a la mujer, la sigue, la hostiga, la transforma hasta que ella confiese que es la misma Madeleine.

El texto escrito permite entrar a los miedos, las obsesiones, los remordimientos y tormentos del protagonista, hombre poseído por el miedo a la muerte.( de ahí su fascinación hacia la que le parece volver “de entre los muertos” según el subtitulo de la novela). El relato fílmico obliga al uso de un personaje exterior, la amiga y novia eterna Midge para que las conversaciones expresen en voz alta lo que es voz interior en la novela. De la misma forma se recurre al ardid de una carta de confesión, que escribe Judy a Scottie cuando decide irse. Al cambiar de opinión, la deshecha, y eso pone el espectador en la posisción de saber más que el personaje. De ahí el suspenso, tal como lo definía Hitchcock: el espectador sabe mas y espera el momento en que el protagonista entenderá por fin.

Otro forma en que Hitchcock nos hace entrar al conocimiento mas profundo de su personaje es por el uso de símbolos, en particular sexuales, que nos dan a ver la impotencia de Scottie (la Torre Coit, los juegos con el bastón en la primera escena con Midge, los sequioas gigantes, siempre vigorosos.

La figura de la espiral, presente desde los créditos, y perceptible en el chongo de Madeleine, en la escalera de caracol, y que nos golpea en el travelling compensado (travelling hacia adelante y zoom hacia atrás) del campanario, nos lleva a hundirnos en la profundidad del inconsciente. La espiral es un motivo hipnotizante, pero es también la forma de volver sobre sus pasos, en el espacio o en el tiempo, sin pasar exactamente al mismo lugar. El circuito del ramo de flores, punto de partida de trazo de la cámara, hasta el ramo de la mujer en la pintura (Carlota Valdez, la bisabuela de Madeleine), hasta el chongo de la mujer en la pintura, hasta el chongo de Madeleine. Una cámara muy explicativa, siguiente el camino de las asociaciones, como en el sicoanálisis (ciencia que Hitchcock usará en varias de sus películas (“La casa del Doctor Edwards “ - 1945 por ejemplo, con el sueño diseñad0 por Salvador Dali, o “Marnie” -1964)

Y cuando, al final de la película, el protagonista logra dominar su miedo, subir la escalera con Madeleine-Judy, para ponerla en el lugar de su crimen, al sacudirla, el chongo se suelta. La verdad aparece, el miedo desaparece. Los símbolos ya no tienen razón de ser.

Una película para ver, y volver a ver.

Todas las mañanas del mundo ( A. Corneau - 1991) 8/10

Cuando el cine se vuelve arte. Musica, pintura, meditación.


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Esta cinta es a la vez producto y causa del entusiasmo de final de de los años 80 para la música barroca, y para el siglo del Rey Sol.

De repente, gracias a algunos músicos apasionados, Francia describe que en el siglo XVII se hizo buena música, se compuso opera y que Lully no ha escrito solamente música para las obras de Molière. Y de repente se dan a conocer una pléyada de compositoras alrededor de este mecenas genial y autoritario que fue Luis XIV.

Adaptada de la novela homónima de Pascal Quignard, músico a la vez que escritor, esta película nos presenta al extraño Monsieur de Sainte Colombe, profesor de viola, que no aceptaba a cualquiera en sus clases, viudo que seguía visitado por la silueta de su esposa, padre que no hablaba con hijas pero les enseño todo lo que sabia, y compositor que no apuntaba sus obras.

Muy fiel a la novela, la película tiene como hilo conductor la lectura en off , en la voz de Gérard Depardieu, de los recuerdos de Marin Marais. La cinta es un largo flash-back, que se termina por la aparición de Ste Colombe muerto, como una autentificación de Marais como un verdadero músico, opinión del maestro sobre su discípulo(o lo que discipulo anheló durante toda su vida). Esta aceptación sigue a la que se dio en vida cuando los dos lloran al tocar juntos, y cuando Ste Colombe le entrega su libro rojo de composiciones al músico ya maduro y famoso.

Pero esta lectura provoca incoherencias: si se trata de los recuerdos de Marin Marais, como pudo conocer la vida que llevó Sainte Colombe antes de conocerlo? Inconsistente también es el nivel de lenguaje usado: el guionista se limitó a cambiar la narración de la niñez de Marin Marais de tercera a primera persona. En la película, cuando el joven cuenta oralmente sus desgracias a la familla Ste Colombe, resulta muy artificial y pomposo escuchar un texto de nivel escrito y literario.

Estas reservas puestas de lado, resta que la película de Alain Corneau es una obra de arte, llena de delicadeza, que toma su tiempo, en largos planos fijos sobre un paisaje, una naturaleza muerta, una cocina, un instrumento de música, en tomas que parecen pinturas de Le Lorrain , de De La Tour, para darnos tiempo para escuchar las obras llenas de paz, de ritmo lento que compusieron Monsieur de Sainte Colombe, de Couperin, o del agitado Lully. su alumno Marin Marais que, según el maestro, traicionó a la música al aceptar de tocar para el rey ( de todas formas, según el maestro , Marin Marais no ERA un músico, solamente sabía HACER música).

Los colores sencillos: el negro eternal del eternal viudo, el beige de la hija mayor, el rojo del vestido de la muerta, tan parecido al rojo de la madera de la viola , se responden en una danza lenta, apacible.

La cara de Jean-Pierre Marielle, torturado y severo al principio, se vuelve poco a poco sereno, conforme va aceptando su soledad y la felicidad que le dan la música en su cabaña solitaria a la orilla del río, esperando las visitas del fantasma, hablando con ella.

Porque, a pesar de los que digan los anuncios, el actor principal no es Gerard Depardieu, igual de pesado que siempre (en todos los sentidos de la palabra), ni su hijo Guillaume, igual de feo que su padre (al menos, esta fealdad heredada le da coherencia a la película) ; el personaje es el taciturno monsieur de Sainte Colombe. O mas bien, el personaje es la música.

Paris en la mira ( P. Morel - 2010) 5,5/10

Cuando los espías no se toman en serio.

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Se percibe claramente la influencia del productor, guionista, y otrora director Luc Besson. Como en la anterior película de Pierre Morel,("Búsqueda implacable"-2008), Paris juega un papel determinante. La ciudad no es presentada de forma superficial, como lo acostumbran las películas estadounidenses. Se muestra esta vez el “barrio chino” y un edificio en los suburbios, donde viven los emigrantes, de origen árabe o africano, con las paredes pintarrajeadas.

Como en “Búsqueda implacable”, las persecuciones abundan. Pero esta vez se nota más la influencia del cine de Honk-Kong, con el ritmo impresionante de la pelea en el restaurante chino: un solo hombre contra una decena, tiroteos, hoyos en las paredes. Con la escena de pelea muda, solo con música. Con la lentitud y la gracia de la muerte final, cuando el personaje bueno de la historia llega al final de su iniciación, y, pasando por encima de sus debilidad sentimental, logra dispararle a la chica mala.

Pero la película es antes que todo una película divertida, sobre personajes que no están en su lugar : James Reece (Jonathan Rhys-Meyers), el elegante secretario de embajador que suena con ser espía, y hace trabajitos en la espera y esperanza de pasar a un nivel superior La novia guapa que parece ser modista, pero es terrorista. Charlie Wax, el agente secreto que es todo menos discreto , y se parece mas a un motociclista salvaje con cadenas , cuero negro y aretes que a James Bond, pero tiene el mismo flematismo y puede tomarse el tiempo de degustar un te a la menta antes de bajar por la ventana. Aunque siempre preferirá una hamburguesa “Royal with cheese”.

Sobre situaciones totalmente inverosímiles : la cocaina que cae del cielo, perdón, del techo del restaurante, el aspirante a espía que no suelta su florero chino (lleno de polvo), el chip que se cae de la mesa donde lo pegaron y se tiene que engrapar.. Las diversas formas de mandar a un contrincante por una escalera de caracol. O como un niño de diez años puede poner de rodillas a un espía experimentado y su compañero.

Sobre juegos de palabras tontos: “Wax on , Wax off” .”Si no sueltas el arma, me mato primero, y a ella después.”

Sobre citas de otras películas. ya mencionamos a “Busqueda implacable”, pero también “Vertigo” con la persecuciones sobre los techos, las llamadas telefónicas del jefe invisible como en “Los Ángeles de Charlie” o “In Bruges”, el humor a lo Hitchcock, cuando Reese sigue una huella de sangre, que resulta ser una mancha de salsa . O la referencia explicita a James Bond en el titulo (“From Russia with love” – T.Young -1964)

Una película poco seria en cuestión de espionaje, terrorismo o hasta en suspenso, pero un buen momento de diversión.

¿Será Jonathan Rhys- Meyers el próximo James Bond? Un poco joven, tal vez.

Cartas para Julieta ( G. Winick - 2010) 4/10

Toscana será siempre Toscana.

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No se puede decir que la película sea mala. Ni buena. Simplemente es muy predecible.
Sabemos desde el principio que Julieta, perdón Sophie (Amanda Seyfried) y su prometido Víctor (Gabriel García-Bernal) están destinados a separarse. Porque suponemos que ella va a encontrar el amor en Verona. También sabemos, porque es una comedia romántica estadounidense, que los que se odian al principio van a terminar enamorados.

La película cae en todos los clichés que están de moda: el susodicho Víctor es un chef que va a abrir su restaurante italiano en Nueva-York; ella es una periodista, graduada de una gran universidad, que sueña con escribir pero no se lanza porque es muy perfeccionista.(eso dice ella) Llega un joven ingles bien educado y estirado, con su abuela (Vanessa Redgrave) que abandonó al amor de su juventud y vuelve a Verona a buscarlo. Obviamente, después de topar con una decena de hombres de su edad que no son el Lorenzo que busca, lo encontrará en el ultimo lugar donde se detendrán antes devolver cada quien a su vida normal. El no la ha olvidado, el es viudo, ella es viuda. Suenen las campanas de matrimonio. Lo joven se separará de su chef que prefiere catar vinos a leer el artículo de su amada. Y en la boda de Claire, después de un quiproquo hecho para mantener el suspenso y hacer suspirar al público, se besaran sobre la hierba.

Todo muy simplón y cursi.

Una idea interesante: el grupo de mujeres que contestan todas las cartas que las mujeres en penas de amor dejan en el muro de la casa de Julieta (la verdadera, la que vivió en Verona). Aunque uno se puede preguntar como logran contestar todas las cartas. Y si no hay hombres en penas de amor y que escriban cartas. Pero eso es un detalle de la historia.De hecho,el “Club di Giuletta” existe realmente, es un club de voluntarias que contestan a las cartas en todos los idiomas. El libro, del cual se adaptó la novelas, escrito por las hermanas Lise y Ceil Friedman, es una recopilación de cartas verdaderas.

Lo que queda, es que, Verona, Siena, los paisajes de Toscana son una maravilla. Y quien no guarda en el fondo de su corazón el recuerdo de un amor de juventud y la pregunta “¿Y si hubiera….?”

Gracias por fumar ( J.Reitman - 2006) 5/10

Una película muy desigual. ¿Reír? ¿Llorar? ¿Indignarse?


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El protagonista Nick Naylor (Aaron Eckhart), es el vicepresidente de un cierto "Instituto de Estudios Tabacaleros", donde destacados científicos realizan constantemente experimentos para demostrar que no hay conexión real entre el uso del cigarro y el cáncer o las enfermedades respiratorias. Se la pasa inventando bonitas frases para convencer a todos de que los cigarros son inofensivos y, porque no, hasta benéficos.

Con algunas actuaciones a veces interesantes ( Aaron Eckart, William Macy, Rob Lowe, Robert Duvall) y un tono acido, la película en realidad no se decide nunca para un género en particular. Va y viene entre lo polémico, lo satírico (con el productor de Hollywood), lo puramente cómico (el senador en su despacho con calcetines y sandalias), lo cursi (la escena final en el tribunal en presencia del hijo). Y esta falta de determinación le resta fuerza.

Es cierto que actualmente, el discurso obligatorio es en contra del tabaco. Aunque los intereses económicos sigan a su favor. Como lo es la realidad. De la misma forma que el discurso políticamente correcto es a favor de las energías renovables, a pesar de que todo mundo siga con su coche, y las compañías petroleras sigan ganando millonadas, destruyendo, contaminando tierras y mares, y corrompiendo funcionarios. Para poder seguir trabajando tranquilamente.

Así que una película tibia como esta no es verdaderamente necesaria. Su tesis y sus argumentos no se definen claramente y las actuaciones interesantes son solamente momentos breves, cuando diálogos y situaciones del guión lo permiten. Como la comida, siempre en la misma disposición alrededor de la mesa , de los tres representantes de las industrias moralmente dudosas : armas ( David Koechner), tabacco y alcohol (Maria Bello), como unidos en un complot para destruir a la humanidad. Pero, finalmente, como lo reconocen todos : trabajan solo para pagar la hipoteca.

En realidad la película no deja mucha huella en la memoria del espectador.

Butch Cassidy and the Sundance kid (G.R. Hill - 1969) 7/10

La película que le dio nombre a un festival.

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Más que un western, una película romántica.

Unos nombres famosos de gangsters, pero, antes que todo, una historia de amistad.

Los créditos dan el tono nostálgico con su desfile de película muda en colores sepia.

Cada integrante del par de socios es presentado individualmente: Butch Cassidy ( Paul Newmann) investiga los bancos a atacar mientras Sundance Kid (Robert Redford) juega cartas y gana sin hacer trampa.

Hasta el nombre de la banda es poco serio: la banda del hoyo en la montaña.

Una frase: “Tengo visión, y el resto del mundo usa bifocales.”

Unas cuantas escenas de acción: el ataque al tren del dinero, en un tono muy amable, s ele invita al escolta a rendirse. Mucho humo, poco daño. Y el secundo ataque, con una carga excesiva de dinamita, que hace volar todo el dinero.

Un paseo en bicicleta: Butch Cassidy y la novia de Sundance (Katherine Ross) en el campo. Árboles en flor, pajaritos, sol, visión entre las tablas del granero. Acrobacias. Colores muy suaves. Ambiente bucólico. Paz y complicidad.

Una persecución digna de cualquier western: galopes, montañas, torrentes rápidos y tiroteos.

La nueva vida en Bolivia (una Bolivia que se parece mucho a México) : otra vez los tres juntos, cómplices, felices, divertidos. Los ataques a bancos con música en “dabadabada.…”

Y un final tragi-cómico. Trágico porque sabemos que ahí van a morir. Pero divertido por las discusiones por nada, los proyectos en Australia…

Y la última imagen que los deja en el vuelo para pelear, juntos, sabiendo que van a caer, pero dejándonos con la esperanza: tal vez….

Porque son tan simpáticos, y jóvenes, y guapos.

Cloudy with a chance of Meatballs (Phil Lord, Chris Miller, 2009) – 7/10

Me sorprendería saber que algún chamaco se haya distraído mientras veía esta bonita cinta. Para bien y para mal. Por un lado hay un ritmo narrativo muy, muy bien llevado. Un guion divertidísimo con gags bien oportunos. Por el otro, hay colores brillantes por todas partes, movimientos de cámara rápidos y continuos, no creo que haya un segundo de silencio…el paraíso para los niños con déficit de atención (léase chamacos sin disciplina para estarse quietos dos segundos).

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Flint Lockwood (Bill Hader) es un muchacho brillante quien a pesar de tener un talento impresionante, no hace más que inventar cosas que no funcionan. Su más reciente idea es ofrecer a su pueblo una alternativa a las sardinas que comen diario, con una maquina que transforma el agua en comida. Las cosas se complican, por un momento todo sale bien, llueve comida, de pronto todo sale mal y Flint debe detener su propio invento.

La verdad me reí mucho. Desde el inicio la cinta esta plagada con gags muy divertidos. Si, vienen acompañados de todos los estereotipos del genero lo cual es lamentable, pero aun así me reí. El ritmo está muy bien llevado, al grado que empiezo a notar una tendencia que es más bien evidente: los directores de cintas de animación tienen mucho más control sobre el flujo de sus historias.

Los personajes son divertidos, particularmente el simio Steve (Neil Patrick Harris), aunque se sienten un poco diseñados mas para una serie de gags que por las necesidades de la historia. La dirección de arte en general está bien lograda, aunque debo decir que aun no entiendo la mezcla de elementos harto realista con otros francamente caricaturizados. El ejemplo más claro en esta película es el cabello altamente realista conviviendo con esas caritas y cuerpecitos que casi son polígonos simples (exagero, pero no demasiado). Una vez más, lo realmente meritorio esta en el guion y la dirección.

Y creo que no sería un error leer en los eventos de la historia una crítica al modo de vida actual. Porciones cada vez más grandes, desperdicio, literalmente, de comida en enormes cantidades, todo en una sociedad que ha alcanzado cierto confort gracias a la tecnología. Una crítica que hubiese sido más efectiva si todos, no solo el maloso, se tornaran obesos y ridículos. Me parece que aun había espacio para maniobrar, haciendo la crítica más punzante sin perder la diversión. Y es que Cloudy with a chance of Meatballs tiene mucha diversión.

Iron Man 2 (John Favreau, 2010) – 4/10

No tengo problemas con una película de acción que quiera solo cotorrear. Estaría bien si hubiese algo más, pero acepto que no siempre es el caso. Pero al menos espero que sea honesta consigo mismo y tenga un mínimo de sentido, aun si su lógica es torcida. Mientras la primera parte hace un gran trabajo en presentar al All American Hero, ósea, tiene un tema, Iron Man 2 es solo una serie de eventos en los que figura Robert Downey Jr.

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Tony Stark (Robert Downey Jr.) es un millonario que parece frívolo y arrogante. También es Iron Man, un súper héroe que ha logrado un nivel de paz mundial sin precedente. Un empresario rival, Hammer (Sam Rockwell) quiere mejorar la tecnología detrás de Iron Man para ganar mucho dinero. Para ello, usa a un maloso, Ivan Vanko (Mickey Rourke) que sale no sé bien de donde. Iron Man debe lidiar con esto, mientras se enfrenta a sus propios problemas. Al final Iron Man debe pelear contra otro(s) Iron Man (men) parecidos pero no iguales a él. Así es amiguito lector, salvo por algunos detalles superficiales, es exactamente igual que la uno.

Y ese no es el único problema. La trama tiene tantos agujeros que deja de ser chistoso. El origen de Vanko, aka Whiplash, es de risa. Toda la faramalla de la Stark Expo es una estupidez. Vanko que en 15 minutos echa a andar los robots de Hammer…Rhodey (Don Cheadle) entregando una de las armaduras al ejercito…Que el ejercito le pida a Hammer que “arme” (en el sentido de armas, pistolas) dicha armadura (no solo ya echa rayitos por todas partes, pero, ¿por qué Hammer?)… que Hammer no use su acceso a esa armadura para mejorar sus robots…que en la maqueta este la “clave” para un nuevo elemento…No es ficción, es estupidez. Y si la excusa es “pues es un comic”…francamente, es porque no han leído un comic.

No hay un tema central, la película no va a ningún lado…solo suceden cosas. Y si, hay mas acción que en la uno, se ve mejor, pero no por eso se siente tensión o parece que algo se resolvió al final. No entiendo para que cambiaron a Terrence Howard por Don Cheadle para papel tan soso (aunque la armadura de War Machine se ve padre). La Black Widow (Scarlett Johansson) se ve guapisisisisima pero no sirve de nada, a pesar de que se avienta la Mística; y la dinámica entre Pepper Potts (Gwyneth Paltrow) y Stark no tiene la chispa que solía tener.

Lo otro que me molesta, es el énfasis puesto en el futuro crossover con las demás cintas del universo Avengers. Si esta es una película en sí misma, no le dediquen tanto tiempo a esos elementos (vistazos está bien, pero no escenas enteras). Si esta es solo una parte de una maxi película, entonces no las saquen las otras partes hasta dentro de 3 años. Decídanse.

Al final, mas acción que la uno, pero mucha menos calidad narrativa.

Exit Through the Gift Shop (Banksy, 2010) – 7/10

Banksy es sin duda el artista más relevante en este momento. No digo el que esta más de moda o mejor se vende o te hace ver como que eres bien radical pero de onda si lo mencionas. Y precisamente de eso se trata su película.

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La cinta sigue a Thierry Guetta, un francés en Los Ángeles obsesionado con filmar cuanto se le ponga enfrente. Por accidente Thierry descubre que su primo es ni más ni menos que Invader, uno de los artistas de la calle sensación del momento. A partir de ese descubrimiento Thierry se dedica a filmar a todos los artistas de la calle relevantes: Shepard Fairey, Zevs, André y muchos más. El único que se le escapa es el notorio Banksy. Hasta que fortuitamente se encuentran. Una cosa lleva a la otra e inspirado por Banksy Thierry decide convertirse en artista también, bajo el nombre MBW (Mr. Brainwash). Y arma una exposición de la noche a la mañana, y se vuelve una sensación de la noche a la mañana.

La cinta es presentada como un documental. Esta filmada como un documental. Y por momentos lo es realmente, muestra el trabajo y momentos de la vida de estos artistas. Se detiene en Banksy un poco más, mostrando con detalle su famosísima exposición en Los Ángeles Existencilism y la tal vez más famosa instalación del prisionero de Guantánamo en el parque Disney. Pero donde más se detiene es en documentar algo que, estoy convencido, es una pieza de ficción.

Así como Duchamp presento la Fuente en 1917 para demostrar que no “todo es arte” como los imbéciles de la Sociedad de Artistas Independientes pretendían; estoy convencido que Banksy, junto con Fairey e Invader entre otros, inventaron a Thierry. Le dieron una historia y orquestraron su ascenso caótico al estrellato del arte. No tengo más evidencia que la obra de Thierry y lo que Exit Through the Gift Shop muestra. Si estoy equivocado, es otra prueba que el sistema en el que estamos es una porquería. Si estoy en lo correcto, es una prueba de que el sistema en el que estamos es una porquería, pero al menos hay gente dispuesta a jugar con él, fuera de él.

La obra de Banksy es relevante porque no solo es técnicamente interesante y estéticamente lograda. Lo es también porque sus temas son punzantes y provocadores, atacando pilares fundamentales del sistema socio-político en el que vivimos a veces de manera directa, a veces indirecta, pero nunca sutil. Encima de eso, eligió los medios que mejor funcionan para este tipo de mensajes por su naturaleza misma. Hay mucho que decir sobre cada una de sus obras.

De pronto, como muchos otros artistas de la calle, Banksy se volvió parte necesaria de la colección de cualquier aficionado al arte que se respete. Y mientras seguramente hay algunos que valoran las obras en sí mismas, otros tantos valoran el hecho de coleccionar por encima de cualquier cosa. Ahora un Banksy se vende en cientos de miles de dólares. Claro, el artista no ve un quinto, pero esos son detalles.

Mr. Brainwash solo produce un pop art reciclado y sin chiste. Bajo su propia confesión, no lo produce el mismo, sino que lo “idea” y alguien más, un ejército de artesanos, ejecuta esas ideas (hay que decir que los talleres del renacimiento no eran muy diferentes). Es claro en la cinta que no tiene la mas mínima idea de qué demonios pueden significar sus obras. Es un idiota, no un artista. Pero eso pasa mucho.

Son los detalles los que me dicen que todo esto es una broma. El descubrimiento del primo artista es completamente artificial. La confesión sobre la obsesión por la cámara como resultado de la madre está fuera de lugar, las tomas a un Thierry que no sabe ni como colgar cuadros, sus explicaciones superfluas…No, para mí, todo esto está montado.

Al final los revendedores de arte se siguen llenando las bolsas, los coleccionistas siguen dictando que vale y que no. Pero al menos detrás hay una noción. La noción de un arte con propósito, la noción de una idea que no se vende.

Océans (Jacques Perrin, Jacques Cluzaud, 2009) – 6.5/10

Un documental acerca del océano que es sobre todo una secuencia de imágenes impresionantes desde todo punto de vista. La finalidad educativa de la cinta no creo se logre muy bien, pero definitivamente vale la pena por la belleza de lo que muestra

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Pierce Brosnan narra una serie de eventos relativamente aislados que suceden en el infinito océano. Situaciones curiosas que la mayoría de la audiencia (o al menos yo) desconoce. Al final, algunas imágenes y frases buscan hacer comprender que esa belleza no es infinita y está en peligro.

En tanto documental, Océans no es realmente muy bueno. No hay un tema central que hile los fragmentos de manera congruente (y para quien diga “el mar”, lo siento no, no es suficiente, y prueba de ello es que los fragmentos se sienten como tal). No hay una discusión a profundidad de ninguno de los temas tratados. Salvo tal vez el mensaje “ecológico” al final. Pero ahí tengo algo que decir.

Es importante decirlo, pero es fundamental darle al auditorio la relación directa entre sus acciones y las consecuencias presentadas. Porque cualquier espectador podría decir que no tiran basura en el rio. Y la mayoría no estaría mintiendo. Creo que a estas alturas hay que hacer explicito que lo que consumimos día a día termina contaminando, que el costo de mantener el estilo de vida que llevamos: las cosas que compramos, las envolturas de las cosas que compramos, el transporte de las cosas que compramos…daña eso que es tan bonito en la película.

Ahora, si Océans tiene un merito es sin duda en lo increíble de las imágenes que presenta. Al final de la cinta hay un poco de “detrás de cámaras” mientas avanzan los créditos. Y es claro que hubo mucha producción. Y valió la pena. La calidad de la fotografía es increíble. Jamás había yo visto un documental con una fotografía ni siquiera cercana.

Sean las imágenes de las olas rompiéndose, o los big close ups a los cangrejos, o los pececillos (no recuerdo quienes en específico) atacados por aves y tiburones a la vez, o las nutrias pasándola a todo dar, todas tienen una fuerza y una belleza impresionante. Me cuesta trabajo imaginar la cantidad de trabajo necesaria para captar todo eso de tal forma.

Desde una perspectiva estética, valió la pena.

It’s Complicated (Nancy Meyers, 2009) – 1/10

Esta película es ofensiva a tantos niveles que es difícil saber por dónde empezar.

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Jane (Meryl Streep) lleva varios años divorciada de su infiel esposo Jake (Alec Baldwin). Tienen tres hijos que se comportan como chamacos de dos años a pesar de que la más joven ya está en la universidad. Jane y Jake (quien está en su segundo matrimonio) re inician un romance justo cuando Jane conoce a Adam (Steve Martin) que es bien buena onda. Por alguna razón que no entiendo, se supone que esto significa en cierto sentido una especia de victoria para Jane.

Definitivamente carezco de ciertos elementos para entender a alguien como Jane, aun asi creo que hay cosas en esta película que no tienen sentido (y al decir eso, realmente quiero decir que nada tiene sentido). Que el ex esposo infiel quiera regresar con ella, si entiendo que eso le dé gusto. Pero ¿re-establecer una relación con él? ¿Ahora que esta gordo y feo, ahora que su esposa más joven le exige cierto estilo de vida? No entiendo qué tiene eso de bueno.

Es una profesional exitosa, planeando la cocina de sus sueños, con sus amigas (no demasiado brillantes) y sus hijos (francamente estúpidos)... ¿Por qué se define por el hombre, o falta de, a su lado?

¿Por qué el chamaco que sabe que su padre engañó a su madre, que acaba de salir de la universidad, querría que se juntase de nuevo papá y mamá? ¿Qué clase de imbécil es? ¿Y por qué la Jane le hace caso?

Y si se supone que la historia es moralizadora porque al final Jane no termina con Jake y se insinúa que hay una posibilidad para el pobre Adam…pues no, eso no está bien, simplemente agregan a otro idiota en la ecuación.

Un paréntesis: la cruzada anti tabaco en los medio norte americanos ha logrado que ahora ya casi nadie fume (tabaco) en el cine. Bien…creo... Pero ahora tenemos secuencias completas entorno a cincuentones (y no es que la edad sea relevante en realidad) fumando marihuana. Completamente innecesario...

Jesus Christ Superstar (Norman Jewison, 1973) – 6.5/10

Recuerdo las Pascuas de la infancia, donde el canal cinco pasaba cada año las mismas películas. Una de ellas era Jesus Christ Superstar y aunque no recuerdo haberla visto completa de chamaco, fragmentos se me quedaron grabados en la memoria. Imágenes surrealistas de hippies cantando en el desierto, melodías pegajosas, alaridos del buen Cristo…Jesus Christ Superstar es todo eso y más.

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No tiene mucho caso hacer un recuento de la historia de Jesús. Lo interesante desde el inicio en esta película no es el fondo, es la forma.

Por supuesto un musical (opera rock que le decían en esos tiempos) siempre es interesante por el simple hecho de ser un musical. Gente cantando cuando podrían solo hablar es una cosa que hay que ver. Y es más divertido aun cuando la situación no amerita una canción, pero tampoco los escritores se pueden permitir un diálogo hablado. Entonces hay nada más una especie de entonación absurda que le da a la vida tanto color.

Además de eso, Jesus Christ Superstar juega con la idea de la obra dentro de la obra. Vemos llegar a todos los actores, los vemos prepararse, y al final los vemos irse, aunque algunos están ligeramente cambiados…todos menos Jesús, que está en la cruz. Tal vez haya algo que leer en esta manera de hacer evidente la puesta en escena, remarcando aun más que toda esta historia es solo pretensión.

Y digo remarcando mas, porque el guion nunca asume a Jesús como hijo de Dios, sino que gracias al más interesante Judas que he visto, la balanza se inclina más hacia el líder político sacado de contexto. Y bueno la letra del tema principal también es bastante explicita en ese sentido (en realidad si hay algo de interés en el fondo). Hay que decir que si bien Judas definitivamente es un personaje interesante, al final los intentos por redimirlo resultan un tanto artificiales. Y hablando de eso, no sé que tanto sea percepción, pero realmente siento que Hollywood hace hasta lo imposible por redimir a Poncio Pilatos cada vez que puede…

Pero volviendo a la forma. La dirección de arte tiene mucho merito. La elección de escenarios da lugar a una fotografía emocionante, que combinada con los riffs de guitarra y los atuendos tan de la época resulta en un ambiente completamente envolvente.

Sin lugar a dudas producto de su época, y aunque Judas resulta ser más interesante que el mismo Jesús, Jesus Christ Superstar es la mejor adaptación de la historia del Cristo que he presenciado jamás.

Lat Sau San Taam (Hard Boiled) (John Woo, 1992) – 4/10

La película de gun-fu más reconocida de John Woo antes de que comenzara su trabajo en EU me decepcionó. Hay momentos bien pero bien divertidos, pero después de un rato parece que es la misma escena repetida una y otra vez. Y entonces sucedió: me aburrí.

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El inspector “Tequila” Yuen (Chow Yun-Fat) debe detener a una banda de malosos. Para ello se alía con Tony (Tony Leung), un policía encubierto que lleva mucho tiempo trabajando en el caso. Y ya.

Esta es una película de acción sin mayor propósito que ser una película de acción sin propósito. Hay secuencias bastante bien logradas, como el final de la balacera inicial en el restaurante y algunos fragmentos de las balaceras cuando las bandas de malosos se enfrentan y en la del hospital. Pero en general los diálogos son sosos, la acción repetitiva hasta el cansancio y los diálogos que juegan a ser profundos a veces, astutos otras, son siempre aburridos.

Por supuesto la secuencia con el bebe en el hospital es algo a destacar, el humor esta a todo en esa secuencia y la paradoja de la violencia gratuita no se le escapa a nadie. Pero aun esa dura demasiado, y es difícil olvidar que todo concluye con el sacrificio de Tony en un momento altamente anti climático.

Lo desconcertante es como tanto Tony Leung como Chow Yun-Fat, pero sobre todo el primero, logran dar vida a personajes tan planos. En una cinta que no requería nada, absolutamente nada de él, Tony Leung logra alzarse una vez más con una actuación convincente. Diálogos chafas, secuencias repetitivas y la uni-dimensionalidad de su personaje no pudieron más que su increíble capacidad actoral.

Se7en (David Fincher, 1995) – 6.5/10

Fincher es sin lugar a duda uno de mis directores favoritos (antes de Zodiac); y Se7en es sin duda una historia muy bien narrada. Aunque la primera vez me dio más miedo, sigue siendo impactante, aunque habría que ver si es solamente por la sordidez del tema y las imágenes.

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El detective Somerset (Morgan Freeman) está en su última semana de trabajo (semana, ósea siete días). El detective Mills (Brad Pitt) acaba de mudarse a la gran ciudad con su guapísima esposa Tracy (Gwyneth Paltrow) y es el nuevo compañero de Somerset. Juntos persiguen a un loco (Kevin Spacey) que está matando a gente…representativa…de cada uno de los siete pecados capitales, de maneras extremadamente brutales. Menos soberbia, ese esta de flojera.

La secuencia de créditos al inicio parece video de Nine Inch Nails (y no digo eso solo porque la música sea de estos amigos). El ambiente de la cinta queda perfectamente reflejado ahí. Además que el arte de los créditos con las imágenes de fondo difíciles de entender pero que de todos modos ponen incomodo funcionan bastante bien.

De ahí en adelante, parece que todo esta diseñado para generar un ambiente poco confortable. Los sitios son sórdidos, el sol rara vez se presenta, inclusive el departamento de Mills es incomodo desde todo punto de vista. Hay algunos detalles que también añaden a esto, por ejemplo la conversación entre Tracy y Somerset, relacionada con el embarazo…de pronto el detective experimentado buena onda se vuelve un personaje más ambiguo e interesante. La dirección de arte es sin duda un gran logro de la cinta, junto con la dirección que logra mantener la tensión en todo momento. Salvo tal vez justo antes de que el asesino se entregue…

La labor detectivesca es un chiste rotundo. Entre Somerset que encuentra y lee todos los libros y pasajes adecuados en una noche en la biblioteca (único lugar no amenazante en toda la película), el sistema “secreto” del FBI para encontrar a lectores de libros sospechosos (que pasaría si los malosos compraran libros, o se los robaran…no…ellos nunca harían eso), o mejor aún, que el primer departamento al que van es el del maloso y este viene regresando justo en ese momento de ir por el mandado. Un mal chiste.

El discurso revelador del asesino es en realidad perfectamente predecible y no trasciende las necesidades narrativas de la cinta.

Al final es un thriller más de la escuela gringa, mas sórdido que de costumbre, y bastante bien contado.

Kick Ass (Mathew Vaughn, 2010) – 3/10

Kick Ass, el comic, empezó muy bien. Muy bien. Al final…creo que se les olvido de que se trataba en realidad. En Kick Ass la película, jamás se preguntaron de qué se trataba. Todos esos clichés en los que el comic se basa para contar una historia relevante aparecen en la cinta, multiplicados por 1000 y la cinta solo se regodea en ellos. Y ya.

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Dave Lizewski (Aaron Johnson) se hace la pregunta “¿Por qué nadie ha intentado ser un superhéroe?” y decide intentarlo bajo el nombre Kick-Ass. Después de algunos fracasos se vuelve una sensación como solo el internet y el aburrimiento colectivo pueden generar. Paralelamente, Big Daddy (Nicolas Cage) y Hit Girl (Chloe Moretz) altamente entrenados y armados se dedican a ejercer venganza contra un narcotraficante. Para Kick Ass, todo se sale de control.

En realidad la premisa del comic es simple. El “malo” a vencer no es un tipo con mascara o capa, no es un capo con miles de esbirros a su servicio. Nop, el malo a vencer es la realidad. Las cosas como son, que evidentemente no son como quisiéramos. Lo increíble del comic es que usa tantos clichés y violencia a lo bestia, pero aun así mantiene esa tónica de sensibilidad. Al menos hasta el último número que esta de flojera en por lo menos tres cuartas partes.

Pero este artículo no es acerca del comic, es acerca de la película. La película olvida por completo la idea subyacente y se dedica solamente a mostrar a una niña matando gente. Puede ser que esto esté fuera de lugar, pero francamente una niña matando gente solo porque si (ósea, sin ninguna idea de fondo) es algo que no debería suceder.

El origen de Big Daddy en la película es plano, predecible y aburrido. No hay ningún misterio alrededor de Red Mist, la relación con la chica guapa es un mal chiste. Y lo del jet pack simplemente no tenía lugar.

Al final lo imperdonable es que la cinta logro no solo deshacerse del espíritu del comic, sino que a pesar de tanta acción, resulta aburrida.

Chloe ( Atom Egoyan, 2009) – 2.5/10

Habría que ver si la original Nathalie esta tan horrenda, que no creo porque al menos sale Emmanuelle Béart. Si la historia de intrigas y gente re enferma de Chloe iba a sobrevivir, era solo en el reino de las insinuaciones y lo sutil. Jamás debió haber sido hecha en Norte América.

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Catherine (Julianne Moore) y David (Liam Neeson) tienen harto tiempo de casados y su matrimonio enfrenta algunos problemas. Sobre todo porque David coquetea con cuanta muchacha se le pare enfrente. De pronto aparece Chloe (Amanda Seyfried), una prostituta que trabaja junto al despacho de Catherine. Entonces, evidentemente, Catherine le pide que seduzca a su esposo para probar que le es infiel. Y el esposo cae. Pero después resulta que en realidad todo el mundo está mucho más loco de lo que hubiésemos pensado la primera vez que vimos a Julianne Moore desnuda.

Este es un caso más de una interesante premisa con una ejecución tan mala que de pronto se vuelve francamente patética. Los personajes, sobre todo Catherine y Chloe, están bastante dañados, pero no por eso se sienten menos de cartón. Como ejemplo basta detenerse en la escena en el consultorio de Catherine, donde esta le pide a Chloe que se vaya para siempre. Actuaciones dignas de una asamblea de tercero de primaria. Lo cual es una lástima porque al menos Moore y Neeson si saben actuar…aunque uno no lo sabría al ver Chloe.

Otra cosa que me intriga es la fascinación de Julianne Moore por mostrarse desnuda. Y la necedad de esta película por mostrarla desnuda…a ella y a Amanda Seyfried. Si, de acuerdo, el componente sexual es fundamental en la historia…pero eso no justifica las largas tomas estáticas a sus cuerpecitos.

Al final, la intriga entre los personajes era interesante, sin duda, el momento what a twist pudo ser sorprendente...en fin, si la dirección hubiese estado más al servicio de la historia que de lo sórdido pudo ser buena. Pero término siendo re mala.

The Crying Game (Neil Jordan, 1992) – 2.5/10

Diré esto en favor de la película: al menos tenía una idea. Un concepto que busco explorar. También sale Forest Whitaker que es a todo dar. Pero ya, nada más, fuera de eso, nomas no.

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Fergus (Stephen Rea) y sus amigos IRA secuestran a un soldado Ingles (Forest Whitaker). Pero Fergus es tan buena persona que termina haciéndose amigo del secuestrado. Cuando este está a punto de ser ejecutado, le pide a Fergus que busque a su pareja, Dil (Jaye Davidson) y le diga que murió pensando en ella. Suceden entonces una serie de eventos desafortunados que resultan en la muerte del soldado aunque no directamente a manos de Fergus o sus amigos. Entonces Fergus busca a la pareja, dice que la quiere cuidar, se dan unos besos bien luego luego, creo que se enamoran y la relación se vuelve aun más torcida cuando Fergus se entera que ella es un él. Después los amigos IRA regresan con un trabajito para Fergus, todo se complica más, y al final termina en la cárcel donde Dil lo visita.

La idea: uno no puede cambiar su naturaleza. Fergus es un buen tipo, aunque participe en secuestros. Dil es mujer, aunque haya nacido en el cuerpo de un hombre. Jody, el soldado secuestrado, ama a Dil a pesar de no ser homosexual. Jude, miembro del IRA, es una perra…sin más. Independientemente de lo que pase, o de las circunstancias, uno no puede traicionar su naturaleza.

El tema es presentado desde el inicio y explorado de manera más o menos congruente a través de los personajes. Después de eso, la relación de Fergus con Dil no tiene mucho sentido. Es decir, entiendo que quiera honrar la memoria de Jody…aunque también es súper artificial como empieza esa amistad…pero bueno, de ahí a darse unos besos luego luego….Despues el relajo con los miembros del IRA y como quiere salvar a Dil haciéndolo pasar por hombre, es estúpido. Parece que la idea era que el plan era bueno porque Jude no sabía que Dil era en realidad hombre…pero que más da, se ve igualito antes y después del corte de cabello. Y Dil atando a Fergus a la cama, amenazándolo mientras le dice que lo ama…se siente torcido, que igual era la intención, pero definitivamente no me la creo.

En general, había una idea…pero nada más.

Raging Bull (Martin Scorsese, 1980) – 3.5/10

Al parecer una de las mejores películas de Scorsese, Raging Bull tiene algunos momentos de brillo, pero en general es otra película de Scorsese. Sigue sin impresionarme el estilo narrativo que encuentro plano y desabrido. El énfasis está completamente en los personajes, lo cual no tiene nada de malo, salvo cuando son así, uní-dimensionales, poco construidos. Unos destellos, pero nada más.

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Robert DeNiro es Jake La Motta, un boxeador de origen italiano con un temperamento violento y explosivo. Evidentemente es le resulta muy útil en el ring. También hace de su vida fuera de él una pesadilla. Golpea a su primer esposa…y a la segunda, a su hermano (Joe Pesci) que solo quiere ayudar y a quien se le ponga enfrente. Cualquier cosa que logra construir la destruye y después de pasar un rato en la cárcel bajo cargos de violación termina solo, gordo y tristesón.

La secuencia inicial de crédito promete una película cuidada y refinada, o al menos una fotografía excelente. Pero fuera de algunos momentos donde alcanza una fuerza impresionante, la fotografía es banal. Inclusive en las secuencia de pelea, en particular contra Sugar Ray Robinson (Johnny Barnes), se ve una intención dramática, pero no se alcanza a concretar.

Después, en términos de la historia en sí, me resulta difícil entender que hace a Jake La Motta interesante. Violento, celoso, abusivo, infantil, orgulloso… ¿no es ese el estereotipo? ¿Qué hay de diferente? Hay momentos llevados al extremo que si me impresionaron, pienso en particular a toda la secuencia en que Jake sospecha que su esposa se acuesta con su hermano (el hermano de Jake, no de la esposa…por favor…). Imagino que para la época debió ser bastante impresionante; pero esa cruda violencia la he visto antes…en cualquier película de Scorsese. Lo mismo que los diálogos punzantes, y a Robert DeNiro y Joe Pesci en el papel de italianos de New York…siempre lo mismo.

Si debo detenerme en la secuencia antes mencionada, porque si bien esta claro que Jake es patológicamente celoso, por un momento dude en si el hermanito realmente estaba consolando a la esposa…la golpiza que sigue me dice que en realidad no es importante.

También la última pelea…todas, pero más la ultima…contra Sugar Ray Robinson es interesante. La manera en que La Motta termina la pelea, gritando “You never knocked me down” después de perder dice mucho de él y de su orgullo…para bien y para mal. Pero inclusive ahí siento que falto algo para que resonara como debería.

Entiendo que Raging Bull tenga seguidores, puesto que Scorsese los tiene, y es, definitivamente, otra película de Scorsese.

Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb (Stanley Kubrick, 1964) – 7.5/10

El absurdo de la Guerra fría es llevado al máximo en esta sátira de Stanley Kubrick. Mi problema con Kubrick radica en que, en lo poco que he visto del señor, al final siempre acaba siendo demasiado explicito en sus intenciones. Pero en Dr. Strangelove eso no es un problema. Cada personaje, cada situación, cada dialogo es una hipérbole llevada al extremo. Funciona perfecto.

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En plena guerra fría el general Jack Ripper (Sterlign Hayden), rara vez ha habido mejor ocasión de usar el término, se deschaveta. Preocupado por los intentos comunistas por corromper los “valiosos líquidos vitales” decide dar la orden a sus bombarderos de lanzar bombas nucleares en Rusia. El plan de acción de los EU es tal, que solo un código que solo él conoce puede detener el ataque. Mientras el presidente (Peter Sellers) intenta encontrar una solución, el embajador ruso (Peter Bull) le informa que Rusia tiene un “Doomsday Device” – ante cualquier ataque nuclear básicamente el mundo será destruido. Así, el Dr. Strangelove (Sellers) intenta encontrar una solución, y Lionel Mandrake (Sellers otra vez) intenta convencer a Ripper de detener el ataque.

Sellers en sus tres papeles, Hayden como el general maniático que lanza el ataque y George C. Scott como el General Turgidson, responsable de reportar la situación al presidente, logran una actuación tan exagerada y caricatural que francamente es imposible parar de reír cada vez que uno de ellos está en la pantalla. Quizás aquel que tiene el menor brillo es precisamente el Dr. Strangelove. La necesidad de este personaje no me queda del todo clara y la personificación de Sellers es caricatural sí, pero se resiente la falta de propósito del personaje.

El guion es excelente en no perder ninguna ocasión para burlarse de todo y todos, entre el líder ruso ebrio al teléfono, el piloto del bombardero que se pone su sombrero de vaquero para el ataque y los geniales diálogos del general Turgidson. Momentos sin duda inolvidables son la solución del Dr. Strangelove cuando la detonación del Doomsday Device es inevitable: ocultarse bajo tierra durante el tiempo suficiente para que los efectos de la radiación desaparezcan…solo un ratito pues; pero con el beneficio de una relación entre el número de hombres y mujeres bastante ventajosa para el género masculino. También es excelente la escena de Mandrake buscando cambio para llamar al presidente. O el “You can’t fight here, this is the war room” del president

Dr. Strangelove logra su propósito sin duda al ridiculizar por complete la situación y a todos los personajes. Una caricatura llevada al extremo, con una buena idea detrás.

Videodrome (David Cronenberg, 1983) – 4.5/10

Cronenberg explora la influencia de los medios de comunicación en el individuo…o más que influencia, la deformación en los individuos resultado de su exposición a los medios…o más bien la dinámica entre medio, mensaje e individuo. Interesante aunque por momentos demasiado moralista con un mensaje final ambiguo. eXistenZ v 0.1

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Max Renn (James Wood) es productor en un pequeño canal independiente, que transmite lo que otros canales no, extrema violencia y pornografía. Buscando alternativas, descubre Videodrome, un programa que transmite torturas extremadamente realistas. Pero no es un programa cualquier, es mas ni siquiera lo “descubre”. Videodrome transmite una señal particular que genera un tumor en el observador, alterando sus percepciones para siempre. Renn ha sido expuesto a Videodrome como parte del desarrollo de la transmisión, y se ha convertido en un arma para beneficio de los creadores. Pero se revela y mata a los creadores, y luego a sí mismo, eliminando así, creo, a Videodrome.

Mi primer gran problema vino de que mucho de la premisa y la construcción de la cinta, inclusive algunas frases, ya las había visto en eXistenZ. Claro, Videodrome fue primero, pero eso no cambia que Cronenberg re-utilizo muchos conceptos y eso no está padre. Lo más triste que es que Videodrome es mucho más interesante…

La cinta parece tomar una postura muy clara delatando la promiscuidad y violencia en los medios, creando una hipérbole del mal que generan: llegan hasta crear tumores, costando vidas directamente y eliminando por completo al individuo. Renn al final debe suicidarse para terminar la infección de Videodrome. El círculo se cierra y nada bueno viene de esta explotación de los instintos primarios.

El conflicto está en que Cronenberg, en Videodrome como en todas sus cintas, hace uso de una grafica extremadamente violenta y sexual. Entonces, ¿en qué lado del debate está? Claramente ve validez en el uso de estas imágenes, al mismo tiempo las denuncia en su cinta.

Tal vez la respuesta le tiene el monologo de Brian O’blivion (entienden: o blivion) y no es que Videodrome genere los tumores, los tumores generan a Videodrome. La violencia en la ficción responde solamente a un estado de la audiencia. Tal vez sea eso…lo cual tal vez sería irresponsable…

Bound (The Wachowskis, 1996) – 6/10

La historia en realidad no tiene sentido. De pronto Corky decide arriesgarlo todo por Violet. Todo en nombre de un par de acostones…Una vez que aceptamos eso, Bound tiene mucho que ofrecer porque presenta un vistazo interesante a las ideas que los Wachowski exploraran después, con más recursos. No hablo solamente de las secuencias de acción con cámaras súper lentas. Hay evidencia de un know-how narrativo impresionante.

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Corky (Gina Gershon) es una ex-presidiaria que consigue trabajo como plomera en un edificio de departamentos. Los vecinos del departamento en el que está trabajando son un mafioso, Caesar (Joe Pantoliano) y su novia Violet (Jennifer TIlly). Cuando Corky y Violet se conoce, salen chispas y hay mucho sexo. Cansada de su vida con Caesar, Violet le propone a Corky robarle una importante suma de dinero. Pero para lograrlo, necesitaran confiar la una en la otra de manera absoluta. Por alguna extraña razón eso hacen y logran hacerse de harto dinero.

La ex presidiaria (generalmente es “el” pero que mas da) que se ha retirado, pero por asuntos del corazón se ve forzada a volver a sus andadas. Noción mas trillada en el cine no existe si consideramos las variaciones (ex policía, ex militar, ex CIA, ex actor…). La relación entre Corky y Violet pasa de ser puro sexo a algo más serio y profundo en cuestión de dialogo y medio. El plan para hacerse del dinero es mediocre como no hay dos (pero eso no es un error del guion, finalmente todo les sale mal como debería ser). Los personajes son uní-dimensionales, solo Caesar de pronto como que quiere ir mas allá. Es decir, la historia apesta y el guion está bien pobre.

Luego viene la dirección. Se ve que eso era lo que los Wachowski querían intentar. La cinta empieza normal tirándole a pobre. De pronto las cosas empiezan a levantar con las transiciones entre lugares y tiempos. Nada demasiado elaborado, sutilezas que al final definen a las grandes películas (si los elementos base están ahí). La fotografía evoluciona y se vuelve más significativa, con tomas aguzadas en momentos en los que uno menos las espera, y luego donde más sentido tienen. Las secuencias de acción son intensas e innovadoras dentro de un contexto que no parecía propicio para esos efectos y movimientos.

A pesar de todo, queda bien la relación entre Corky y Violet, cada una explotando sus puntos fuertes que son totalmente complementarios. Esta idea de complementación es interesante y claramente era algo que la cinta buscaba explorar…pero se quedo solo en la superficie.

Al final Bound es una película experimental en el estricto sentido del término. Los Wachowski la usaron como pretexto para explorar algunas de las ideas técnicas que después llevarían al límite.

Coraline, (Henry Selick, 2009) – 7/10

Seria hipócrita de mi parte decir que soy re fan de Neil Gaiman, autor del libro en que se basa la película, simplemente porque no he leído casi nada del señor. Tengo el vivido recuerdo de Stardust que es una reverenda porquería. A pesar de su trayectoria en los comics, llegue con bajas expectativas a ver Coraline. Y luego Coraline empezó y está bien pero bien buena.

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Coraline se muda con sus padres, obsesionados con el trabajo, a una extraña y vieja casa. Ahí Coraline descubre la entrada a un universo paralelo donde es el centro de atención de su madre. Solo que no es su madre sino un diabólico ser que le quita los ojos a los niños y les pone botones, una manera de robarse sus almitas de niños y no quedarse sola con sus marionetas del horror.

Lo impresionante para mí en Coraline fue lo rápido que me atrapó. La historia no es complicada, pero la narrativa es impresionante. No sé qué tanto del merito este en la historia original; pero el guion y la dirección (ambos de Selick) hacen un trabajo extraordinario. Desde la secuencia inicial, con la fabricación de la muñeca hasta el momento final la cinta logra mantener la tensión en niveles óptimos.

Si bien hay momentos un poco facilones, como los niños prisioneros que Coraline salva o, sobre todo, la mamá (real) de Coraline que al final le compra sus guantecitos y ayuda en el jardín, en general la historia es honesta y cumplidora. Es interesante como el reto final se siente mucho como un videojuego; pasando de reto en reto, cumpliendo las misiones. La estética del universo paralelo definitivamente añade a eso. Aquí debo decir que si bien la dirección de arte en general me parece genial (salvo por el gato, al gato le falta algo); ese momento en que el mundo se deshace debió haberse visto más como un suéter deshilachándose que como efecto de transición de power point (exagero claro). Ahí si les fallo.

Por supuesto el discurso alrededor de la relación madre-hija es interesante. Sobre todo porque hay un personaje de nombre Wyborne que hasta cierto punto es, junto con el gato, un ancla moral que ayuda a Coraline a ver la decepción de la Otra Mamá. Wyborne…un nombre que dice mucho…

Coraline es sin duda la cinta más interesante de Selick, una maravilla narrativa.

The Usual Suspects (Bryan Singer, 1995) – 6.5/10

What a twist! The Usual Suspects se siente por gran parte de la cinta como una película mas del tipo “policiaca de acción”. Nada realmente sorprendente, aunque algo en la narrativa hace pensar que algo va a suceder. De pronto, Keyser Söze…quien es Keyser Söze? La secuencia final, la revelación, si bien se puede sentir un poco desconectada…un poco como que pudieron haber más pistas…sigue siendo impresionante.

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Una banda de criminales son arrestados con relación a un crimen que ninguno de ellos cometió (bueno en realidad sí, pero no sabemos eso por ahora). Deciden entonces aliarse para una vengancita, y luego un trabajito y así…hasta que son contactados por un emisario del señor del crimen Keyser Söze. Un hombre que todos creen es una leyenda. Resulta que todo ha sido planeado por el señor Söze puesto que cada uno de estos criminales en algún momento le ha jugado chueco. El golpe final que requiere de ellos es un ataque a un barco…nadie, NADIE sobrevive, excepto por Verbal Kint, el lisiado (Kevin Spacey) y es él quien cuenta toda la historia…a medida que la va inventando.

Definitivamente hay algo en la dirección de esta cinta que logra mantener la atención del público durante los primero tres cuartos de un guion francamente soso y sin brillo. Si, el inicio es intrigante y la perspectiva de narración tiene algo de original. Después, la historia empieza a perder fuerza, se vuelve monótona y ordinaria. Pero de pronto todo se complica en la recta final, teorías y desmentidos suceden uno después de otro y el publico despierta otra vez. Sigo creyendo que hay algo de forzado en el final, pero solo después de haberla visto 4 o 5 veces. La sucesión de imágenes que inspiraron la narración de Verbal mientras la taza de café se revienta en cámara lenta es uno de mis momentos favoritos en el cine.

La elección de los actores también es un puto fuerte de la cinta. No solo Kevin Spacey hace un trabajo casi perfecto, sino que todos los personajes se ven perfectamente representados en sus actores. Hay que decir que muchos de ellos no alcanzan a rebasar la unidimensionalidad. Inclusive algunos de los elementos diseñados para dar profundidad a Dean Keaton (Gabriel Byrne) se sienten flojos. En retrospectiva, se siente evidente el intento por hacer de él el sospechoso obligatorio.

El uso de la fotografía es interesante, queda a la perfección para la historia el uso de la cámara subjetiva en la secuencia del barco. Por supuesto se lleva las palmas el momento en que Dave Kujan (Chazz Palminteri) entiende todo. Cámaras, lentas, close-ups…trabajando mano a mano con esa melodiosa voz en off.

The Usual Suspects se hubiese beneficiado con un trabajo un poco más fino en el guion, pero el inicio es lo suficientemente sólido para aguantar hasta que las cosas se ponen interesantes. Vale la pena la espera, porque el final...tssss que final.

All About Steve (Phil Traill, 2009) – 1/10

Es difícil imaginar algo tan malo como esto. Quien sea que escoja las películas en Air Canada me debe una. También yo y mi costumbre de terminar una película una vez que comienza.

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Mary (Sandra Bullock) es una diseñadora de crucigramas solterona y sin vida social. Acepta una cita a ciegas con Steve (Hartman Hughes). En cuestión de segundos ella decide que es el amor de su vida y cuando él dice, sin pensarlo realmente, que debería acompañarlo en uno de sus viajes de trabajo (es camarógrafo) ella cree que es una declaración de amor. Así que lo persigue a todas partes. Ella conoce gente, se hace de amigos y estúpidamente cae en una mina donde Steve y su equipo cubrían una historia. Logra salvarse y a una niña abandonada y todos aprendemos una valiosa lección. Otra vez.

Sobra decir que esta película no aporta nada innovador desde una perspectiva cinematográfica. La “historia” es estúpida, los personajes planos y la supuesta lección moralizadora es de risa. Vamos, el no debió insinuar que estaba interesado…de acuerdo…ella no debería comportarse como una retrasada mental tampoco. Y la idea que de pronto esta señorita es un ejemplo a seguir… No. Tantos estereotipos en tan poco tiempo son difíciles de soportar y las bromas ni siquiera son graciosas.

No, simplemente no.

Couples Retreat (Peter Billingsley, 2009) – 2.5/10

Vince Vaughn cae bien, lo he dicho antes. A Peter Favreau le reconozco que siempre me quedo con la sensación de que lo que hace le gusta. A eso hay que sumarle dos que tres chistes graciosos, Kristen Bell y Kristin Davis… y eso es todo lo rescatable de la película. Rescatable tal vez no sea la palabra adecuada…

La ficha IMDB está aquí aunque no sé como para que la querrían.

Jason (Jason Bateman) y su esposa Cynthia (Kristen Bell) están pasando por un difícil momento en su matrimonio. La única solución de acuerdo con su extensiva investigación es tomar un retiro de pareja bajo los cuidados de un especialista (Jean Reno empeñado en seguir la patética historia de Gerard Depardieu). Pero sale muy caro si solo van ellos. Así que convencen a sus amigos-pareja de ir. Por alguna razón que no existe dentro de los 113 minutos de duración de la película, todas las parejas terminan el retiro queriéndose más que nunca.

No hay realmente mucho que esperar de estas comedias románticas que de un tiempo para acá pretenden ser más comedias que románticas, aunque en realidad no son ni uno ni otro. El guion sigue la estructura establecida al pie de la letra, continuando con esa tendencia que creo notar mas y mas, donde lo importante es cumplir con los requerimientos (como la complicación no prevista, la condición ultima que debe ser cumplida, el malentendido que hace que no se cumplirá, la reconciliación a pesar de fallar y la revelación de que siempre no fallaron)…decía pues lo importante es cumplir con los requerimientos, pero como todos saben que solo son requerimientos, los creadores ya ni se molestan en pretender que la historia es mínimamente relevante.

Una vez más la necesidad de “resolver” un problema en menos de dos horas resulta en que los problemas que tomar años en desarrollarse se solucionan así como así, de pronto y ya.

Al menos me reí un par de veces.

The Imaginarium of Dr. Parnassus (Terry Gilliam, 2009) – 4The Imaginarium of Dr. Parnassus (Terry Gilliam, 2009) – 4/10

The Imaginarium of Dr. Parnassus será recordada como la ultima película de Heath Ledger. Francamente, mientras no puedo negar que no me la pase tan mal en el cine, no puedo decir que haya mucho mas por lo cual recordarla..tal vez Lily Coles bizarramente atractiva.

La ficha IMDB se localiza aquí

Básicamente, el Dr. Parnassus (Christopher Plummer) tiene la capacidad de hacer que la gente viaje dentro de su propio subconsciente y ahí, son tentados por el mal, encarnado en un sujeto de cómico bigote mejor conocido como Mr. Nick (Tom Waits). Estos dos amigos llevan siglos en un juego donde el primero quiere probar, creo, la importancia de la imaginación (como equivalente de la inocencia…creo) el segundo…se opone…creo. La onda se complica porque el Dr. Parnassus prometió entregarle a Mr. Nick a su hijo(a) cuando este le cumplió el deseo de amar a una bonita mortal. Ahora la hija, Valentina, (Lily Cole) será entregada a Mr. Nick si el Dr. Parnassus no logra poner a 5 almas en su cuenta antes que el maloso.

Por supuesto esto no es suficiente, y hay que agregar a la mezcla a Tony (Heath Ledger, Johnny Depp, Jude Law y Colin Farrell) quien escapando de la mafia rusa se hace amigo de la tropa del Dr. Y de paso seduce a la (muy) bonita Valentina.

El guion tiene agujeros, inconsistencias y desvaríos tantos que de pronto ya ni dan ganas de seguir intentándolo. Tal vez por ahí iba la apuesta, en lugar de hacer un guion épico, el equipo opto por hacer un guion complicado y torcido, con la esperanza de que se sintiese épico. Funciona un rato, pero luego ya no. Las ideologías que oponen al Dr. Parnassus contra Mr. Nick nunca son claras. La idea de que el conflicto existe desde el inicio de los tiempos se siente forzada e innecesaria. La tensión generada por el destino de Valentina es…mínima en el mejor de los casos. Interesante es la ambigüedad alrededor de Tony, su pasado y sus intenciones. Pero el todo se vuelve confuso con las dos historias conviviendo. No es que no sea una buena idea…es que no salió.

Por lo anterior mencionado, los personajes jamás logran realmente cuajar como una u otra cosa, excepto tal vez por Mr. Nick que de pronto se avienta la bonita revelación de que en realidad no quiere ganar, solo seguir jugando. Cosa que extrañamente lo pondría en el mismo plano del Dr. Parnassus, en términos de esa inocencia a conservar…

Lo interesante es también como la historia pretende tomar por momentos tonos moralistas, con la idea de las tentaciones fáciles, Tony rompiendo el balance al no dejar a la gente (a las mujeres) decidir por sí mismas, sino llevándolas de la mano hasta el momento final, el mismo Tony siendo castigado cuando se revela su naturaleza etc. Pero el Dr. Parnassus no es realmente castigado… ¿o sí? Su hija y asistente se liberan de él y tienen una vida normal (la vida normal… ¿es algo bueno?) Su otro asistente le impide seguir apostando a lo menso con Mr. Nick…pero…al final el tipo aposto a su propia hija, fue incapaz de ganar por las buenas y de todos modos parece estar re bien al final. No es que las cosas tengan que ser blanco y negro, pero si tiene que haber cierta lógica.

Por lo demás, buena onda que el proyecto se haya finalizado (si lo entendemos como un homenaje) y bonitos efectos especiales…cotorros aunque a veces desabridones. Y bonita Lily Cole. Pa pasar un rato solamente.